Erich Wolfgang KORNGOLD : Die tote Stadt [La Ville Morte].  Opéra en trois tableaux.  Livret de Paul Schott, d’après Le Mirage de Georges Rodenbach, pièce adaptée du roman Bruges-la-Morte du même auteur.

E.W. Korngold ©DR

Enfin ressuscitée par Nicolas Joel à l’Opéra Bastille, Die tote Stadt est une incontestable réussite, tant du point de vue musical que théâtral.  Opéra qui eut le privilège d’une double création, à Cologne, le 4 décembre 1920, sous la direction d’Otto Klemperer, et à Hambourg, sous celle d’Egon Pollak, avant d’être donné à Vienne le 10 janvier 1921, puis à New York au Met, la même année.  Korngold (1897-1957), enfant prodige reconnu par Mahler, élève de Zemlinsky, signe ici sa plus grande réussite opératique - dans le contexte d’une Vienne finissante, apocalypse joyeuse des dernières années de l’empire des Habsbourg - avant de s’exiler aux États-Unis, pour se consacrer, à Hollywood, à la musique de film.  En France, il fallut attendre 2001 pour entendre l’œuvre, dans sa version scénique, à Strasbourg, puis au Châtelet à Paris.

© Bern Uhlig/Opéra national de Paris

Cette nouvelle production de l’Opéra de Paris associe avec bonheur une musique aux accents wagnéro-straussiens, une interprétation irréprochable, vocale et orchestrale, et une mise en scène expressionniste, apportant un éclairage intelligent au service du livret.  Bien que tournée vers un post-romantisme qui sera bientôt passé de mode, la partition instrumentale fait preuve d’originalité dans la virtuosité de l’orchestration, un langage harmonique à la limite de la tonalité, une exubérance rythmique faite d’impressionnantes ruptures, bien rendue par l’Orchestre de l’Opéra de Paris sous la baguette exigeante de Pinchas Steinberg.  L’interprétation vocale est à la hauteur de la partition, Ricarda Merbeth, soprano puissante, lumineuse, à la voix claire sans vibrato, aux aigus généreux, s’associe au timbre sublime du ténor américain Robert Dean Smith et au merveilleux legato du baryton Stéphane Degout.

©Bern Uhlig/Opéra national de Paris

La mise en scène de Willy Decker met en relief le livret, par le jeu de scènes multiples reflétant la dimension onirique de l’œuvre, renforcée par un bel éclairage et une scénographie de qualité.  Bref, une indiscutable réussite qui signe probablement le début d’une nouvelle ère à l’Opéra Bastille…

Gaetano DONIZETTI : Don Pasquale.  Orchestre Giovanile Luigi Cherubini, dir. Riccardo Muti.  Nicola Alaimo, Laura Giordano, Mario Cassi, Francisco Gatell, Lucca d’All Amico.  Chœur du Theatro de Piacenza.  Version de concert.

Riccardo Muti [notre photo], à la tête de son orchestre des Jeunes Luigi Cherubini, fondé en 2004, était à l’affiche du Théâtre des Champs-Élysées, le 9 novembre, pour une représentation en version de concert du dernier opéra de Donizetti.

©Andrea Tamoni/Scala

Toute critique serait superflue, voire malveillante, concernant la direction du maestro, dans cet opéra déjà enregistré par lui en 1988 pour le label EMI, irréprochable d’élégance, prenant part au jeu des acteurs, dirigeant avec précision ses jeunes musiciens talentueux.  Bref, l’humeur était joyeuse ce soir-là, d’autant que la prestation vocale et scénique était de toute première qualité.  Nicola Alaimo, irrésistible en mari bafoué, donnait au rôle de Don Pasquale tout son relief, par la drôlerie de son jeu et la beauté de son timbre ; Laura Giordano campait une Norina bien faite, espiègle et moqueuse, sa voix remarquable de facilité semblait parfaitement adaptée au répertoire belcantiste comme celle de Mario Cassi dans le rôle de Malatesta.  Seul le ténor, Francisco Gatell, ne prenait guère part à la fête, par sa voix timide et son jeu étriqué.  Mais, ne soyons pas grincheux et ne boudons pas notre plaisir… Encore une fois, bravo !

Soirée russe à la Salle Pleyel.  Russian National Orchestra, dir. Mikhail Pletnev.  Nicolaï Lugansky, piano.

Mikhail Pletnev [notre photo], pianiste, chef d’orchestre et compositeur, à la tête de son Orchestre national de Russie, première formation privée et indépendante en Russie, nous proposait le samedi 31 octobre, Salle Pleyel, un programme russe associant le Prélude de Glazounov, le 1^er Concerto pour piano de Rachmaninov et la 15^e Symphonie de Chostakovitch.

©Roman Goncharov/RNO

Le Prélude de Glazounov - partie initiale de la Suite du Moyen Âge, œuvre à programme en quatre mouvements écrite en 1902 - permettait à l’orchestre de faire montre de souplesse et d’expressivité, en faisant alterner le déferlement inquiétant et impérieux des cordes simulant la tempête et le lyrisme passionné d’un duo d’amour, dans une longue mélodie éthérée.  Le 1^er Concerto de Rachmaninov - œuvre de jeunesse écrite en 1890, permettant d’apprécier les qualités du jeune compositeur, associant don mélodique, équilibre et maîtrise de l’écriture pour clavier - était ici l’occasion de mettre en avant toute la complicité de l’orchestre et de son chef avec, en soliste, un Nicolaï Lugansky [notre photo] au jeu brillant, virtuose, mais pas seulement : interprétation toute de clarté, finesse et délié.

…à Moscou, le 7 mai 1986 ©DR

Enfin la 15^e Symphonie, chant d’adieu de Chostakovitch, écrite en 1971 - à la fois sereine et méditative, presque joyeuse par instants, usant de leitmotive empruntés à Rossini ou à Wagner - permettait d’apprécier la précision et l’intelligence de la direction de Mikhail Pletnev, ainsi que la magnifique sonorité de son jeune orchestre, fondé en 1990.  Une bien belle soirée…

Un Tristan incandescent au Théâtre des Champs-Élysées.  Mahler Chamber Orchestra, dir. Daniel Harding.  Version de concert (avec les préludes de l’Acte I et de l’Acte II (en intégralité).  Waltraud Meier, John Mac Master, Michelle Breedt, Franz-Josef Selig, Michael Vier.

Daniel Harding, chef d’orchestre britannique [notre photo], avait choisi de confronter son jeune orchestre, fondé en 1997, à l’un des monuments de la musique lyrique occidentale Tristan und Isolde de Richard Wagner.  Aidé par une distribution de qualité, il a, avec brio, réussi son pari au cours de deux soirées (5 et 7 novembre) au Théâtre des Champs-Élysées.  Dès les premières mesures du Prélude, le ton était donné, révélant la cohésion, la magnifique sonorité et la charge expressive de l’orchestre, tout en nuances, sous la baguette précise de son chef.

©Simon Fowler/Virgin

La prestation vocale était au niveau de l’interprétation orchestrale, dominée par l’irremplaçable Waltraud Meier en Isolde, à la voix irréprochable dans ce rôle, à la présence scénique affirmée.  John Mac Master, ténor canadien, peu habitué au rôle de Tristan, révélait ses limites dans l’Hymne à la nuit, manquant de puissance pour faire face aux tutti de l’orchestre, mais nous laissant apprécier la beauté de son timbre lors du duo d’amour, notamment dans le registre médium.  La basse, Franz-Josef Selig, habitué de ce répertoire, donnait au roi Marke toute la franchise et la générosité nécessaires, par la chaleur de sa voix et la douceur de son legato.  Michelle Breedt, en Brangäne, et Michael Vier, en Mélot, complétaient avec bonheur la distribution.  Une prestation parfaitement réussie.

Récital de Waltraud Meier, Salle Pleyel.

Waltraud Meier [notre photo] est décidément incontournable. Après avoir incarné Marie dans Wozzeck à l’Opéra Bastille, Isolde dans le deuxième acte de Tristan au Théâtre des Champs-Élysées, la voici Salle Pleyel, dans le cycle « Grandes Voix », pour un récital comportant des Lieder de Schubert, Wagner et R. Strauss.  Ici accompagnée par le jeune pianiste Joseph Breini, c’est une nouvelle occasion d’apprécier sa voix d’exception, la beauté de son timbre, l’ampleur de sa voix, l’étendue des différents registres, ses aigus limpides et puissants, la profondeur de ses graves, sans oublier sa formidable présence scénique, irradiant puissance et douceur.  Dans Schubert, son interprétation culminera avec une Marguerite au rouet envoûtante et un Roi des Aulnes d’une grande tension dramatique ; suivaient les Wesendonk-Lieder de Wagner, dans la version originale avec piano, où l’on reconnaît sans peine les accents de Tristan, et les Quatre derniers Lieder de Strauss, parfaitement adaptés à la tessiture étendue de la mezzo-soprano.  Seule ombre au tableau : des tempi parfois exagérément lents et le manque d’ampleur du son d’un piano que l’on aurait parfois souhaité plus « orchestral ».

©Wilfried Hösl

Salle Pleyel : Orchestre de Paris, dir. Paavo Jarvi.  Janine Jansen, violon.

À la tête de l’Orchestre de Paris, dont il assurera la direction dès septembre 2010, Paavo Järvi [notre photo] dirigeait, en première partie, le Concerto pour violon de Beethoven et, en seconde partie, les Jeux d’enfants et la Symphonie en ut majeur de Bizet.  Jouant le fameux Stradivarius « Barrere » (de 1727), Janine Jansen nous a gratifié d’une magnifique interprétation du Concerto, toute en finesse de toucher, virtuosité, intuition et intelligence, associant technique sans faille à la plus grande sensibilité, notamment dans le Larghetto central au lyrisme poignant.  Les Jeux d’enfants, exercices de style pour orchestre, et la Symphonie en ut majeur, œuvre de jeunesse, claire et expressive, ont permis à Paavo Jarvi et à l’orchestre de faire montre d’une grande complicité et d’un évident plaisir de jouer.  De belles soirées en perspective !

©Sheila Rock

Patrice Imbaud

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La Ville Morte à l'Opéra Bastille.

Ce qui passe pour le chef-d'œuvre d’Erich Korngold, La Ville Morte, entre au répertoire de l'Opéra de Paris ; de façon éclatante.  Inspiré de la pièce du poète belge Georges Rodenbach, Le Mirage, elle-même tirée de son roman Bruges-la-morte, l'opéra traite un sujet symboliste : un homme, Paul, enfermé dans le souvenir de son épouse disparue dont il conserve la chevelure telle une relique et s'absorbe dans la contemplation du portrait, est soudain confronté à l'irruption d'une inconnue, l'actrice Marietta, d'une confondante ressemblance avec elle.  Séduction-répulsion, Paul vit entre rêve et réalité, apparence et idée fixe, dans le mirage de la réincarnation de la femme défunte, l'image de Mariette et de Marie se confondant peu à peu, notamment lors du rêve dans lequel l'épouse lui rappelle sa fidélité.  Pour garder intact le souvenir de Marie, il étranglera finalement l'intruse qui s'était emparée de la chevelure vénérée, et brisera là son rêve.  Car Korngold, réinterprétant Rodenbach, ne voit dans ce meurtre que le fruit d'une hallucination.

©Bernd Uhlig/Opéra national de Paris

La mise en scène de Willy Decker insiste justement sur la fusion entre rêve et réalité.  Conçue à l'origine pour le Festival de Salzbourg, puis présentée à l'Opéra de Vienne, elle a été retravaillée et trouve son vrai aboutissement sur la vaste scène de l'Opéra Bastille.  À mi-chemin entre transposition et illustration, elle décrypte le sens profond d'une pièce où tout fonctionne à travers le prisme du symbole, jeu d'acteurs allusif, décor se métamorphosant au fil de l'action, éclairages suggestifs.  Elle se focalise sur le conflit intérieur d'un homme habité par la vision obsessionnelle du retour de l'aimée.  Un habile dédoublement de l'espace permet l'illusion, par effet de miroir ou de théâtre sur le théâtre, alors que les comédiens de la troupe de Marietta vêtus de blanc interprètent, façon revue, la scène de la résurrection de l'opéra Robert le diable, ou que progresse une procession surréaliste, évocation libre de la dévotion du personnage de Paul.  Omniprésent, le portrait de la femme aimée sera tour à tour démultiplié ou figuré en gros plan, barrant le fond de scène.  Korngold a écrit une musique d'une luxuriance toute straussienne.  L'orchestration en est extrêmement diversifiée, contrastant l'opulence avec les passages intimistes, les textures compactes avec le lyrisme diaphane ; sans oublier les sonorités de cloches, allusion à cette ville de Bruges imaginée.  Le matériau sonore paraît hétérogène.  Pourtant il règne, tout au long de l'opéra, une unité foncière de climat que souligne la direction très inspirée de Pinchas Steinberg.  L'Orchestre de l'Opéra se montre brillant, même si par moment la générosité sonore en vient à concurrencer les chanteurs.  Mais ceux-ci sont solides.  Robert Dean Smith tire de ses capacités wagnériennes l'énergie requise pour le rôle écrasant de Paul, bardé de quintes aiguës soutenues et exigeant des talents d'acteur certains.  Ricarda Merbeth incarne le double personnage de Marietta/Marie avec un aplomb dramatique et vocal qui s'enflamme au fil de la soirée et atteint l'incandescence dans la scène qui oppose l'actrice à l'homme bafoué dans ce qui lui est cher.  Et que dire de Stéphane Degout dans le double rôle de Frank/Fritz, si ce n'est qu'il est éclatant de vocalité et d'aisance.

©Bernd Uhlig/Opéra national de Paris

La belle Susanna de Haendel revit grâce à William Christie.

Pour marquer le début des festivités destinées à commémorer le 30^e anniversaire des Arts Florissants, la salle Pleyel a fait les choses en grand : présence du ministre de la Culture et de pas moins de deux ambassadeurs, discours ému de son directeur en hommage au fondateur et âme de l'ensemble, William Christie [notre photo].  Et surtout une exécution mémorable d'un des plus beaux oratorios de Haendel, Susanna, enregistré live pour paraître prochainement en CD chez Virgin.  Composé en 1748, juste après Solomon, Susanna en diffère sensiblement quant au climat et à l'agencement des arias.  Toujours cet art du Saxon de contraster ses compositions : pas de grandiose ici, mais une peinture bucolique et, à certains égards, frôlant la scène réaliste.  Le sujet traite du destin de la belle Suzanne qui, durant l'absence de son époux Joachim, se voit courtisée par deux vieillards ridicules, puis accusée d'adultère par l'un eux et, enfin, rendue à son innocence.  Le sujet de Suzanne au bain, épiée par les deux vieillards, a inspiré les peintres - et on peut contempler la toile de Véronèse dans l'exposition « Rivalités à Venise » actuellement au Louvre.  En maître de la peinture des sentiments et des situations, Haendel a écrit un drame musical très proche de l'opéra, en particulier lors des tableaux de genre que constituent les interventions des vieillards, ou de ceux évoquant les bruits de la nature.  Un sentiment d’intense poésie émane de l'effet imitatif.  Tel un des airs de Susanna qui évoque le murmure de l'onde s'écoulant de la fontaine.  Les chœurs assument un rôle important, en ce qu'ils commentent les événements à la manière d'un chœur antique, autant qu'ils agissent en protagonistes de l'action.  L'admirable exécution de William Christie est dans la lignée de ses succès opératiques haendéliens à Glyndebourne, dans Rodelinda ou Jules César.  On est, comme toujours, séduit par l'élégance du geste musical qui s'exprime sur le podium par une direction svelte, quasi dansante par instant, dessinant la phrase d'une main gauche combien expressive, ou enveloppant tel trait d'un vaste mouvement chaloupé.  La chaude sonorité des Arts Florissants, d'une extrême fluidité, est tour à tour d'une infinie douceur ou d'une ferme articulation.  Admirables aussi, les chœurs délivrent un chant à la fois vivace et d'une extrême clarté, comme dans la fin du I^er acte.  Malgré deux défections de dernière minute, la distribution est digne d'éloges.  Si Sophie Karthäuser, Susanna, n'a pas une voix large, du moins l'utilise-t-elle avec délicatesse et pour des nuances exquises.  Son interprétation s'accorde parfaitement avec la vision chambriste adoptée par le chef.  Le jeune contre-ténor canadien David Dong Qyu Lee se montre à la hauteur du challenge et délivre des arias d'une grande intensité.  Les deux vieillards, William Burden et Alan Ewing, sont des compères plus comiques que réellement dangereux.  La soprano Emmanuelle de Negri, dans la double incarnation de la servante et de Daniel, fait montre d'une belle vaillance.  Le succès public est, à juste titre, considérable.  Il sera prolongé par Christie qui, en guise de discours en réponse ou de bis, gratifie l'auditoire d'une deuxième « prise » du duo final.  Où la réalité rejoint la fiction du disque.

©Julien Mignot

Reprise de Salomé à l'Opéra Bastille.

Le premier intérêt de la reprise de Salomé réside dans la direction musicale.  Alain Altinoglu [notre photo] démontre avec sûreté ce que l'orchestration complexe de Richard Strauss a de luxuriant mais aussi d'opalescent.  Un remarquable travail sur les instruments à vents en souligne l'originalité, telle la transition entre la fin du premier monologue de Salomé et l'arrivée du couple Hérode-Hérodias.  Le registre pianissimo prend une force évocatrice vraie et les déchaînements sonores ne sacrifient jamais à la brusquerie gratuite.  Surtout, l'orchestre ne couvre pas les voix.  L'Orchestre de l'Opéra se montre, dans ces conditions, particulièrement inspiré : cordes lustrées, bois raffinés, cuivres de belle rondeur, percussions incisives.

©DR

La distribution réserve des bonheurs mélangés.  Camilla Nylund possède le physique de la jeune et belle princesse de Judée, et la voix claire et articulée de ce rôle éprouvant.  La vaillance est au rendez-vous, notamment lors de la scène finale, alors qu'elle a assuré elle-même la danse des sept voiles - au demeurant plus mimée que réellement chorégraphiée.  L'évolution psychologique est conçue avec doigté, même s'il manque l'ultime frisson qui doit parcourir ce chemin d'audace non contenue.  Vincent Le Texier a, certes, l'autorité qui sied à Jochanaan, alors que la régie ne l'autorise pas à quitter un enclos en forme de cage.  Et la voix peut se révéler impressionnante, dès lors qu'il n'est plus confiné à chanter en coulisses, comme durant les premières interventions.  Mais l'émission est dangereusement gênée dans les passages aigus et les puissants accords fortissimos dont Strauss ponctuent les imprécations du personnage.  Thomas Moser et Julia Juon, s'ils évitent de tirer vers la parodie le couple des parents de l'héroïne, pèchent par réserve.  Leur caractérisation s'en tient au sommaire (Hérode) et au convenu (Hérodias).  Ce manque d'impact, on le doit sans doute à la moindre acuité de la mise en scène conçue par Lev Dodin, dont on a le sentiment que l'intensité s'est émoussée au fil des diverses prises de rôle.  Du moins ne cherche-t-elle pas à réinterpréter ce qui est parfaitement clair dans le texte, et ménage la progression d'une action en forme d'irrépressible crescendo.  Elle réserve plus d'un trait pénétrant : le frôlement par Salomé de la cage où est enfermé Jochanaan, devant laquelle elle se tapira ensuite ; le jeu en miroir des deux protagonistes : lui, ouvrant les bras pour accueillir une enfant qu'il voudrait repentante, elle, tendant les mains en avant pour tenter de séduire ce qui est désormais objet de désir ; de même, l'ultime séquence de la danse qui voit Salomé lâcher le dernier voile aux pieds même du prophète.  La discussion des cinq juifs évoque finement quelque chamaillerie hystérique ; elle est vocalement très au point.  Même si le vaste plateau ne préserve pas toujours l'intimité qui habite plus d'un moment clé, l'atmosphère nocturne procède d'une décoration dépouillée et d'éclairages très étudiés (Jean Kalman), comme l'évocation orientale d'une dominante jaune soutenu plastiquement réussie.

©Frédérique Toulet/Opéra national de Paris

Medea à l'Opéra de Lorraine.

Alors que le mythe trouve son origine chez Euripide, mais est traité aussi par Corneille, Médée (1797) a inspiré à Luigi Cherubini un opéra d'une force tragique peu commune.  Cet Italien qui se fixa à Paris et assimila adroitement le style français, a créé un personnage qui, pour puiser à la tragédie grecque, n’en annonce pas moins les héroïnes du grand opéra du XIX^e siècle.  En particulier pour ce qui est du gabarit vocal, d'une éprouvante tension, comme de la présence scénique, d'une impressionnante grandeur.  On comprend que Maria Callas s'en soit emparée naguère, qui l'immortalisa à la scène pour, plus tard, aller jusqu'à l'incarner à l'écran.  Même à l'opéra on rencontre rarement une telle figure hors norme, à la fois humaine et inhumaine, imprévisible et calculatrice.  Intransigeance, ruse, séduction, puissance vengeresse, délire morbide, Médée use de tous les affects et artifices.  Meurtrière, elle en vient à transgresser jusqu'à son image de mère.  La production de Yannis Kokkos, qui signe mise en scène, décors et costumes, naguère présentée au Capitole de Toulouse, n'a rien perdu de sa force [notre photo].  Le sens de la solennité, l'art de construire les groupes, l'animation des affrontements sans merci jalonnant l'action distinguent une régie d'un grand hiératisme qui joue les contrastes au cœur de cet épitomé de mythologie grecque ; plus proche peut-être ici de la tragédie de Racine que de la vision cornélienne.  Une décoration dépouillée joue sur l'opposition du noir et du blanc, rehaussée de la dorure de quelques éléments symboliques.  De savants éclairages (Patrice Trottier) en expriment la métaphore dramatique.  Chiara Taigi fait sien le rôle terriblement exigeant de Medea, semé de vertigineux écarts entre un registre grave impressionnant et des aigus puissants.  L'expression tragique sait ne pas se borner à la généralisation comme sombrer dans le grandiloquent.  Pour monstrueux qu'il soit, le personnage garde le sens du beau car, malgré tout, cette femme conserve une part d'humanité.  La dialectique entre passion et raison, amour et cruauté transfigure ce qui est un immense face-à-face avec soi-même.  Au dernier acte, alors que Medea est seule à affronter les affres de la décision de sacrifier ses enfants, l'interprète atteint la pure dimension de tragédienne.  Un beau timbre grave bien conduit signale la Néris de Svetlana Lifar, une des rares personnes à accompagner de compassion le voyage vers l'enfer de l'héroïne.  Même si on l'eût aimé plus inspiré, Paolo Olmi dirige un orchestre souvent ardent, à la tonalité sombre.  Et on admire la belle tenue des préludes dont celui du III^e acte qui, d'un climat de désolation, bascule en une tempétueuse coulée, à l'aune des sentiments contradictoires qui agitent Médée.

©Patrice Nin

Pierre Boulez et Maurizio Pollini réunis à Pleyel.

Dans le cadre de la série Pollini Perspectives, le pianiste italien avait cette fois convoqué son ami Pierre Boulez et l'Orchestra Filarmonica della Scala dans un programme Bartók.  Conçu par le chef d'orchestre autour du 2^e Concerto pour piano, celui-ci donne une idée assez juste de la pensée musicale du compositeur hongrois.  Ce concerto est peut-être le plus brillant des trois que Bartók ait écrit.  On y admire une virtuosité étourdissante que Pollini asservit avec son exigeance coutumière, cet airain infaillible dont il livre la coulée rugissante.  Le thème déclamatoire qui ouvre le premier mouvement, sur une fanfare joyeuse, imprime à la pièce son climat car il revient en boucle sous des formes variées, tant au piano qu'à l'orchestre, tout au long de ce mouvement et, en fin de morceau, par effet de miroir.  L'adagio central dont le pianiste souligne le caractère génial, évoque une atmosphère presque lunaire sur un lit des cordes ppp ; alors qu'un trio central, marqué presto, forme une turbulente diversion.  Le dialogue récurrent du clavier avec les percussions, un des traits si originaux du musicien, conjugué à une rythmique obsédante contribue à maintenir une tension qui ne se relâche pas.  Il est fascinant de voir à l'œuvre ces deux géants que sont Pollini et Boulez, si concentrés, le chef apparemment serein, le soliste taraudé par une sorte d'agitation intérieure qui semble même ne pas s'estomper lors des saluts.  Encadrant cette exécution mémorable, Boulez a réuni deux œuvres orchestrales de climats bien différents.  Les Quatre Pièces op. 12, qui appartiennent à la première manière du compositeur, réclament une formation de vastes proportions.  L'orchestration est somptueuse, créant une alchimie sonore rutilante que Boulez déploie tour à tour mystérieuse ou incantatoire, lyrique ou emportée, évoquant alors l'univers de Stravinsky.  Avec lui, les accents incisifs n'ont rien d'agressif.  Dans le ballet-pantomime Le Mandarin merveilleux joué dans sa version intégrale, le grotesque fait bon ménage avec le tragique.  La faconde rythmique y est on ne peut plus tendue, et mille couleurs explosent d'un orchestre luxuriant.  La vision qu'en donne Boulez atteint une sorte d'incandescence et les grands climats prennent une dimension tellurique.  L'extraordinaire économie de moyens dans la gestuelle du chef français a quelque chose d'étonnant, puisant à une sorte d'évidence du texte.  On admire aussi le formidable travail accompli par l'Orchestre de la Scala.  Fondé par Claudio Abbado en 1982, l'orchestre, outre sa participation à la saison d'opéra et de ballet du théâtre milanais, propose chaque année une série de concerts symphoniques réunissant les grandes baguettes du moment, dont celle de Daniel Barenboim qui fait figure de directeur musical.  Le niveau atteint est impressionnant quant à la clarté des attaques, la cohésion d'ensemble et le fini instrumental ; alors même que les difficultés techniques accumulées dans les compositions de Bartók sont tout simplement redoutables.  Mais, peut-être, cette phalange tient-elle de sa longue pratique de l'art vocal, une facilité à écouter l'autre, une souplesse et une malléabilité qui font florès ici.  Glorieux moments de musique !

Jean-Pierre Robert

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Henri RABAUD : Correspondance et écrits de jeunesse (1889-1907).  Présentés et annotés par Michel Rabaud.  « Perpetuum mobile », éditions Symétrie, en collaboration avec le Centre de musique romantique française Palazzetto Bru Zane, 2008.  490 p.  49 €.

Que connaît-on du compositeur Henri Rabaud (1873-1949), si ce n'est peut-être son opéra Mârouf, savetier du Caire (1914).  Injuste oubli de la postérité.  Car celui qui reçut le Prix de Rome en 1894, fut un chef d'orchestre réputé et devint directeur du Conservatoire à 47 ans seulement, aura marqué la vie musicale au tournant du siècle, commme bien d'autres, tout encore méconnus.  Sa correspondance avec l'un deux, Max d'Ollone, comme avec Daniel Halévy, homme de lettres, qui forme l'essentiel du présent ouvrage, est du plus haut intérêt. On y vit, avec un grand luxe de détails, les heurs et malheurs de la vie musicale du moment : l'ombre gigantesque de Wagner, la figure tutélaire de Massenet ; mais aussi les débats passionnés sur l'avenir du paysage musical français, alors en pleine mutation.  Glorieuse époque où, par le truchement épistolaire, on discutait âprement, dans le meilleur de la langue.  Ces deux ensembles de correspondance, écrits pour une large part lors du séjour romain de Rabaud à la Villa Médicis, se succèdent dans le temps : de 1889 à 1896 pour celle avec Halévy, et de 1897 à 1907 pour les échanges avec d'Ollone.  Il est fascinant de constater comme ils se complètent, même s'ils empruntent un ton différent.  À celui, primesautier et libre, des échanges avec Halévy, l'ami du lycée Condorcet et l'habitué de la Nouvelle Athènes, fait contraste le ton plus insistant, doctoral même, adopté avec d'Ollone, où l'on perçoit le ferment d'une amitié passionnée.  À celui-ci, il prodiguera conseils et mises en garde, en autant de débats de fond sur la modernité en musique, à une époque marquée par une extrême diversité de courants et où la révolution intellectuelle d'un Wagner, introduite plus par ses théories que par sa musique, agite les esprits.  Rabaud n'échappera pas à l'attraction/répulsion pour le maître allemand, comme il subira la même attirance/réticence envers le théâtre.  D'autres documents, certains inédits, complètent l'ouvrage, dont un vibrant portrait du musicien dressé par d'Ollone.

Jean-Pierre Robert

Christian BIET & Marie-Madeleine FRAGONARD (dir.) : Tragédies et récits de martyres en France (fin XVI^e-début XVII^e siècle).  « Bibliothèque du XVI^e siècle », 1.  Classiques Garnier (contact@classiques-garnier.com).  2009.  1 403 p.  98 €.

Si le théâtre humaniste et scolaire, protestant et jésuite, avec participation musicale, est généralement mieux connu dans les Pays rhénans, son équivalent français comporte plus rarement une participation musicale.  En revanche, les formes : tragédies et récits de martyres, à la même époque en France, sont bien plus importantes et plus largement développées comme, par exemple, l’Abraham Sacrifiant (Théodore de Bèze, 1550), avec des allusions à des interventions chantées et qui se situe à mi-chemin entre le théâtre réformé et la future tragédie classique.  Ces pièces évoquent les divers contextes historiques de l’époque : Réforme, Guerres de Religion… associés à la violence religieuse et politique.  En Allemagne, le répertoire chanté de 1 à 4 voix avec des mélodies simples, a une finalité pédagogique : exercices de prononciation, de scansion et de mémorisation.  Il n’en est pas de même en France où, entre autres, La Céciliade (ou Martyre sanglant de Ste Cécile, patronne des musiciens (1606) de Nicolas Soret, beaucoup plus élaborée, comprend un Prélude à 4 voix chantées, un Air en faveur de Ste Cécile et - à l’instar de la tragédie grecque (principe repris par les humanistes allemands) - un chœur à 4 voix à la fin de chaque acte.  Cette partition (p.389-419) est du plus haut intérêt.  C’est le grand mérite de quinze universitaires français et étrangers d’avoir - sous la direction de Chr. Biet et M.-M. Fragonard - regroupé, revu et mis à la disposition de la communauté scientifique (historiens, historiens de la littérature, du théâtre, de la musique et des sensibilités religieuses) tous ces textes reflétant deux siècles d’histoire mouvementée, avec tant de martyrs et de héros, d’auteurs anonymes ou connus : Théodore de Bèze, Pierre Corneille, Simon Goulard, Jean Crespin…  Cette publication monumentale, tout à l’honneur des Éditions Classiques Garnier, est un modèle du genre.

Cécile SAUVAGE : Écrits d’amour.  Édition établie, présentée & annotée par Béatrice Marchal.  Paris.  « Histoire », Cerf (laurence.vandame@editionsducerf.fr).  2009.  191 p. 20 €.

Cécile Sauvage (1883-1927) - mère d’Olivier Messiaen, auquel elle a dédié de nombreux poèmes - n’est pas que poète, elle est aussi « amante » et chantre de l’amour.  Spécialisée dans son œuvre poétique, Béatrice Marchal, professeur de Lettres, a regroupé de nombreux poèmes gravitant autour de divers thèmes : la femme, la maternité, l’amour, le désir au féminin, comme il ressort de son excellente introduction.  À la recherche de son identité, l’auteur de L’âme en bourgeon « apparaîtra, à côté de Louise Labbé, au premier rang des grandes amoureuses de la littérature, amantes et poètes de leur amour. » (p.21-22).  Certaines strophes, notamment celles procédant par accumulation d’idées et de questions - à la manière de Walt Whitman - ou d’autres, telles que certains Feuillets (extraits de brouillons), peuvent se prêter à une adaptation musicale.  Malgré le décalage de vocabulaire, de psychologie, de réactions de début de siècle par rapport à la sensibilité actuelle, ces poésies s’imposent par leur lyrisme, leur intériorité et leur mysticisme.  Au fil des pages, émergent la passion de C. Sauvage pour Jean de Gourmont, ou encore son amour admiratif pour son fils, Olivier Messiaen.

Christian TOURNEL : Daniel-Lesur ou l’itinéraire d’un musicien du XX^e siècle (1908-2002). « Univers musical », L’Harmattan (5-7, rue de l’École-Polytechnique, 75005 Paris.  diffusion.harmattan@wanadoo.fr), 2009.  210 p.  20 €.

Daniel-Lesur n’est pas à présenter au grand public : sa forte personnalité a marqué la deuxième moitié du XX^e siècle.  Il a largement influencé l’évolution de la musique de notre pays ; tout en restant ancré dans la tradition, son œuvre demeure originale.  Au fil des pages, Chr. Tournel évoque son enfance ; sa formation musicale, notamment au Conservatoire de Paris (piano : A. Ferté / orgue : Ch. Tournemire), ses activités de musicien professionnel (organiste, compositeur, critique musical, professeur et directeur de la Schola Cantorum) ; la fondation (puis la dispersion) du Groupe Jeune France, puis - après les années de guerre - ses efforts vers l’élargissement des formes et sa recherche de l’exotisme, ainsi que son expérience lyrique.  Grand commis de l’État, il a aussi été conseiller musical à la télévision, ce qui lui valut des récompenses officielles.  La seconde partie est consacrée à l’analyse de la personnalité et de l’œuvre de ce musicien si attachant, avide de beauté, d’authenticité, préoccupé d’œcuménisme.  Publiée avec sa participation, voici une percutante « Défense et illustration » de cet incontournable acteur français de l’aventure esthétique du XX^e siècle.

Yves KÉLER : Un chantre de la Réforme, Martin LUTHER.  42 chants.  Texte original, traduction française versifiée & chantable.  Sources & commentaires, Strasbourg, Europe Copy 67.  2009. 324 p.  29 €.

La Réforme et, plus récemment, le Concile de Vatican II ont lancé la pratique du chant en langues vernaculaires, accessible à tous.  Les autorités religieuses se sont intéressées, entre autres, aux cantiques de Martin Luther (1483-1546).  C’est le mérite d’Yves Kéler de proposer aux fidèles du XXI^e siècle une sélection de 42 chants du Réformateur de Wittenberg, en des paraphrases françaises strophiques et rimées, parfaitement chantables sur des mélodies traditionnelles et aussi proches que possible des textes originaux.  Cet ouvrage reproduit les nombreuses strophes avec le texte original, la traduction littérale (non rimée) et la traduction rimée chantable.  Avec une expérience de plus de quarante ans, l’auteur propose l’analyse des textes, les sources littéraires et mélodiques, l’histoire de son évolution et de la mélodie, sans oublier l’usage liturgique selon les temps de l’Église.  Les mélodies liturgiques (en notation d’époque et en notation moderne), des gravures judicieusement sélectionnées et une Bibliographie (Luther, recueils en usage, ouvrages allemands et français) rehaussent encore l’intérêt de cette contribution à l’hymnologie protestante qui rendra de nombreux services lors des cultes et des principales Fêtes et, d’une manière générale, à ceux qui, au XXI^e siècle, privilégient le chant d’assemblée.  Ils y trouveront non seulement les sources littéraires et mélodiques, mais encore les divers contextes, les circonstances liturgiques et le mode d’emploi des cantiques, tout à l’honneur d’Yves Kéler.

Philippe OLIVIER : Felix Mendelssohn. Un intercesseur multiculturel ?  Paris.  Hermann (daphnee.gravelat@editions-hermann.fr).  2009.  134 p.  22 €.

En cette année Mendelssohn, Ph. Olivier a apporté une intéressante contribution dont le sous-titre interrogateur : « un intercesseur multiculturel ? » donne le ton. Cet ouvrage est un « essai » original et non pas une biographie systématique et classique.  Facile à lire, sa partie descriptive mise sur les contextes familiaux et berlinois, évoque quatre générations et rappelle que Hitler prendra le pouvoir, 86 ans après le décès du musicien.  L’histoire de l’antisémitisme outre-Rhin montre que, bien après sa disparition, Mendelssohn en sera victime et qu’au XX^e siècle, en France, par exemple, son œuvre sera parfois assez mal jugée. En Allemagne, entre 1933 et 1945, sa production sera associée à la notion d’« art dégénéré » (entartete Kunst) : sa situation reste donc ambiguë.  Les fanatiques n’en ont retenu qu’« infection et désordre », ce qui d’emblée pourrait justifier la question : « ni chair, ni poisson ? »  L’auteur a le mérite de montrer que, de son temps, Mendelssohn pianiste, organiste, compositeur, maître de chapelle, chef d’orchestre et pédagogue, a attiré les foules.  Ses « œuvres phares » : Elias, Christus et Paulus révèlent des symboles de la conception du monde à l’époque de Bismarck.  Multiculturel, son apport se présente comme une « symbiose judéo-allemande », sans oublier ses attaches avec le luthéranisme.  En ce sens, cet essai se différencie de la publication à dominante biographique de Br. François-Sappey.  Grâce à de nouvelles données, Ph. Olivier propose des éclairages neufs sur Mendelssohn, « victime de la brutale répression culturelle » et, si besoin était, le réhabilite.

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La collection « BD Classic » propose une formule sortant des sentiers battus : livre attractif avec deux CDs encartés réunissant des Interprétations légendaires ; texte d’accompagnement présenté sous forme de bande dessinée, à la fois accessible et instructive, concernant le compositeur et les œuvres, et des commentaires bien structurés aux sous-titres évocateurs.

Silvestro NICOLACI & Giancarlo DIMAGGIO : Bach. Éditions BDMusic (bdmusic@bdmusic.fr). Distrib. Harmonia Mundi.  32 p. (+ 2CDs). TT : 66’13 + 77’19. 20 €.

Le volume consacré à J. S. Bach commence par une bande dessinée, avec une réflexion sur le talent, puis les principales étapes de la vie du futur Cantor de Leipzig, avec des allusions à ses supérieurs, ses rencontres, aux instruments, à quelques œuvres marquantes (Concertos brandebourgeois), à son succès à la cour de Frédéric II.  Le CD I comprend, entre autres, les Variations Goldberg dans l’interprétation historique de Glenn Gould (1955) et, après le Concerto brandebourgeois par Karl Richter et son orchestre (1958), l’Agnus Dei de la Messe en si mineur interprété par le regretté Alfred Deller (dir. G. Leonhardt).  Le CD II, tout aussi intéressant, propose une cantate, le Concerto pour violon n°1 (I. Stern) et, pour terminer, la Chaconne de la 2^e Partita en ré mineur (W. Schneiderhan, violon).

José CORREA : Satie.  32 p. (+ 2CDs).  TT : 59’27 + 55’36.  20 €.

Dans le volume consacré à Erik Satie, la BD relate les principales étapes de sa vie, évoque non sans humour son caractère, ses idées, regroupe des commentaires désopilants, sans parler de la conclusion : « Bien que nos renseignements soient faux, nous ne les garantissons pas. » Toutefois, les commentaires qui suivent sont plus sérieux.  Quant aux 2CDs, ils reproduisent des œuvres clés, interprétées dans les meilleures conditions, par exemple Gymnopédies, Parade, Socrate, sa moins connue Messe des pauvres pour orgue & chœur (enregistrée en 1951).

Alain GOUTAL & Joe G. PINELLI : Bartók.  32 p. (+2CDs).  TT : 74’01 + 74’41.  20 €.

La BD du volume consacré à Béla Bartók est plus classique : larges paysages, dessins naïfs, scènes couleur locale, coloris pastels.  Le texte le situe « au carrefour des cultures », « en quête de sons neufs », « du folklore à la musique pure », « de la maturité à l’exil ».  Enfin, les CDs laissent une large part à son opéra Le Château de Barbe-Bleue (livret : B. Balazs), à sa Musique pour cordes, percussions & célesta (Orchestre symphonique de Chicago, dir. Fr. Reiner, 1958), entre autres.

Ces trois réalisations de BD Music méritent de vifs éloges pour leur originalité, leur attrait, leur conception originale, leur riche contenu, l’intérêt du commentaire de Fr. Hudry et leur apport musical historique.

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Antonin SCHERRER : Raffaele d’Alessandro ou L’urgence intérieure.  « Mélophiles » n°23.  Papillon (www.editionspapillon.ch).  15 x 21 cm, 180 p., photos n&b, ex. mus.

La collection « Mélophiles » a le grand mérite de présenter des compositeurs qui n’ont pas nécessairement la place qu’ils méritent parmi les publications en langue française.  C’est le cas de Raffaele d’Alessandro que Dinu Lipatti considère comme l’« un des musiciens les plus complets de notre génération… pianiste racé… organiste remarquable… mais aussi - et surtout - un créateur d’une puissance et d’une richesse d’inspiration indubitables. »  A. Scherrer, chroniqueur musical suisse, propose une monographie classique mettant l’accent sur le message de ce compositeur suisse qui, né en 1911 à Saint-Gall, a connu une jeunesse alémanique et, à 6 ans, improvisait déjà au piano, avant de découvrir l’orgue…  À l’âge de 13 ans, il compose déjà des Lieder, des chansons populaires, des mélodies…  À Zurich, élève de Willy Schuh, il enseigne le piano, puis étudie l’orgue en Allemagne et en France, ou dans la classe de Nadia Boulanger.   Ses premières compositions se situent dans le sillage de Ch. Tournemire, L. Vierne et M. Dupré.  La Suisse le découvrira dans les années 1940, il sera apprécié de Fr. Martin, d’E. Ansermet et de nombreux éditeurs de son pays.  Après 1949, c’est la conquête de l’Allemagne et des États-Unis.  Il poursuit toujours ses compositions, jusqu’à sa mort en 1959, non sans avoir laissé un important catalogue (musique instrumentale, orchestrale, vocale, chorale).  Voici une excellente incursion dans la vie et l’œuvre d’un musicien suisse toujours guidé par son cœur et son intuition - conforme aux objectifs des éditions Papillon.

Édith Weber

Ermend BONNAL : Lettres et écrits, présentés et annotés par Déborah Bonin & Laurie Marcoz.  Delatour : DLT1485.  255 p. 19 €.

On lira avec beaucoup d’intérêt cette correspondance d’un compositeur & organiste français trop méconnu.  Né en 1880, élève du Conservatoire de Paris où il obtient les prix d’orgue et d’improvisation, il travaille avec Alexandre Guilmant et suit les cours de composition de Gabriel Fauré en compagnie de Florent Schmitt, Albert Roussel, Maurice Ravel…  Pour mieux découvrir ce magnifique compositeur, on ne peut que conseiller de se rendre sur le site consacré à l’homme et à son œuvre : www.bonnal.org/Ermend_Bonnal/accueil_home.html. L’ouvrage ne concerne que deux périodes de la vie d’Ermend Bonnal : celle des études de ce Bordelais au Conservatoire de Paris, et la période des années 1935-1940 où Ermend Bonnal se lance, avec un « peintre-cinéaste », Ferdinand Earle, dans la conception d’un nouveau genre musical.  La guerre interrompra ce projet qui ne verra jamais le jour.

Daniel Blackstone

Jean-Philippe RAMEAU : Traité de l’Harmonie, précédé de Rameau, l’harmonie & les méprises de la tradition, par Jean-François Kremer.  ZurfluH (www.zurfluh.com).  16 x 24 cm, 434 p. ex. mus. 40 €.

Éminent spécialiste de Rameau, le musicologue Jean-François Krémer offre ici au lecteur, outre le fac-similé du Traité originel (1722), tous éclaircissements nécessaires (théoriques, historiques, esthétiques, pédagogiques…).  Où sont, en outre, évoquées les réactions positives à l’ouvrage mais aussi les controverses animées qu’il suscita auprès de, notamment, Rousseau et d’Alembert.  Où sont également présentés « les successeurs de Rameau », au nombre desquels Choron, Catel, Fétis, Savard, Reber, Dubois, Koechlin, Bitsch… Une utile mise en perspective.

Jean DURON (Textes réunis par) : Le Prince et la musique.  Les passions musicales de Louis XIV.  CMBV / Mardaga (www.mardaga.be).  17 x 24 cm, 320 p., ill. n&b et couleurs.  29,00 €.

En bâtissant Versailles, Louis XIV fut, sans doute, le premier monarque du monde moderne à élever un temple à la musique.  Chaque espace du palais, chaque temps de la journée n’était-il pas, en effet, illustré par une musique propre ?  Fut-il jamais royaume d’Europe qui ait consacré autant d’argent au plus impalpable de tous les arts ? Est analysée - de divers points de vue littéraires, musicologiques et d’historiens de l’art - la relation qui aura uni Louis XIV à l’art des sons.  Après quelques prolégomènes signés Béatrix Saule (conservateur en chef du château de Versailles) & Jean Duron (maître d’œuvre du présent ouvrage), les contributions apparaissent sous quatre rubriques : L’héritage et l’éducation du roi (Alexandre Maral, Catherine Massip, Catherine Cessac, Emmanuel Bury, Philippe Vendrix), Le goût du roi (Anne-Madeleine Goulet, Jérôme de La Gorce, Rebecca Harris-Warrick, Christian Biet), La mise en scène par l’objet et l’image (Alberto Ausoni, Florence Gétreau, Alain Mérot), La musique : une affaire d’État (Denis Herlin, Laurent Guillo, Théodora Psychoyou).

Jean DURON (Textes réunis par) : Grétry en société.  « Regards sur la musique », CMBV / Mardaga (www.mardaga.be).  14,5 x 22 cm, 256 p., ill. n&b et couleurs, ex. mus.  25,00 €.

Bien que sa gloire présente ne soit qu’un pâle reflet de l’extraordinaire popularité qui fut jadis la sienne, nombreux sont les ouvrages consacrés à André-Ernest-Modeste Grétry (1741-1813).  Sous la houlette de Jean Duron, directeur du Centre de musique baroque de Versailles (CMBV), cette étude croise les regards d’historiens de l’art, de la littérature et de la musique : Grétry, instaurateur de l’opéra moderne (David Charlton), Compositeur des portraitistes parisiens (Carole Blumenfeld), …et ses dédicataires, 1767-1789 (Thomas Vernet), Des salons à la Cour, avant la Révolution (David Hennebelle), Arrangements instrumentaux de ses opéras, à la fin du XVIII^e siècle (Hervé Audéon), Vers de Racine dans le livret de l’Andromaque de Pitra (Buford Norman), L’adresse aux jeunes compositeurs (Jean Duron).

Françoise RICO : Le Chant du roseau de Provence.  ZurfluH (AZ 1830).  21 x 21 cm, 170 p., ill. n&b et couleurs.  30 €. 

Certes méconnue est l’histoire des anches, cordes vocales - en quelque sorte - des saxophones, clarinettes, hautbois et autres bassons…  Arrière-petite-fille du compositeur Joseph Rico & fille de l’un des premiers marchands de « cannes à musique » du Var, Françoise Rico comble cette lacune.  En quatre parties : L’anche du point de vue de… (Sonny Rollins, Benny Golson, Guy Deplus, Michel Arrignon, etc.), Les destins de la canne de Provence (traditions, marchands, concerts), L’anche, de l’agriculture à la culture (du roseau à musique à l’anche de roseau, « Arundo donax », plante privilégiée), Le tour de l’anche en un siècle (premières manufactures… montmartroises (!) & facteurs d’anches en roseau du Var).  Lexique & coordonnées des principaux facteurs d’anches dans le monde.

Gérard DENIZEAU : Gioachino Rossini.  « Horizons », Bleu Nuit éditeur (www.bne.fr).  Couverture souple, 14 x 20 cm, 176 p., nombreuses illustrations, ex. mus.  20 €.

Invraisemblable prolificité éditoriale de notre éminent collaborateur Gérard Denizeau ! Après tant d’ouvrages consacrés aux liens des arts visuels (peinture, sculpture, architecture, urbanisme) & de la musique, ne voilà-t-il pas qu’il nous livre une biographie de musicien, illustre compositeur certes, au demeurant mal connu.  En sept parties : Les années d’apprentissage/ Métamorphoses lyriques dans l’Italie de Rossini/ L’éclatante apothéose napolitaine/ L’emprise sur toute l’Italie/ La consécration parisienne/ L’inexplicable et glorieuse retraite/ Le génie théâtral de Rossini, vu par Annick Massis [www.annickmassis.com].  Annexes : Tableau synoptique, Catalogue des œuvres, Bibliographie, Discographie sélective, DVDthèque, Index.

Jean-Pierre ARMENGAUD : Erik Satie.  Fayard.  Relié (couverture souple), 14 x 22 cm, 790 p., ex. mus.  32 €.

Il s’agit là d’une synthèse des innombrables écrits publiés sur le compositeur des Gymnopédies - dont ceux notamment d’Ornella Volta, satique papesse.  Où sont toutefois jetées de nouvelles lumières sur les prétendues incohérences d’un homme qui reste, au demeurant, fort mystérieux.  Analyse de quelques partitions qui auront radicalement réorienté notre écoute…  La somme de référence, désormais.

Sylvain CARON, Michel DUCHESNEAU et alii : Musique, art et religion dans l’entre-deux-guerres.  « Perpetuum mobile », Symétrie (www.symetrie.com).  17 x 24 cm, 506 p., ill. n&b, ex.mus., cahier d’illustrations couleurs.  60 €.

Sous la direction de deux éminents musicologues de l’Université de Montréal, cette fresque historique met à jour les diverses articulations - dans la musique & les arts d’une période charnière – de la religion, des courants néo et de la modernité.  Après « Musique et foi : vers un nouvel humanisme ? » (Sylvain Caron, Michel Duchesneau), l’ouvrage se divise en cinq parties : « Esthétique et idéologie » (Anne-Marie Green, Valérie Dufour, Sylvain Caron, Marie-Noëlle Lavoie, Marie-Thérèse Lefebvre), « La musique à l’église » (Gilles Routhier, Michel Steinmetz, Mario Coutu, Martine & Jacques Rhéaume, Cécile Auzolle, Marie-Louise Langlais), « Le ballet & l’oratorio ou le drame humain » (Pascal Lecroart, Jon-Tomas Godin, Jacinthe Harbec, Audrée Descheneaux, Barbara L. Kelly), « Beaux-arts, musique & religion » (Delphine Grivel, Fabienne Stahl, Dominique Escande, Steven Huebner, Nicole Dubreuil), « Le cas Olivier Messiaen » (Robert Fallon, Radosveta Bruzaud, Yves Balmer, Jean Boivin).

Dorian ASTOR, Gérard COURCHELLE & Patrick TAÏEB : Opéra-ci, Opéra-là ou comment découvrir l’art lyrique.  « Hors série », Gallimard.  17,5 x 25 cm, 432 p., 60 ill. couleurs.  35 €.

Par trois spécialistes - et fort habiles vulgarisateurs - du monde de l’opéra, sont ici présentés, non sans éclats de vie de leurs compositeurs, vingt-cinq hits de la scène opératique : Orfeo, Atys, King Arthur, Giulio Cesare, Orlando furioso, Platée, Armide, Les Noces de Figaro, Le Barbier de Séville, Der Freischütz, Norma, Les Troyens, La Belle Hélène, Tristan et Isolde, Boris Godounov, Carmen, Eugène Onéguine, Rigoletto, Tosca, Pelléas et Mélisande, Jenufa, Salomé, Wozzeck, Billy Budd, West Side Story (avec Extraits du livret/ Guide pour une première écoute/ Parcours historique et culturel autour du musicien & de son œuvre/ Mises en scènes historiques et modernes).  Même si l’on peut regretter l’omission de telle ou telle production contemporaine, quel meilleur choix imaginer ?

Lyse RICHER et alii (Un parcours biographique par) : André Prévost. La musique que je suis.  Préface d’Henri Dutilleux.  Varia (www.varia.com).  14 x 22 cm, 416 p., cahier de photos n&b, ex. mus. 34,95 $.

Après de solides études au Conservatoire du Québec puis, à Paris, au Conservatoire national et à l’École Normale de musique, André Prévost (1934-2001) mena une brillante carrière internationale de compositeur et de pédagogue.  En témoignent ici cinq de ses amis : Jean LeTourneux (temps des études), Lyse Richer (biographie), Jacques Hétu (analyse des différents aspects de l’œuvre), James Dormeyer (réalisation d’émissions télévisées), Jean Laurendeau (histoire d’une amitié).  Émouvante préface d’Henri Dutilleux qui l’eut comme élève, à l’École Normale de musique de Paris (alors dirigée par Alfred Cortot).  Un juste hommage.

Bernd CLAUSEN (Würzburg), Ursula HEMETEK (Vienna) & Eva SÆTHER (Malmö) for the European Music Council (Edited by) : Music in Motion.  Diversity and Dialogue in Europe.  En anglais.  Transcript (www.transcript-verlag.de).  14,5 x 22,5 cm, 438 p., ill. n&b. 34,80 €.

Sont ici décrites les activités musicales des minorités ethniques en Europe et leur impact sur les traditions musicales locales.  Comment s’intègrent-elles dans l’éducation et la vie musicale de chaque pays ? La musique peut-elle aider à un dialogue transculturel ? Comment les musiques de ces minorités peuvent-elles s’épanouir dans un environnement étranger ?  À ces questions sont apportées diverses réponses.  Après une préface intitulée « Music in Motion - a European project » (en France, Allemagne, Slovénie, Turquie, Italie), l’Introduction propose deux articles fondamentaux « Europe & the potentials of music in motion » (Svanibor Pettan) et « Is there such a thing as European racism ? » (Étienne Balibar).  Sujets ensuite développés dans « Thematic Approches » et « Model Projects ». 

Voir le site : www.extra-project.eu

Laurent CUGNY : Analyser le jazz.  Outre Mesure (Tél. : 01 47 07 06 21.  www.outre-mesure.net).  18 x 22 cm, 576 p., 96 figures musicales, 43 reproductions de documents & tableaux.  Discographie & bibliographie sélectives, index.  44,00 €.

Admirables éditions Outre Mesure qui, dans leur collection « Contrepoints », auront davantage fait pour une véritable musicologie du jazz qu’aucune autre maison - et ce, probablement dans le monde… Ainsi le présent volume - signé d’un éminent professeur à Paris IV-Sorbonne qui longtemps dirigea l’Orchestre national de jazz – fait-il le point complet de nos connaissances historiques en la matière, et nous propose-t-il un instrumentarium analytique : grammaire des progressions tonales, système de repérage des polyrythmies, modes d’analyse des choruses, protocole d’analyse des œuvres…  Un socle théorique tout à fait convaincant.

Claude NOUGARO : Nougaro par lui-même, dessins & chansons.  Avant-propos : Hélène Nougaro.  Préface & sélection des œuvres : Chantal Armagnac.  « Littérature illustrée », Luc Pire (www.lucpire.eu).  Grand album relié, 23 x 29,5 cm, 145 p.  29 €.

Textes de 53 chansons, illustrés de 80 admirables dessins en couleurs (tels d’un Cocteau flamboyant), composent cet émouvant album (ô Le rocher de Biarritz, Sa majesté le jazz, Toulouse…)

Nicolas JAUJOU : Accords mineurs. De l’usage de catégories musicales.  « Études culturelles », Presses universitaires de Bordeaux (www.pub.u-bordeaux3.fr).  15 x 23 cm, 320 p.  32 €.

Où sont étudiées, par le menu, nos catégorisations musicales & nos besoins d’y recourir dans tel ou tel contexte.  Passionnant travail d’anthropologue, issu d’une thèse de doctorat.  Introduction : « En parlant musique » (Prises de parole/ Ce que l’écrit ne dit pas/ Investir le monde).  Première partie : « Des hommes pour des catégories » (Le sociologue & les musiques amplifiées/ La techno pure : du réel, de l’action et de l’ordinaire).  Deuxième partie : « Des vies pour des recherches » (Se chercher en parlant/ Se vivre ensemble).  Troisième partie : « Des histoires pour des accords » (Politique des lieux communs/ Histoires de goûts).  Conclusion : « En projet » (Des lectures pour des projets/ Anthropologie scénographique/ Anthropolinguistique & innovation logicielle).  Scrutateur en diable !

Bernard VECCHIONE & Christian HAUER (Sous la direction de) : Le sens langagier du musical.  Sémiosis et hermenéia.  Actes du 1^er Symposium d’Aix-en-Provence (15 et 16 mai 1998). Textes en anglais ou en français.  « Arts & Sciences de l’art », L’Harmattan.  13,5 x 21,5 cm, 290 p., tableaux, ex. mus.  28 €.

Forme de « langagiarité » humaine, la musique l’est assurément.  Mais en quoi & comment ? Quelle est sa nature exacte - sémiosis ou hermenéia ? Les deux à la fois répondent de bons auteurs, cependant que d’autres plaident l’exclusivité.  Actes fort œcuméniques, au demeurant, où sont équitablement répartis les points de vue de Eero Tarasti, Emmanuel Gorge, Raymond Monelle, Márta Grabócz, Robert S. Hatten, Christine Esclapez, Michael Spitzer, Nicolas Meeùs, Fabio Dasilva, Michela Garda, Christian Hauer, Bernard Vecchione.

Revue « Circuit », musiques contemporaines, vol. 19, n°3 : Pionniers canadiens de la lutherie électronique.  Les Presses de l’Université de Montréal (www.revuecircuit.ca).  21 x 23 cm, 136 p., ill. n&b.  28 CA $.

Plutôt qu’aux musiques électroacoustiques elles-mêmes, cette nouvelle livraison de Circuit, superbe publication québécoise, s’intéresse aux institutions musicales qui auront permis la mise sur pied, puis l’essor de tels répertoires.  Principales contributions : « Paysage sonore électronique et canadien » (Jonathan Goldman), « Entretien avec Otto Joachim » (Gayle Young), « Entretien avec Barry Truax » (Sylvia L’Écuyer), « Dans le sillage de Nil Parent » (Gisèle Ricard), « L’opéra audiovisuel dans le cinéma québécois » (Réal La Rochelle), « István Anhalt on Electronic Music » (Matt Rogalsky).  Document : « An Electronic Music Studio fort the Independant Composer, 1964 » (Gordon Mumma).  Cahier d’analyse : « Pensée sérielle, écriture postmoderne (ou l’inverse) dans Chute/Parachute de Michel Gonneville ».  Plus thèmes d’actualité.

Pierrette GERMAIN-DAVID : Lena ou le destin d’un violon., nouvelle.  ZurfluH (www.zurfluh.com).  14,5 x 20,5 cm, 40 p., 6,00 €.

Fort intrigante est cette nouvelle que viennent de publier les éditions Zurfluh.  Dans le style d’une rare élégance que nous lui connaissons, Pierrette Germain-David - éminente productrice d’émissions sur France Musique, ancienne présidente de l’Association des femmes compositeurs - nous conte les rocambolesques aventures, sous le Premier Empire, d’un Guarneri JHS, instrument qui - suite aux passions amoureuses & musicales d’une certaine Lena, pianiste concertiste de son état – connaîtra un destin hors du commun.  Mais pourquoi donc laisser présager, fin XVIII^e siècle, de nos - ô combien fâcheuses ! - « auteure » et « professeure »…

Christian DUMAIS-LVOWSKI : Variations sur L’après-midi d’un faune.  « Pollen », Alternatives (www.editionsalternatives.com).  10 x 19 cm, 64 p, ill. n&b et couleurs.  12 €.

Après de nombreux articles, conférences, émissions de radio & de télévision sur Nijinski, Christian Dumais-Lvowski nous livre aujourd’hui une manière d’anthologie de ses poèmes autour des « métamorphoses du Faune », admirable plaquette, émaillée de citations et d’illustrations judicieusement choisies par le graveur québécois Claire Lemay.

Daniel BECHET : Sidney Bechet, mon père.  Alphée/Jean-Paul Bertrand (www.gillesparis.com).  14 x 22 cm, 236 p., 2 cahiers de photos (pour la plupart inédites) n&b.  21,00 €.

Rédigé en collaboration avec l’historien du jazz Fabrice Zammarchi, cet émouvant hommage du fils unique du grand saxophoniste (www.sidney-bechet-productions.com) retrace les principales étapes de la vie du musicien, mais nous fait surtout pénétrer dans l’intimité d’un homme qui fut - et demeure - tellement cher au cœur des Français.

Véronique MORTAIGNE : Johnny Hallyday, le Roi caché.  Don Quichotte/Le Seuil.  14 x 20,5 cm, 274 p., bibliographie & discographie sélectives. 18 €.

Rien moins que people est cette biographie de l’inaltérable vedette du rock français.  Comment pourrait-il en aller autrement sous la plume de l’excellente Véronique Mortaigne, critique avisée de notre confrère Le Monde ?  Johnny, magnifique bête de scène auquel auront rendu hommage – outre son fidèle public populaire – des personnalités aussi diverses que Sagan, Aragon, Roda-Gil, Duras, Godard, Weyergans…  Plus de 1 000 chansons à son répertoire, près de 100 millions de disques vendus, participation à 36 films, 567 sites Web à lui consacrés (site officiel : www.johnnyhallyday.com).  Total respect !

Erwan CHUBERRE : Vanessa Paradis.  Éditions Alphée/Jean-Paul Bertrand.  14 x 22 cm, 256 p., cahier de photos couleurs.  19,90 €.

Élégante et délicieuse Vanessa dont le glamour à la française aura, peu à peu, gagné tous les cœurs.  Sachant s’entourer des meilleurs auteurs (Gainsbourg, Roda-Gil, Chédid, Kravitz…), la compagne de Johnny Deep a désormais accédé – grâce aussi au cinéma (Becker, Leconte, Brisseau, Frydman, Niclou, Chaumeil…) - au statut d’icône internationale. 

Thierry DESAULES : Placebo : Rock sur ordonnance.  Éditions Alphée/ Jean-Paul Bertrand.  14 x 22 cm, 218 p., ill. n&b et couleurs.  19,90 €.

De nombreux témoignages et extraits d’interviews - tels ceux de Virginie Despentes ou de Jane Birkin - permettent de mieux analyser le phénomène Placebo, groupe sulfureux dont Brian Molko est la figure emblématique (entouré désormais du bassiste Stefan Olsdan & du percussionniste Steve Forrest).  Pour amateurs « éclairés ».

Stéphanie MOLINERO : Les publics du rap.  Enquête sociologique.  « Musiques & champ social », L’Harmattan.  15,5 x 24 cm, 354 p., 32,50 €.

Depuis Le rap ou la fureur de dire (1990) du regretté Georges Lapassade, sont parues de nombreuses biographies de rappeurs mais rien, en revanche, sur leurs publics.  C’est le propos de la présente publication.  En 9 parties : Pratiques d’écoute & représentations sociales/ Musique de masse ou musique d’initiés ?/ Appréhension & réception du rap en tant que « création populaire »/ Pour une définition « compréhensive » de l’amateur de rap/ Amateurs & consommateurs/ Réception du rap & appartenances de classe/ Musique populaire ?

Stan CUESTA (Textes de) : Une histoire de la chanson française en vinyls.  Ereme éditions (www.ereme.net).  25,5 x 25,5 cm, 240 p., ill. couleurs.  29,50 €.

Dans cette fort plaisante collection (qui nous aura déjà donné Eros vinyls, Rock vinyls, Progressive rock vinyls, Vinyls yéyé…), voilà que paraît, fort à propos avant le solstice, une Histoire de la chanson française en vinyls !  Où nous sommes conviés à redécouvrir les couvertures « vinyle » de tant de voix chères qui - pour la plupart, hélas ! - se sont tues...  D’Édith Piaf à Bashung (ô Madame rêve), via quelques Bobby Lapointe, Trenet, Rita Mitsuko, Brassens, Ferré, Hallyday, Gainsbard, Daho et autres Noir Désir…

Francis Cousté

Alfonso SIGNORINI : Fière et fragile Maria Callas.  Traduit de l’italien par Raymond Voyat.  Éditions du Rocher.  253 p.  19 €.

Les amateurs de biographies romancées, admirateurs de Stefan Zweig, ne s’y retrouveront sans doute pas, non plus d’ailleurs qu’historiens ou musicologues.  Il s’agit là d’un livre directement issu de la presse people, plutôt mal écrit, parfois vulgaire.  Maria Callas méritait certes mieux que cela !

Patrice Imbaud

POUR LES PLUS JEUNES

Anne MONTANGE : Babik, l’enfant du voyage.  Illustrations d’Élise Mansot.  CD inclus.  « Les contes du musée de la musique », Actes Sud Junior/Cité de la musique.  Dès 5 ans.  Album relié, 21 x 21 cm, 40 p., ill. couleurs.  15 €.

Pour cette merveilleuse collection du Musée de la musique, Anne Montange a écrit et nous conte les aventures de Babik, l’enfant du voyage.  Réalisation : Louis Dunoyer de Segonzac.  Pour découvrir la guitare manouche avec, notamment, David Reinhardt jouant la guitare de son grand-père Django…  Album émaillé de ravissantes illustrations signées Élise Mansot.  À la bonne hotte !

Francis Cousté

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