Chants de Pâques.  Schola des Moines de l’Abbaye de Saint Martin de Ligugé. DBA : 10/07 200. TT : 44’22.

Voici un enregistrement d'un grégorien véridique, sans artifice, tel que le chantent les moines de l’abbaye Saint-Martin de Ligugé dans leurs offices. L’abbaye, la plus ancienne implantation monastique connue, abrite une trentaine de moines selon la règle de Saint Benoît de Nurcie. La liturgie de Pâques, la plus importante de l'année chrétienne, abonde en pièces grégoriennes qui jalonnent les cérémonies. Parmi les chants choisis pour cet enregistrement figurent les célèbres Pange Lingua (procession de l'Eucharistie le Jeudi saint), Victimæ Pascali Laudes (séquence de la messe de Pâques), O Filli et Filliæ (hymne pour le Benedicamus Domino) et Veni Creator Spiritu (hymne pour les Vêpres entre l'Ascension et la Pentecôte ). L'intérêt particulier de cet album se situe dans une interprétation véritablement liturgique par un chœur à effectif réduit, avec ces quelques infimes imperfections qui rendent ces pièces plus vivantes encore dans l'expression de la foi chrétienne.

 

Sources : Monodies et polyphonies médiévales.  Mora Vocis : MOVO 1-2007. TT : 61’23.

Ces vingt pièces interprétées par l'ensemble vocal féminin Mora Vocis chantent l’eau et les sources dans le répertoire de la musique sacrée occidentale du XI^e au XV^e siècles.  Profondeur des eaux souterraines, fleuves débordants, force régénératrice ou purificatrice, la musique de l'eau parle en un langage universel qui convie l'auditeur à un rapport fluide avec le temps. La qualité vocale de Mora Vocis est remarquable de pureté et de limpidité. On peut également apprécier le choix des pièces issues de divers manuscrits (Bamberg, Hildegarde de Bingen, Burgos…), couvrant cinq siècles de musique monodique et polyphonique. L'album est accompagné d'un livret explicatif très complet tant au plan de l'interprétation que des principes fondamentaux de la musique médiévale et des sources d'inspiration.  À découvrir.

 

Musique francaise : œuvres de Ladmirault, Fauré, Cras, Ravel.  Piano à 4 mains : Laurent Boukobza & Jean-Pierre Ferey.  Skarbo : DSK 4073. TT : 58’37.

Laurent Boukobza et Jean-Pierre Ferey nous proposent ici un excellent enregistrement de musique française pour piano à quatre mains. Outre les plus que célèbres Dolly de Gabriel Fauré et Ma Mère l’Oye de Maurice Ravel, les pianistes se sont plu à inclure les Âmes d’enfant de Jean Cras (1918), charmantes pièces écrites à l’origine pour les six petites mains des filles du compositeur.  Avec la Rhapsodie gaélique du trop méconnu Paul Ladmirault (1909), les deux interprètes nous entraînent dans un univers musical dans lequel alternent rythmes populaires bretons et écriture éminemment fauréenne. Un vrai régal…

 

Antonio VIVALDI : L'Estro Armonico.  Bonus DVD : The Four Seasons Mosaic.  Tafelmusik Baroque Orchestra, dir. Jeanne Lamon.  Elisabeth Wallfisch, violon.  DHM : 88697190442. TT : 63’30 (CD) + 54'08 (DVD).

C’est avec L’Estro Armonico que Vivaldi, en 1711, a imposé la forme du concerto grosso initié par Corelli à la fin du XVII^e siècle.  L’Estro Armonico est un recueil de douze concertos comportant des formules rythmiques et mélodiques très audacieuses pour l’époque. L’écriture virtuose, cependant, ne nuit en aucune façon à la profondeur expressive soutenue par une forte tension intérieure. Si l’œuvre a été maintes et maintes fois enregistrée, ce nouvel album n’est en aucun cas un remake. Le Tafelmusik Baroque Orchestra fait preuve d’une énergie débordante dans un parcours à la fois volubile et empreint de sensibilité. En bonus, un DVD propose une expérience originale : The Four Seasons Mosaic. Les Quatre Saisons sont revisitées par l’ensemble baroque auquel sont ajoutés un pipa chinois (Wen Zhao), un sarangi indien (Aruna Narayan) et deux voix inuits (Sylvia Cloutier & June Shappa). Outre d’intéressantes explications sur ces différentes techniques musicales, le film, admirablement réalisé, montre à quel point la musique de Vivaldi s’intègre à toutes les époques et à toutes les cultures. Un vrai document.

Gérard Moindrot

 

Marin MARAIS : Pièces de viole, Sarabande à deux violes.  SAINTE-COLOMBE : Concert XLVIII.  Josh Cheatham, Julien Léonard, violes de gambe.  Skip Sempé, clavecin.  Paradizo : PA0006. TT : 65'46.

Ancêtre du violoncelle, la viole de gambe ou basse de viole est l’instrument par excellence du baroque français. Magnifiée par des luthiers célèbres, elle offre une résonance et une puissante sonorité, outre cette vibration particulière qui la rend proche de la voix humaine ; sans parler de sa propension à la mélodie et à l'ornementation. Grand maître de l'instrument, interprète et compositeur, Marin Marais cultive «  une alternance fascinante entre le populaire et le chic » souligne Skip Sempé. Ses Pièces de viole avec accompagement de clavecin renferment tous ces mouvements de danse qui font florès dans la musique française baroque, l'élégiaque Sarabande, la Gigue alerte, l'Allemande décidée et autres Courante labile. Certaines sont dénommées, comme chez Rameau : La Marianne, La Précieuse.  Sainte-Colombe, musicien énigmatique (on ne sait pas exactement ses dates), a été le professeur de Marais. Ses Concerts « à deux violes esgales » , pièces dites « de caractères », sont pleines d'ornementations, au comble de la « fantaisie purement musicale » (ibid.).  Le jeune violiste néerlandais Josh Cheatham fait sien cet idiome, le parant de couleurs et d'ornementations graciles, voire de trémolos originaux. Souplesse et raffinement se partagent son jeu tandis que Skip Sempé lui donne une réplique plus qu'attentionnée. Le rendu sonore est opulent dans une acoustique discrètement réverbérée.

 

Manuscrit de Bauyn : pièces de clavecin de Louis COUPERIN, Luigi ROSSI, Girolamo FRESCOBALDI, Johann Jakob FROBERGER.  Benjamin Allard, clavecin. Hortus : 035.  TT : 56'27.

La manuscrit de Bauyn, du nom d’un riche financier mélomane du XVII^e siècle, qui renferme quelque 350 pièces composées entre 1640 et 1650, fait figure de corpus de référence pour  la musique française de clavecin. Plusieurs compositeurs se partagent la vedette éditoriale. À commencer par Louis Couperin.  Les Pièces en la et en fa, qui se distinguent par leur imagination harmonique, sont bâties sur le triptyque allemande-courante-sarabande, suivi d'une ou plusieurs pièces conclusives, de danse aussi (La Piémontoise dans la premier cas, un Bransle de Basque et une Chaconne dans le second).  Froberger, musicien allemand (1616-1667), organiste de la chapelle impériale à Vienne, vécut aussi à Paris. Ses compositions savantes sont fort variées quant au style. On trouve encore sur le CD une Passacaille de Rossi, unique pièce instrumentale de ce compositeur qui dédia son art à la voix, et un Capriccio de Frescobaldi.  Benjamin Allard, claveciniste aussi bien qu'organiste (il est titulaire du grand orgue de l'église Saint-Louis-en-l’Île à Paris ) joue sur un instrument très intéresssant, copie par Humeau d'un clavecin de Rückers, facteur anversois célébre au siècle d'or. Ses sonorités sont très incisives avec une belle résonance dans les registres inférieurs.

 

Antonio VIVALDI : La Fida Ninfa.  Sandrine Piau, Veronica Cangemi, Marie-Nicole Lemieux, Sarah Mingardo, Philippe Jaroussky, Topi Lehtipuu, Lorenzo Ragazzo.  Ensemble Matheus, dir. Jean-Christophe Spinozi.  3CDs Naïve : OP30410.  TT : 59'33 + 66'15 + 63'51.

Autre merveille de la production opératique de Vivaldi que La Fida Ninfa, créée en 1732 à Vérone. L’offre dramatique limitée d'un sujet bucolique convenu, Vivaldi la transfigure par une musique infiniment inventive, sans cesse renouvelée : myriade d'arias da capo propres à peindre les affects, mais aussi ensembles, duetto – par exemple entre contralto et contre-ténor – trio et même quatuor vocal, récitatifs aussi intenses que vivants. L'écriture vocale fort complexe offre un redoutable challenge aux interprètes, tels ces arias di bravura où le mot virtuosité est peu dire devant la pyrotechnie étourdissante demandée, mais aussi ces cantilènes au débit alangui.  Partout ses talents de contrapuntiste sont en évidence, rythmes orchestraux sertissant de près le soliste, sinfonie originales dont une tempesta di mare. Le présent enregistrement est un vrai festin vocal. Les prestations s'énamourent d'expressions extrêmes et on se pâme devant un tel assortiment de timbres. Ainsi des deux prime donne, S.Piau, plus aérienne que jamais dans les colorature délicates, et V.Cangemi qui l'égale en expressivité ; des voix graves de dames aussi, M.-N.Lemieux qui imprime une joie communicative à tout ce qu'elle fait, et S.Mingardo dans la courte apparition finale de Junon.  Et que dire des messieurs : un contre-ténor élégiaque, Ph.Jaroussky, un ténor, T.Lehtipuu, dont les airs sont de purs joyaux baroques, enfin une basse, L.Ragazzo, à la verve irrésistible.  La fertilité de l'orchestre vivaldien n'a pas de secret pour J.-C. Spinozi, chez lui dans cette pulsation balancée ou convulsive, dans ces amples contrastes, du murmure au forte jubilatoire, poussant ses solistes dans leurs retranchements ; au final un soupçon moins exubérant qu'à son ordinaire.  Ce qui n'empêche pas l’Ensemble Matheus d'être égal à lui-même.

 

Vincenzo BELLINI : La Sonnambula.  Cecilia Bartoli, Juan Diego Florez, Ildebrando D'Arcangelo.  Orchestre La Scintilla Zürich, dir. Allesandro de Marchi.  2CDs Decca/L'Oiseau Lyre : 478 1087.  TT : 59'10 + 75'01.

Cette Sonnambula en CD signe plusieurs premières : l’interprétation du melodramma de Bellini sur instruments d'époque, dans sa version originale telle que créée par Giudita Pasta, mais immortalisée par Maria Malibran ; avant qu'il ne soit pris d'assaut moyennant quelques ajouts, par les sopranos colorature.  Cecilia Bartoli, qui s’est fait un devoir de ressusciter le répertoire de la Malibran, confie combien le rôle est en fait confortable pour une voix de mezzo-soprano. Première rencontre au disque aussi entre Bartoli et J.D.Florez, le tenorissimo belcantiste du moment. Le résultat est à la hauteur de l'annonce. Alors même que la direction d'orchestre est comme une révélation. Alessandro de Marchi qui dirige la Scintilla zurichoise, s'empare à bras le corps de l'originale instrumentation bellinienne, comme ces pizzicatos détachés des cordes. L'art de créer la juste atmosphère n'a d'égal que le soin apporté pour varier les climats. L'Amina de Bartoli appréhende de manière gourmande les mots, tel naguère un Fischer-Dieskau, comme le texte musical avec cette émotion à fleur de peau et un sens dramatique toujours vrai. Le travail sur l'ornementation est fascinant, comme sur la sonorité, du plus clair au plus sombre, et les inflexions infinitésimales.  Florez, Elvino, a ce timbre solaire, cette articulation claire du texte, cette plasticité vocale épanouie que couronne une quinte aiguë brillante.  Leurs duos, outre la combinaison inhabituelle de deux timbres non pareils, confinent au fusionnel, de par les nuances infinies qu'ils y forgent, passant de la douceur élégiaque à l'affirmation d'une vocalité éclatante. Leurs collègues sont à la hauteur de l'événement, notamment I.D'Arcangelo, le type même de la voix de basse chantante. Les chœurs de l’Opernhaus de Zürich connaissent à la perfection leurs cantilènes italiennes. Pour l’île déserte !

 

Wolfgang Amadeus MOZART : Sérénade KV 360 Gran Partita.  Alban BERG : Concerto de chambre pour 13 instruments à vent, piano et violon.  Mitsuko Uchida, piano, Christian Tetzlaff, violon. Ensemble Intercontemporain, dir. Pierre Boulez.  Decca : 478 0316. TT : 80’18.

Il peut paraître singulier de rapprocher la Sérénade Gran Partita de Mozart du Concerto de chambre de Berg ; encore que les deux pièces requièrent le même nombre d'instruments, treize, et à vent dans les deux cas, outre un piano et un violon chez Berg ; comme improbable de voir Pierre Boulez diriger Mozart – ce qu’il fit pourtant à Salzbourg, l’été 2006, dans cette même œuvre. Il y a selon lui, une même culture du chant et de la mélodie chez ces deux musiciens de théâtre, et dans les variations créées par l'un et l'autre « la même richesse, la même prolifération d'idées ». Dans la Sérénade l'accent est mis sur les contrastes de climat et les combinaisons de timbres. Voilà un Mozart en pleine lumière (menuetto décidé), sans afféterie (adagios au tempo proche d'un andante), d'une exubérance certaine au final. Avec le Kammerkonzert, Berg à la fois regarde vers un monde nouveau et jette un ultime regard en arrière. La composition savante qui fait intervenir le piano au 1^er mouvement, le violon au deuxième, et les deux à parts égales au final, n'est pas si ésotérique qu'il y paraît. La matière du Thème et variations initial est riche mais claire. L'adagio offre des pages inspirées et un ample lyrisme malgré la densité de la texture. Le rondo ritmico qui voit enfin les deux solistes côte à côte, d'une redoutable complexité, évoque un continuum cinématographique, pour se résumer dans un pianissimo. Les vents de l'Ensemble Intercontemporain, la pianiste et le violoniste établissent ce délicat équilibre entre masses sonores pour en préserver la transparence, voire les effets théâtraux. La confrontation des deux pièces s'avère plus que judicieuse.

 

Johannes BRAHMS : Quatuors pour pianos et cordes n°1, 2, 3.  Renaud Capuçon, violon ; Gautier Capuçon, violoncelle ; Gérard Caussé, alto ; Nicholas Angelich, piano. 2CDs Virgin Classics : 50999 519310 2. TT : 76'03 + 51'59.

Brahms est souvent à son meilleur dans l’univers de la musique de chambre. Ses quatuors pour piano et cordes reflètent sa personnalité. Le Quatuor op.25, le plus joué des trois, a, lors de sa création en 1861, avec Clara Schumann au piano, pu déconcerter. Pourtant quelle richesse thématique, notamment dans l'introduction « ruisselante de musique » selon Claude Rostand. L'intermezzo qui tient lieu de scherzo, livre des clairs-obscurs subtils. Les « Capuçon and friends », s'ils font ressortir la liberté contrapuntique d'une œuvre aux multiples facettes, en proposent une exécution quelque peu détachée à force de vouloir allèger la texture. Le refus du rubato, de l'expansion romantique n'évite pas une certaine placidité ; encore que le final, rondo alla ungareze, empli de joie irrésitible et entrecoupé de séquences délicatement mélancoliques, soit très réussi.  Ils sont plus à l'aise dans le Quatuor op.60, qui par sa conception même, fruit de la passion inavouée du musicien pour Clara – qui créera la pièce en 1876 - offre un dramatisme presque outrancier au début puis un scherzo trépidant et un andante chantant, bref moment de détente. Il est certain que l'approche « gallique » qui cherche à débarrasser le discours de toute pesanteur germanique et à alléger les climats passionnés, se révèle payante ici. Le piano d’Angelich y est un modèle de fluidité et l'équilibre piano-cordes bien jaugé. Le Quatuor n°2, op.26, est resté dans l'ombre de l'opus 25, car moins directement séduisant. On aurait tort pourtant de le négliger, car sa facture est rigoureuse, condensé de la manière brahmsienne.

 

Gabriel FAURÉ : Requiem, op.48. Cantique de Jean Racine, op.11.  Sandrine Piau, soprano, Stéphane Degout, baryton.  Chœur Accentus, dir. Laurence Equilbey.  Naïve : V5137.  TT : 41'21.

Il était prévisible que Laurence Equilbey et Accentus abordent le Requiem de Fauré, une des pièces les plus emblématiques du répertoire choral - bien éloignée des Mozart, Brahms, sans parler de Verdi.  Fauré, qui disait avoir « voulu faire autre chose » y prend quelques libertés avec les textes liturgiques : omission du Dies irae dont n'est conservé que le Lux aeterna, modification de l'agencement des séquences, le Pie Jesu remplaçant le Benedictus.  On joue la version de 1873, pour formation de chambre sans violons.  Le sentiment d'intimité en sort renforcé, d'intériorité aussi. Comment ne pas s'arrêter sur ces instants magiques que sont l’Hostias, le Pie Jesu, la dernière partie du Lux aeterna, affirmation de vérité, et bien sûr le in Paradisium où l’art de la modulation confine au sublime. L'interprétation, abordée dans des tempos retenus, est sereine, d'une douce ferveur, les rares éclats, en cohérence avec le dépouillement extrême de l'ensemble. Rarement cette « berceuse de la mort » n'a paru si recueillie. La merveilleuse écriture chorale fauréenne ne saurait avoir meilleur défenseur qu’Accentus.  Les deux solistes (élégiaque St.Degout, séraphique S.Piau) savent ne pas attirer l’attention plus qu’il faut. L’enregistrement, effectué à la basilique Sainte-Clotilde de Paris, dont le grand Cavaillé-Coll eut pour titulaire Franck et Tournemire, est d'une chaude résonance.

 

« Amoureuses ». Mozart, Haydn, Gluck : airs extraits d’opéras.  Patricia Petibon, soprano.  Concerto Köln, dir. Daniel Harding. Universal/DG : 00289 477 468. TT : 68'39.

La femme amoureuse est au cœur de l’art opératique. Belle idée que d’avoir rapproché trois compositeurs de l’époque classique qui lui ont dédiée des pages mémorables. Elle est d’abord tragédienne : la désespérée Giunia de Lucio Silla, là où la vocalise est une composante de l'approche dramatique et non pure prouesse technique ; la tragique Iphigénie à laquelle Gluck prête les plus nobles accents ; la magicienne Armide de Gluck encore, froide et calculatrice - un festin de choix pour l'interprète, dévorée de passion comme la chanteuse ici, jusqu'à émettre un son presque vampirisé.  Les affects d'Armide sont aussi traités par Haydn dans une aria d'une grande agitation. On retrouve encore l’épouse éplorée chez Euridice (L'anima del filosofo), ou les émois de la première rencontre amoureuse de Silvia dans L’Isola Disabitata de Haydn.  Elle peut aussi revêtir des habits comiques, tel le travesti Volpino de Lo Speziale de Haydn, sorte de mamamouchi cocasse. Elle est encore douce ou rouée, chez Mozart, dans Les Noces, telle Barbarina et Susanna dont les deux airs du III^e acte sont ici judicieusement rapprochés. Ce sont les diverses facettes d'un art vocal façonné à l’école de deux maîtres du style, Harnoncourt et Christie, que prodigue Patricia Petibon.  Outre des vocalises séraphiques, ce florilège d'airs montre une voix parée d'une nouvelle intensité, pour une « approche dramaturgique » dit-elle, et un chant tout sauf d’« une beauté lisse ». De fait, le deuxième air de la Reine de la Nuit est quasi un aria di furore.

 

« Un frisson francais » : un siècle de mélodies françaises.  Susan Graham, mezzo-soprano ; Malcom Martineau, piano. Onyx : 4030. TT :77'34.

Voici un disque qui sort vraiment de l'ordinaire : une anthologie de mélodies françaises présentant 22 compositeurs, dont quelques oubliés (Caplet, Bachelet, Paladilhe), représentés chacun par une seule pièce. Elle est conçue en cinq parties : les pères fondateurs cultivant la ligne musicale plus que le rythme (Au rossignol de Gounod) ; les postromantiques où priment la couleur vocale et le discours pianistique (Les cigales de Chabrier) au service d'atmosphères nocturnes parfumées, et qui n'évitent pas le caractère opératique (Duparc : Au pays où l'on fait la guerre) ; l'avènement du siècle nouveau, réaction contre la manière romantique, par le dépouillement du style (Le Paon de Ravel ) ou la modernité de l’harmonie (Messiaen : La fiançée perdue) ; le retour au passé, sur le thème de l'enfance, qui voit éclore les styles les plus divergents, diversement traités, du pastiche (À Chloris de Hahn) à la parodie (La souris d’Angleterre de Rosenthal). Le récital se conclut par le mélodrame de Poulenc, La Dame de Monte-Carlo, sur un texte de Cocteau, modèle de ce qu’est l'art de la mélodie française, une « fusion si agréable et séduisante de poésie et de musique » souligne le pianiste. Faculté d'adaptation à des compositions si diverses, intelligence du texte, goût sûr pour l’inflexion gallique, suprême distinction caractérisent l'approche de Susan Graham. Ces compliments, on peut aussi les adresser au pianiste. Un étonnant récital vraiment.

 

Hommage à MESSIAEN : Préludes pour piano. Catalogues d'oiseaux (deux extraits : La Bouscarde, L'Alouette Lulu ).  Quatre Études de rythme (deux extraits : Île de Feu, I et II).  Pierre-Laurent Aimard, piano.  Universal/DG : 00289 477 7452.  TT : 59'48.

Protégé du maître, élève de son épouse Yvonne Loriod, Pierre-Laurent Aimard rassemble un certain nombre de pièces pianistiques relativement négligées de Messiaen. « Écrites à des moments difficiles de son existence », ces compositions sont très contrastées.  Les Préludes (1928-1930), composés peu après la mort de sa mère, Claire Delbos, montrent déjà une totale maîtrise des possibilités de  l'instrument, dans la lignée de ses maîtres, Dukas et Debussy.  Une pièce comme Les sons impalpables du rêve... associe son et couleur, technique qui habitera bien des pages ultérieures.  Le sonorités sont cosmiques et l'harmonie des plus habiles, tels ce martèlement de sonorités, cette progression dynamique avec des effets de résonance comme lumineuse.  Tribut à la source d'inspiration majeure de Messiaen, les chants d'oiseaux, qui trouvera son glorieux aboutissement dans Saint-François d'Assise, P.-L.Aimard joue deux extraits du gigantesque Catalogue d'Oiseaux, ces « petites pièces de théâtre ornithologique », fidèles restitutions de ce que la Nature livre de plus beau.  Le récital se clôt par deux extraits des Études de rythme. Écrites pour Y.Loriod, la virtuose, elles exigent une formidable énergie. Elles sont dédiées à la Papouasie et à ses rythmes primitifs : martèlements incessants encore, de la main gauche notamment, et chapelets d'accords percussifs.  Partout P.-L.Aimard privilégie une approche pudique. Il est à l’aise autant dans les nuances de coloris - « cascades de pierreries », souligne-t-il - que dans les ruptures de rythme et les contrastes harmoniques qui exploitent l’entier registre du clavier.

 

Felix MENDELSSOHN : Prélude, op.104a n°2 ; Rondo Capriccioso, op.14 ; Romances sans paroles, op.38 n°2, op.19 n°2, op.102 n°5 ; Variations sérieuses, op.54 ; Caprices, op.33, n°2 et 3 ; Trois Études, op.104b ; Scherzo, op.16 ; Deux Lieder transcrits par Liszt ; Scherzo (extrait du Songe d'une nuit d’été), transcrit par Rachmaninov.  Bertrand Chamayou, piano.  Naïve : V5131.  TT : 65'.

Merveilleuse anthologie consacrée à Mendelssohn, en forme de « Liederabend sans paroles ». Ainsi du Rondo Capriccioso, plein d'esprit, d'un bouquet de Romances sans paroles qui comme les Mazurkas chez Chopin, fleurissent tout au long de sa vie créatrice, des Variations sérieuses dont Schumann soulignait « l'humeur farouche » et enfin des volubiles Études op.104.  Bertrand Chamayou y ajoute des transcriptions de Lieder où le génial Liszt enveloppe, dans un même geste, parties de piano et de chant, et du fameux Scherzo du Songe d’une nuit d’été, revu par Rachmaninov, délicat point d’orgue d’un captivant récital. Car, derrière ce jeune garçon sage, se cache une personnalité hors du commun.

 

Claude DEBUSSY : Sonate n°1 pour violoncelle et piano ; Valse « La plus que lente » ; Scherzo ; Intermezzo.  Francis POULENC : Sonate pour violoncelle et piano ; Suite française d’après Claude Gervaise ; Bagatelle, extrait du Bal Masqué ; Sérénade.  Jean-Guihen Queyras, violoncelle. Alexandre Tharaud, piano.  Harmonia Mundi : HMC902012.  TT : 62’47.

Rien a priori ne semble rapprocher la Sonate pour violoncelle et piano de Debussy de celle de Poulenc. Encore qu’à y regarder de près, comme le soulignent les deux interprètes, elles ont plus d’un élément en commun : la même admiration de la part de deux compositeurs pour les maîtres anciens, Couperin et Rameau chez le premier, la musique médiévale pour le second ; le même art de l’imprévisible ironique. Comment ne pas voir dans la Sonate de Debussy un chef-d’œuvre d’esprit.  La pièce de Poulenc offre un mélange de pofondeur et de style Dada, passant en un tour de main de l’humour au sérieux. La mise en perspective ne s’arrête pas là et nous vaut un florilège de courtes pièces empruntées à chacun des compositeurs.  Dans ce passionnant programme l’osmose entre les deux jeunes musiciens est totale, à l’aune de ce vrai esprit français fait d’élégance, de légèreté de ton et de délicatesse du jeu !

 

Claude DEBUSSY, Gabriel FAURÉ, Maurice RAVEL : Quatuor à cordes.  Quatuor Ébène.  Virgin Classics : 519045.  TT : 79’.

Quatre jeunes gens dans le vent qui engrangent les succès, jouent dans leur récent CD pas moins que les opus de Debussy et de Ravel auxquels ils ajoutent celui de Fauré.  L’empathie pour ces pièces est admirable, la façon de trouver le ton juste, la cohérence dans les fluctuations du tempo, l’art de souligner l’accent et de modeler la sonorité, l’extrême lisibilité du discours, même dans les passages les plus exposés.  Et tout cela sans jamais forcer le trait.  Il y a là un mélange de fougue juvénile et d’étonnante maturité.  La maîtrise instrumentale est tout aussi fascinante, d’une précision dans l’attaque qui sait ne pas être rude, apte par sa fluidité à abonder les couleurs irisées, les atmosphères joyeuses et mélancoliques.  Ils sont tout autant chez eux dans les fausses brumes debussystes que dans la virtuosité ravélienne.  Et combien à l’aise pour décrypter les mélismes fauréens, si épurés ici.

Jean-Pierre Robert

 

Chants sacrés géorgiens. Jade (43, rue de Rennes, Paris VI^e. promotion@milanmusic.fr) : 699 670-2.  TT : 47’01.

La musique religieuse géorgienne est assez proche de l’esthétique de la musique byzantine. Ce chant, pratiqué en langue liturgique géorgienne en usage dès le IV^e siècle dans les monastères de l’un des plus anciens pays chrétiens, atteint son point culminant entre le X^e et le XII^e siècle. Ce disque comprend une sélection de chants géorgiens pour les temps de Noël et de Pâques, et d’illustre des formes typiques : Tropaire (courte prière chantée après chaque verset de psaume), Trisagion (chant de l’ordinaire) et Kondakion (série de 20 à 30 strophes chantées sur la même mélodie), avec aussi l’incontournable Hymne des Chérubins.  Ce chant polyphonique est également cultivé en Bulgarie et même en Palestine, dans les monastères du désert du Sinaï. Ce répertoire est replacé dans ses divers contextes. Il est particulièrement mis en valeur par les voix lumineuses et prenantes du chœur Harmonie géorgienne placé sous la direction autorisée de Nana Peradze.

 

Philippe Rogier : Missa Domine Dominus noster.  Matheo ROMERO : Missa bonae voluntatis.  2CDs Ricercar (Outher S. A., rue du Chêne 27, B-1000 Bruxelles. stephanie.flament@alpha-prod.com) : RIC271. TT : 118’36.

Ce coffret présente d’abord un « Office de mariage à la Cour d’Espagne » interprété par quatre ensembles : le Chœur de chambre de Namur, La Fenice, Doulce mémoire et le Ricercar Consort, tous dirigés par Jean Tubéry.  Philippe Rogier (1560-1596) arrive en Espagne en 1572.  Il assumera ensuite la charge de maître de chapelle. Malgré sa brève existence, ce prêtre a laissé environ 240 œuvres polyphoniques (messes, motets…).  Sa Messe Domine Dominus noster est écrite à 12 voix qui dialoguent ; son écriture polychorale la situe à la charnière des XVI^e et XVII^e siècles.

Matheo Romero (Matthieu Rosemarin, ca 1575-1647), chantre liégeois installé à Madrid, au service de Charles Quint, roi d’Espagne, profitera de l’enseignement de Ph. Rogier auquel il succédera sous Philippe III.  Sa Missa bonae voluntatis, « Office pour l’Ordre de la Toison d’or », est écrite pour 3 chœurs qui alternent, chacun ayant sa basse continue.  Le propre est celui de l’Office de saint André, conservé aux archives de la cathédrale de Salamanque. Le Chœur de chambre de Namur, La Fenice et l’ensemble Doulce mémoire, sous la direction de Jean Tubéry : tous les chanteurs et instrumentistes ont le mérite d’attirer l’attention sur ces deux compositeurs flamands installés en Espagne et de faire redécouvrir ces deux œuvres sortant des sentiers battus.

 

Manuscrit Bauyn.  Benjamin Alard, clavecin.  Hortus (2, rue Diderot, 92600 Asnières. editionshortus@wanadoo.fr) : 065.  TT : 56’27.

Comme l’Andreas-Bach-Buch pour le jeune Jean-Sébastien, le Manuscrit d’André Bauyn de Bersan, illustrant le répertoire de musique pour clavecin et s’imposant par sa diversité, regroupe non seulement des œuvres de jeunesse : Pièces en la et en fa de Louis Couperin (ca 1626-1661 : à ne pas confondre avec François), mais encore des pages recopiées par le jeune musicien, allant de la Passacaille de Luigi Rossi (1598-1653), aux Toccatas en ré et en fa, Allemande et Gigue de Johann Jakob Froberger (1616-1667) - que L. Couperin avait rencontré en 1652 -, en passant par le Capriccio en sol de Girolamo Frescobaldi (1583-1643).  Au total, 18 pièces reposant notamment sur des danses selon l’usage.  Benjamin Alard - élève de François Ménissier pour l’orgue et d’Élisabeth Joyé pour le clavecin, ainsi qu’à la Schola Cantorum basiliensis, titulaire du nouvel orgue de l’église Saint-Louis-en-l’Île (Paris) - réserve un sort royal à ces œuvres rarement enregistrées : judicieuse initiative (2008) des éditions Hortus.

 

Jean GILLES : Requiem et motet : Cantate Jordanis Incolae.  Ligia Digital (ligia-digital@orange.fr) : Lidi 0202196-8.  TT : 68’02.

Le Requiem de Jean Gilles (1668-1705) - maître de musique de Saint-Étienne de Toulouse - a été entendu, entre autres, lors d’un des services funèbres célébrés à la mémoire de Jean-Philippe Rameau en l’église de l’Oratoire du Louvre (Paris).  Cette œuvre, restituée par l’abbé Jean Prim, a été rééditée par Jean-Marc Andrieu qui la qualifie de « chef-d’œuvre au destin singulier » et qui - à la tête du chœur de chambre Les Éléments (Joël Suhubiette) et de l’orchestre Les Passions - ne ménage pas ses efforts pour conférer toute sa densité et sa luminosité à cette Messe des morts, assez majestueuse et n’échappant toutefois pas à la pompe de l’époque.  Cette œuvre - avec le rythme pointé à la manière française, si typique de son Ouverture en forme de marche - retiendra l’attention des mélomanes du XXI^e siècle qui, comme ceux du XVIII^e siècle, l’entendront « toujours avec satisfaction, malgré son ancienneté… » (Le Mercure de France).

 

Duos for flute and oboe. Centaur (www.centaurrecords.com) : CRC 2775.  TT : 55’50.

Ce disque déjà un peu ancien révèle des Duos (ou arrangements) pour bois.  Ils sont interprétés par Claudia Anderson (flûte) - professeur invitée, très connue aux États-Unis - et William McMullen (hautbois) - professeur de hautbois, soliste du Lincoln Symphony Orchestra.  Ils forment une équipe bien soudée au service de ce répertoire allant de W. A. Mozart à José Serebrier (né en 1938) et présentant des formes traditionnelles (invention, petits préludes, impromptus, duos, canzone).  En revanche, certaines œuvres sont dotées de titres évocateurs : Calandres, Spipolettes, Alouettes… (G. Migot) ; Nuage, arbre… (J. Serebrier) ; d’autres encore indiquent les mouvements en italien (Allegro vivace, Moderato, Allegro…).  Cet enregistrement, réalisé à l’Université du Nebraska (à Lincoln), s’imposera par l’association des sonorités chantantes et particulièrement expressives, et par la diversité des pièces retenues et rendues avec brillance et musicalité.

 

Roger CALMEL : L’enfant-Roi.  Coda Musique (29, avenue Carnot, 33200 Bordeaux coda.musique@free.fr) : CM 241208.

L’enregistrement (2008) de la cantate (ou pastorale) : L’enfant-Roi de Roger Calmel, né en 1920 (et non 1921…), disparu en 1998, constitue l’un des hommages rendus à ce compositeur français si attachant, à l’occasion des dix ans de sa mort.  Il est réalisé par 4 solistes, le chœur Les Polysons et l’orchestre Les Cordes mêlées, tous placés sous la direction d’Élisabeth Trigo.  Cette pastorale - l’une de ses plus belles œuvres -, reposant sur le texte de Jean-Pierre Nortel (également le récitant), relate l’histoire d’un enfant qui, avec son tambour, ne veut pas laisser dormir les gens, la nuit de Noël.  Par la suite, deux bergers le poursuivent.  Finalement, il rencontre l’enfant Jésus.  Roger Calmel crée l’atmosphère, spéculant sur les sonorités lumineuses et brillantes. Œuvre à écouter d’un seul tenant.

Édith Weber

 

Jacques BOISGALLAIS (°1927) : Musique de chambre.  Le Chant du Monde : LDC 2781151.  TT : 68’.

Longtemps réputé pour ses seules mises en ondes radiophoniques & enregistrements de concerts, le compositeur Jacques Boisgallais connaît aujourd’hui une juste reconnaissance.  Déjà auteur d’une cinquantaine d’œuvres pour grand orchestre, ensemble instrumental ou musique de chambre - écrites dans une atonalité sans exclusive d’incursions modales -, il nous propose ici une superbe relecture d’œuvres chambristes plus ou moins récentes : 1^re Sonate pour violon & piano (2000/2003), Toccata pour deux pianos (1957/2002), Trio-Passacaille pour piano, violon & violoncelle (2001), Divertimento pour clarinette, violon, violoncelle & piano (2002/2004), 1^er Quatuor à cordes (1958/2001). « Works in progress… »  Une révélation !

 

Klaus HUBER (°1924) : Miserere Hominibus (pour 7 chanteurs & 7 instrumentistes).  Agnus Dei cum Recordatione (Hommage à Ockeghem, pour 4 chanteurs, luth & 2 vièles). Les Jeunes Solistes, dir. Rachid Safir.  Soupir éditions (www.les-jeunes-solistes.com) : S216. Distr. Nocturne. TT : 54’36.

Il s’agit là de commandes passées par Rachid Safir à son vieux complice, le Suisse Klaus Huber - dans la musique duquel sérialisme & polyphonies vocales inspirées de la Renaissance se compénétrent jusqu’à fusionner.  Ainsi dans Miserere hominibus (2007) - psaume de pénitence -, où le compositeur rassemble, outre le texte biblique, des textes de Jacques Derrida, Mahmoud Darvich, Octavio Paz et Carl Amery.  Fustigations de l’égoïsme et du culte que l’homme voue à l’argent… Tout en finesse, voix et instruments sont traités comme s’il s’agissait d’un seul et même ensemble chambriste.

 

Les éditions Audite (www.audite.de) rééditent leurs plus célèbres enregistrements d’Herbert von Karajan.  Volume I : Requiem de Verdi [2 CDs : 23.415.  Wiener Philharmoniker, Singverein der Musikfreunde Wien.  H. Zadek, M. Klose, H. Rosvaenge, B. Christoff. 1949].  Volume II : Symphonie n°41 « Jupiter » et Concerto pour piano n°20 de Mozart [CD : 95.602.  Berliner Philharmoniker. Wilhelm Kempff, piano. 1956].  Volume III : Symphonies n°3 et Symphonie n°9 de Beethoven [CD : 23.414.  Berliner Philharmoniker, Chor der St. Hedwigs-Kathedrale Berlin.  E. Grümmer, M. Höffgen, E. Haefliger, G. Frick.  1953/1957].

 

Henry PURCELL : Lover’s Roses.  Sébastien Fournier, contre-ténor (www.sebastienfournier.com).  Ensemble Sprezzatura : Sébastien Guillot, clavecin & orgue positif.  Anne-Marie Lasla, basse de viole.  Hybrid’Music (www.hybridmusic.com) : H1814.  TT : 51’31.

Formé aux meilleures écoles (Henry Ledroit à Lyon, Guild School of Music and Drama of London), le contre-ténor Sébastien Fournier fondait, en 1998, l’ensemble Sprezzatura, avec lequel il se produit aujourd’hui dans de nombreux festivals internationaux.  Il a ici enregistré quinze des mythiques Ayres and Songs d’Henry Purcell, naguère illustrés par le grand Alfred Deller - auprès duquel notre jeune Lyonnais ne démérite assurément pas.

 

Gabriel FAURÉ : Requiem.  Fauré/Messager : Messe des Pêcheurs de Villerville.  La Chapelle Royale, Les Petits Chanteurs de Saint-Louis & l’Ensemble Musique Oblique, dir. Philippe Herreweghe.  Agnès Mellon, soprano.  Peter Kooy, baryton.  Harmonia Mundi : HMG 501292.  TT : 56’15.

S’il est un chef à qui l’on peut faire confiance pour la fidélité d’une restitution, c’est bien Ph. Herreweghe.  Ainsi ce Requiem (1893) retrouve-t-il ici l’hédoniste sérénité de sa création en l’église de La Madeleine - sans les excès romantisants dont il fit si souvent l’objet en de plus vastes lieux.  Solistes, chœurs et orchestre méritent tous les éloges.  Moins connue est la Messe des Pêcheurs de Villerville (1881) pour voix de femmes, orchestre de chambre & harmonium, œuvre que deux compères en vacances s’étaient « amusés » à composer pour venir en aide à une association locale.  Heureuse conjonction, au demeurant, de deux grands mélodistes.

 

Manuel de FALLA : Siete canciones populares españolas (1914), Concerto per clavicembalo (1926), El gran teatro del mundo (1927), Psyché (1925).  Victoria de los Angeles, soprano.  Chœur Lieder Camera & Orchestre de chambre Teatre Lliure, dir. Josep Pons.  Harmonia Mundi : HMG 501432.  TT : 42’58.

À l’exemple de son maître Felipe Pedrell, Manuel de Falla s’inspire du folklore espagnol dans ses célèbres Sept chansons populaires aussi bien que dans Le grand théâtre du monde, musique de scène pour la pièce de Calderón, œuvres ici admirablement ciselées par Victoria de los Angeles.  La grande soprano interprète, en outre, Le Printemps de Psyché, exquise miniature sur un poème de Georges Jean-Aubry.  Œuvre la plus « avant-gardiste » du compositeur, le Concerto pour clavecin est interprété, en soliste, par Lluis Vidal.

 

Karol BEFFA (piano) : Improvisations.  Intrada (www.intrada.fr) : Intr 036.  TT : 79’38.

Rêveuses improvisations - d’inspiration le plus souvent debussyste - autour d’une vingtaine de thèmes suggérés, le 29 juillet 2007, par le public de l’Ircam…  Karol Beffa est aujourd’hui l’un des très rares musiciens - en dehors du monde de l’orgue, du jazz ou de l’accompagnement de films muets - à se hasarder à soutenir pareille gageure.  Et avec quel talent !...

 

Stéphane BLET (°1969) : Insomnies.  Première mondiale.  Natalia Sitolenko, piano.  Marcal Classics : 040901.  Distrib. Codaex France.  TT : 64’57.

Furieusement lisztienne est l’œuvre de Stéphane Blet.  Avec la pianiste russe Natalia Sitolenko (°1970), le compositeur a enfin trouvé une interprète à la démesure de ses élans romantiques.  Outre nombre de pièces déjà répertoriées, cet enregistrement présente des œuvres en Première mondiale, telles que : Microcosmes I op.17, Insomnies op.38b, Suite érotique op.110 et In memoriam Frida Kahlo op.141.

 

Saxhorn & piano.  David Maillot, saxhorn.  Géraldine Dutroncy, piano.  Hybrid’Music (www.hybridmusic.com) : H1813.  TT : 63’17.

Incontestables souplesse, vélocité et qualités mélodiques d’un instrument (créé en 1845 par Adolphe Sax) trop rarement utilisé en soliste.  Pour avoir été souvent destinées à un concours de conservatoire, ces différentes pièces n’ont pas moins été retenues, par l’excellent David Maillot (virtuose enseignant au Conservatoire de Cergy-Pontoise et membre de nombreuses formations de chambre), pour leur seule musicalité : Concertino d’Eugène Bozza, Sonate de Claude Pascal, Intermezzo de Marcel Bitsch, Humoresque d’Alain Bernaud, Fantaisie concertante de Jacques Castérède, Deux mouvements contrastés de Gérard Devos, Tubacchanale de Roger Boutry, Être ou ne pas être d’Henri Tomasi.  Bien plus qu’une curiosité !

 

Loreena McKENNITT : A Midwinter Night’s Dream.  Quinlan Road Music : QR 113.  Distr. Universal.  TT : 54’36.

Qui ne connaît la merveilleuse ductilité de la voix de Loreena McKennitt ?  Elle nous offre, cette fois, un florilège de treize carols et autres chants ou instrumentaux du temps de Noël - parmi lesquels The Holly & the Ivy, Noël nouvelet, Coventry Carol, Snow, Breton Carol, In the Bleak Midwinter, Un Flambeau, Seeds of Love…

 

POUR LES PLUS JEUNES

Rudyard KIPLING raconté et chanté par Enzo Enzo & Brigitte Lecordier : Trois histoires comme ça.  1 livre (72 p.), 1 CD.  Traduction et adaptation : Yves Lecordier.  Musique : Romain Didier.  Illustrations Irène Schoch.  Naïve Jeunesse : U318168.

Dus au merveilleusement imaginatif auteur du Livre de la jungle (et remarquablement traduits par Yves Lecordier, par ailleurs auteur inspiré des paroles des chansons), ces 3 contes : Le chat qui faisait son chemin tout seul / Comment la baleine acquit ses fanons / L’enfant d’éléphant feront assurément le bonheur de tous, petits et grands.  Nous savions la délicatesse d’inspiration du compositeur Romain Didier ; nous sommes, une fois de plus, sous le charme ! D’autant qu’il est ici servi par Enzo Enzo et Brigitte Lecordier, interprètes d’une rare qualité.

Francis Gérimont

 

DVD

J.-S. BACH : Les 48 Préludes et Fugues.  Konstantin Lifschitz, piano.  VAI (www.vaimusic.com)  : DVD 4488.  TT : 4h25’

Incroyable défi sereinement relevé par le grand pianiste russe Konstantin Lifschitz d’interpréter – par cœur ! – cet opus magnum de la littérature musicale baroque et ce, en une seule journée (après-midi et soirée du 30 mars 2008), lors du Miami International Piano Festival.  Où, sans les ordinaires afféteries de tant d’illustres virtuoses, il met en lumière les polyphonies les plus complexes…  Notons que Konstantin Lifschitz a choisi de regrouper par paires les Préludes et Fugues de même tonalité des Livres 1 et 2.  Un « absolu » pour votre DVDthèque.

 

Dimitri CHOSTAKOVITCH : 2^e Concerto pour violon, op.129 (1^re audition mondiale, 1972).  David Oistrakh, violon.  Orchestre philharmonique de Moscou, dir. Kirill Kondrashin.  David Oistrakh en récital (1972) : pièces de Debussy, Dvořák, Schubert et Sibelius (au piano : Frida Bauer).  VAI : DVD 4473.  TT : 60’.

Quel que fût le répertoire, impérial était David Oistrakh (1908-1974).  Si besoin était encore de s’en convaincre, il ne serait que d’écouter et de voir cet admirable document dans lequel – outre la création mondiale du terrifiant 2^e Concerto pour violon de Chostakovitch - il interprète la Sonate pour violon et La fille aux cheveux de lin de Debussy, une Mazurka de Dvořák, la 6^e Valse-Caprice de Schubert et un Nocturne de Sibelius.

 

PUCCINI : La Bohème.  Production : Franco Zeffirelli.  Orchestre et chœurs du Metropolitan Opera, dir. Nicola Luisotti.  Angela Gheorghiu, Ramón Vargas, Ainhoa Arteta, Ludovic Tézier, Quinn Kelsey, Oren Gradus, Paul Plishka.  Enregistré en public, le 5 avril 2008.  EMI Classics : 2.17417.9. TT : 2h16’.

Sous la direction de Franco Zeffirelli, production, décors et costumes sont, comme de bien entendu, somptueux – et jusqu’aux façades joyeusement lépreuses d’un Paris populaire…  La distribution vocale n’est pas moins exceptionnelle, avec notamment Angela Gheorghiu (Mimi minaudant parfois à l’excès), Ramón Vargas (Rodolphe), Ludovic Tézier (Marcello) et, dans le rôle de Musette, la pétulante Ainhoa Arteta (pour nous, une révélation).  Durant les entractes, outre la visite des coulisses du théâtre, Renée Fleming (présentatrice du spectacle) interviewe Joe Clark (directeur technique du Met), A. Gheorghiu et R. Vargas.  En bonus : « Zeffirelli au Met ».

 

PUCCINI : Manon Lescaut.  Production : Peter Gelb.  Orchestre, chœurs et ballet du Metropolitan Opera, dir. James Levine.  Karita Mattila, Marcello Giordani, Dwayne Croft, Dale Travis.  Enregistré en public, le 16 février 2008.  EMI Classics : 2.17420.9.  TT : 2h17’.

Il fut longtemps de bon ton, en France notamment, de considérer Puccini avec une ironie condescendante – à la différence de ce qu’il en était aux États-Unis et en Allemagne (Berg ne se reconnaissait-il pas deux maîtres : Schoenberg et Puccini ; et Schoenberg, lui-même, ne déclarait-il pas : « J’ai toujours été fier de la présence de Puccini à la création du Pierrot lunaire » ?)… Mais ce snobisme fait heureusement long feu, et le grand Giacomo est désormais universellement célébré. Quant au présent enregistrement, il fera, n’en doutons pas, référence - de par, surtout, sa distribution : Karita Mattila (splendide Manon), Marcello Giordano (des Grieux), Dwayne Croft (Lescaut), Dale Travis (Géronte)… et la présence, au pupitre, du grand chef opératique James Levine.  Présentation de l’ouvrage par Renée Fleming qui interviewe aussi, lors des entractes, les principaux protagonistes de l’affaire.

Francis Gérimont

 

Gaetano DONIZETTI : L’Elisir d'amore.  Paul Groves, Heidi Grant Murphy, Laurent Naouri, Ambrogio Maestri, Aleksandra Zamojska.  Orchestre et chœurs de l'Opéra national de Paris, dir. Ewald Gardner.  DVD BelAir Classics : BAC034. TT : 133'.

Fière idée que de diffuser L’Elisir d’Amore dans la fameuse production de l’Opéra Bastille. Voilà bien un bijou de mise en scène qui tire son épingle du jeu d'une intrigue finalement pas si mal ficelée.  Car dans son melodramma giocoso Donizetti a mis bien plus que matière à briller. Laurent Pelly brosse des caractères vrais, d'une réelle consistance, avec ce brin d'exagération qui ne déforme pas le portrait. L'animation des ensembles ne le cède en rien côté imagination et une scène comme celle de Gianetta avec les filles du bourg trouve son sens réel, le moment où tout bascule pour le brave Nemorino devenu par quelque Deus ex machina, riche héritier.  Dès lors, peu importe que le philtre de Tristano e Isotta ne soit que du Bordeaux.  Le tout est d'y croire. La saisie filmée capte le piquant d'une régie incisive aux clins d’œil facétieux; à commencer par la transposition de l'action dans un village italien façon Fellini avec ses paysans vêtus de robes à fleurs, tabliers à carreaux, salopettes ; plus tard endimanchés pour les noces de la patronne et du sergent Belcore.  Dirigés de si perspicace manière, les interprètes donnent le meilleur. Un Nemorino qui, s'il n'a pas la quinte d'un Pavarotti, est d'une ardeur vocale à toute épreuve, et fin acteur : bon bougre, sympathique idiot du village.  Son Adina, plus mature que d'ordinaire, est tout sauf timide ; mordante plutôt. Les deux basses bouffes rivalisent de verve : un Belcore plus infatué on ne peut, génialement bellâtre, un Dulcamara plus grand que nature. La direction musicale distille l'énergie inépuisable d'une pièce tout sauf monotone.

 

Robert SCHUMANN : Genoveva. Juliane Banse, Shawn Mathey, Martin Gantner, Cornelia Kallisch, Alfred Muff.  Orchestre et chœurs de l'Opernhaus de Zürich, dir. Nicolaus Harnoncourt.  Arthaus Musik : 101 327. TT : 146’.

Dans son unique opéra, Genoveva, Schumann invite à pénétrer un drame profond. La mise en scène, signée de Martin Kusej, ne laisse pas de marbre. Alors que l’intrigue se concentre sur quelques personnages hyper-typés, il en fait une sorte de huis clos froid, espace intérieur cantonné, claquemuré, d'une blancheur aveuglante, qu'il oppose à un univers extérieur obscur et infini.  L'absence d'action dramatique, il la compensera en laissant sur scène, tels ds pions, les trois personnages principaux, même lorsqu'ils n'ont pas à intervenir directement. Les images sont fortes, souvent exacerbées, à la limite de l'expressionisme ; à l’aune du chemin de déchéance que vit Genoveva, humiliée publiquement ou maintenue plus morte que vive par deux geôliers patibulaires sous l’œil impassible de Siegfried, l’époux engoncé dans ses convictions de référence à la norme figée.  La figure centrale est finalement le traître Golo, chargé de veiller sur la femme de son ami, mais taraudé par les forces du mal. La force expressive des visages scrutés sans ménagement est décuplée par l’objectif. La prégnance dramatique est tout autant dans l'orchestre, vaste symphonie qui selon Harnoncourt, sonde « les abîmes de l'âme ». Les sombres harmonies qu'il tire de l'orchestre de l'Opernhaus, les rythmes haletants, le climat austère emprunté au choral allemand forment le génial écrin d'une déclamation vocale de style arioso. Les interprètes se plient avec une rare conviction aux immenses sollicitations du chef et du régisseur.

 

Richard WAGNER : Die Walküre.  Anna Maria Westbroek, Robert Gambill, Villard White, Eva Johansson, Lilla Paasikivi, Kirill Petrenko.  Berliner Philharmoniker, dir. Sir Simon Rattle. 2DVDs Belair Classics : BAC040. TT : 240’.

La captation vidéo de La Walkyrie du festival d’Aix-en-Provence magnifie la force intérieure qui anime la régie de Stéphane Braunschweig.  Rarement l'intime de ce drame familial a-t-il été rendu si lisible et la dramaturgie wagnérienne aussi simplement explicitée dans une fusion quasi idéale texte-musique. De saisissants plans intermédiaires décryptent les dialogues : échanges entre Siegmund et Sieglinde, deux êtres auxquels la destinée ne va laisser que peu de bonheur, confrontation de Wotan et Fricka, une scène qui retrouve sa juste signification, non pas querelle de ménage, mais efforts de l'épouse pour ramener le dieu à la réalité, ou encore récit introspectif de Wotan à sa fille Brünnhilde, instants de déchirantes confidences.  Laissant de côté le pathos – lequel est éludé aussi dans le chant – et dans un univers décoratif plus que dépouillé, la régie se concentre sur le destin inévitable de quelques figures archétypales. Tout cela est saisi en des images d'une grande beauté qui exhalent un parfum de jeunesse perdue ou livrent la marque de vaines luttes pour tenter d'enrayer l'inéluctable ; et libèrent partout l'immense émotion qui se lit sur des visages tourmentés ou inondés de joie. Dès lors, ces trois actes déroulés comme un vaste crescendo, deviennent une somme de moments de vrai théâtre. D'autant que servis par des interprètes hors pair, dont une incandescente Sieglinde et une direction musicale prestigieuse qui a peu d'équivalent aujourd'hui.

Jean-Pierre Robert

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