CDs

Gioacchino ROSSINI : Opera Arias & Overtures.  Max Emanuel Cencic (contre-ténor), Ensemble vocal « Le Motet » de Genève, Orchestre de chambre de Genève, dir. Michael Hofstetter.  Virgin Classics : 00946 385788 2 6 DP. TT : 73’14.

Dans cet enregistrement, Max Emanuel Cencic interprète des arias extraites des premières partitions italiennes de Rossini composées entre 1813 et 1827 (Tancredi, Aureliano in Palmira, La donna del lago, Semiramide), auxquelles sont adjointes trois ouvertures (Tancredi, Aureliano in Palmira et Semiramide) par l’orchestre de chambre de Genève. Héritant de la tradition née aux XVIIe et XVIIIe siècles, Rossini utilise des voix d’alto, mezzo-soprano ou soprano pour les personnages héroïques, à l’époque où Napoléon, pénétrant en Italie, ferme au nom de la morale les conservatoires formant les castrats.  Max Emanuel Cencic retourne ainsi à la source, et nul ne s’en plaindra.  Eccomi alfine in Babilonia et In sì barbara sciagura de Semiramide sont de véritables défis vocaux dans lesquels le contre-ténor réalise une véritable performance. Son interprétation de ces arias est un régal. La couleur sonore, la chaleur de sa voix, son timbre nuancé et son expressivité témoignent d’un artiste accompli dans ce registre. 

 

Edvard GRIEG : Pièces lyriques.  Daniel Propper, piano.  Skarbo : DSK 1079.  TT : 61’22.

Les quatre cahiers des Pièces lyriques pour piano sont des miniatures au caractère de journal intime.  Influencé par Schumann et la musique romantique qu’il connaissait bien, Grieg pensait que l’avenir musical était dans l’attachement au nationalisme.  Il trouva ainsi son style personnel en empruntant à la culture norvégienne.  Le 1er cahier (1867) offre de riches mélodies toutes empreintes d’intériorité, agrémentées de chromatismes et soutenues par des harmonies séduisantes.  À l’époque du 2e cahier (1884), la carrière du compositeur est consolidée (Concerto pour piano, Peer Gynt…).  Les éléments musicaux se complexifient : harmonies et modulations plus riches, intérêt souligné pour les musiques populaires (Halling, danse à deux temps).  Grieg se montre poétique et schumannien dans Élégie, en style improvisé, ou le Canon, construit avec rigueur.  Le 3e cahier (1886) est marqué par la solitude (Voyageur solitaire) et la nostalgie (Au pays natal), avec une influence notoire de Schumann dans Érotique (déclaration à Nina Grieg ?), où deux voix dialoguent sur des harmonies colorées, et les Pièces printanières, véritables hymnes à la nature (Papillons, Petit oiseau, Au printemps).  Le 4e cahier (1888) est plus sombre : une Valse Impromptu dans l’esprit de Chopin côtoie Mélodie, Mélancolie et Élégie toutes de tristesse et de résignation.  L’interprétation de ces pièces par Daniel Propper (notre photo) est remarquable.  Le pianiste semble totalement concerné par cette musique.  Aucun artifice inutile mais de la vérité, de la justesse, de la simplicité, un jeu coloré et maîtrisé qui saura séduire les amoureux de l’intimité scandinave. 

 

« Retour aux sources ».  Zoltán KODÁLY : Duo op.7.  Erwin SCHULHOFF : Duo pour violon et violoncelle.  Béla BARTÓK : Mélodies populaires hongroises.  Ana-Maria DEVESELU : Esquisse.  Ana-Maria Deveselu (violon), Dorel Fodoreanu (violoncelle).  Artemus Records : AR101-HORT533.  TT : 54’.

Les œuvres présentées dans cet enregistrement ont pour fil conducteur la vibration d’un espace culturel et spirituel situé au centre de l’Europe.  Le Duo op.7 de Zoltán Kodály (1914) allie des rythmes fougueux à des mélodies mélancoliques dans lesquels transparaissent des réminiscences de musiques traditionnelles.  Dans les sept Mélodies populaires hongroises pour piano (1909), transcrites ici pour violon et violoncelle, Béla Bartók a reproduit des éléments du jeu des musiciens locaux : unissons, cordes à vide, lignes mélodiques entrelacées quintes et octaves parallèles.  Folklore morave, École de Vienne et musique tzigane apparaissent en filigrane dans le Duo d’Erwin Schulhoff (1925), principalement dans une Zingaresca au rythme exubérant. Enfin Esquisse, de la violoniste Ana-Maria Deveselu, est un hommage aux enfants d’un village de Transylvanie et une évocation des improvisations vocales dans lesquelles les paysans expriment leurs joies et leurs souffrances. Cette dernière pièce est remarquable de créativité et de sensibilité.  Plages à couleur folklorique alternent avec effets sonores et parties chantées dans une atmosphère envoûtante propre à favoriser l’imaginaire.  Les deux instrumentistes témoignent d’un engagement total dans la musique qu’ils interprètent.  La rythmique est implacable et la dynamique oscillant entre clairs-obscurs évocateurs et assauts fulgurants est au service d’un sens narratif profondément intériorisé.  De la musique d’Europe centrale comme on aimerait souvent en entendre. 

Gérard Moindrot

 

Dietrich BUXTEHUDE : O fröhliche Stunden.  Alpha (stephanie.flament@alpha-prod.com) : 113.  TT : 56’25.

L’année Buxtehude (2007) a été marquée par de nombreuses productions discographiques et des publications, à l’occasion du tricentenaire de sa naissance.  Ce disque propose un choix de cantates pour solistes interprétées par Hans Jörg Mammel (ténor), accompagné par l’Ensemble La Fenice, placés sous la direction de Jean Tubéry qui assure aussi une partie de cornet à bouquin et de cornet muet. En Allemagne - à côté de cantates luthériennes pour soli, chœur et ensemble instrumental -, le répertoire de cantates pour un soliste est aussi largement cultivé.  C’est aussi le cas de Heinrich Schütz dans ses Petits Concerts spirituels composés pendant les affres de la guerre de Trente Ans.

Ces miniatures - destinées aux Abendmusiken de Lubeck, véritables petits « sermons en musique » - reposent sur des versets bibliques (Lobe den Herrn, meine Seele, Psaume 103, versets 1 à 5 ; Singet dem Herrn ein neues Lied (Chantez au Seigneur un cantique nouveau), Ps. 98 ; Cantique de Siméon (Luc, chapitre 2, versets 29-32 : Maintenant, Seigneur, tu laisses ton serviteur s’en aller en paix)… ou des chorals luthériens (Herr, wenn ich nur dich habe (Seigneur, si je n’ai que toi…), d’après le Ps. 73, et surtout le choral de Johann Rist, extrait de ses Méditations musicales (Lunebourg, 1655) : O fröhliche Stunden - qui a donné son titre au CD -, en 5 strophes traduisant d’abord la confiance, puis la louange).

Ces pages vocales, interprétées avec intériorité, sensibilité et musicalité par H. J. Mammel, bénéficiant d’un accompagnement instrumental équilibré, sont entrecoupées par trois pages d’orgue, dont la Toccata en Sol et la Fugue en Sol de D. Buxtehude.  Remarquable clôture de la production discographique de l’année commémorative que cette coproduction Alpha/Südwestrundfunk, de surcroît magnifiquement présentée. 

 

Orgues historiques de Suisse (Suisse Centrale).  Vol. 10.  Sinus : 6010 (sinus-verlag@bluewinch.ch).  TT : 68’10.

Ce florilège permet d’apprécier des orgues suisses des cantons d’Uri, Schwyz, Unterwalden (Engelberg) et Lucerne, allant de la fin du XVIe au début du XXe siècle.

Ce répertoire comprend des tablatures pour orgue de Christoph Löffelholtz (1585), des pièces de Susanne van Soldt, de Joan z’Bären (père et fils), jusqu’à Franz Liszt, Theodor Kirchner, Max Reger, en passant par Johann Jakob Froberger et Johann Ludwig Krebs.

Albert Bolliger, fondateur de la maison de disques Sinus et éminent organiste itinérant, s’adapte à toutes les factures d’orgues (anciens et modernes), en 37 pièces brèves.  Il a réalisé une remarquable anthologie soulignant la diversité et la qualité des orgues en Suisse, avec une sélection de danses, ricercar, fantaisies, préludes, toccatas et de préludes de chorals allemands.

Cette belle réalisation dans la longue durée illustre la richesse du patrimoine organistique de Suisse centrale : elle ravira tous les organistes et les « Amis de l’Orgue » en particulier. 

 

Bernard REICHEL : Choix d’œuvres de 1936 à 1983.  Neuf CDs : GALLO 1171 à 1179.  TT : 65’12 ; 54’42 ; 68’03 ; 54’42 ; 49’35 ; 78’27 ; 63’48 ; 51’08 ; 50’58.  VDE Gallo (La Cure CH 1410 Denezy. info@vdegallo.ch).

Les éditions Gallo, soucieuses de mieux faire connaître le patrimoine musical suisse, ont eu l’excellente initiative, en liaison avec l’Association Bernard Reichel (Genève), d’enregistrer la quasi-totalité de l’œuvre de Bernard Reichel (1901-1992).

Cette réalisation exceptionnelle permet de découvrir et l’homme, et sa musique. Dès la fin du XIXe siècle, sa famille, originaire de Silésie et de Provence, s’est fixée en Suisse. Il est né le 3 août 1901 à Neuchâtel, et mort, le 10 décembre 1992 à Lutry, dans le Canton de Vaud.  En 1925, il s’installe à Genève. Il a été l’élève de Charles Faller, au Locle ; Paul Benner, à Neuchâtel ; Hermann Suter et Adolf Hamm au Conservatoire de Bâle, en piano, orgue et composition, et de Jaques-Dalcroze - dont il devient le disciple - ; et enfin, d’Ernest Levy, en composition, à Paris.  Il est à la fois organiste, chef d’orchestre et professeur au Conservatoire et à l’Institut Jaques-Dalcroze à Genève, ville qui lui a décerné en 1971 son « Prix de musique ».

Bernard Reichel a composé dans divers genres. Sa musique instrumentale comprend, notamment des pièces pour claviers (orgue, piano), des Symphonies, une Suite symphonique, un Concerto pour orgue et cordes…, un Concerto pour alto et orchestre, des Sonates, Divertissements, de la musique de chambre (pour violon, alto, violoncelle, flûte…).  Sa musique vocale comporte des chœurs a cappella, un Magnificat pour double-chœur, 4 Psaumes, la Cantate de Noël : Ah ! si le ciel se déchirait…, une Cantate psalmique, le Récit de la Crucifixion, des Oratorios : La vision d’Ézéchiel (1936), Emmaüs (1953), des Lieder, entre autres.

Le compositeur ne se réclame d’aucune école ; il forge sa propre esthétique, donnant libre cours à la tonalité élargie. Dans sa musique religieuse, il se souvient de la tradition des Psaumes calvinistes, du style de Heinrich Schütz, du choral, sans renier le langage musical du XXe siècle.  Ce coffret de neuf disques, sous le titre global : « Bernard Reichel, éloge », offre un aperçu éloquent de la diversité de son inspiration et de sa musique hostile à toute grandiloquence.

La cause de Bernard Reichel est admirablement servie, notamment par l’Orchestre de chambre de Lausanne dirigé par Daniel Reichel, l’Orchestre de la Suisse romande (direction : Jean-Marie Auberson), des instrumentistes et chanteurs de très haut niveau : ils assurent presque 10 heures de musique, à découvrir impérativement. 

 

Patrice SCIORTINO : Edgar Poe.  Poème symphonique.  Arpèges (123, rue Lamarck, 75018 Paris. arpeges@arpeges.com) : IMD 0010.  TT : 56’55.

Patrice Sciortino est né à Paris, le 26 juillet 1922.  À treize ans, il prépare conjointement l'entrée aux Beaux-Arts et l'examen d'admission à la Schola Cantorum.  Il étudie le piano avec J. Gentil et l'écriture avec A. Philippe et E. Sciortino.  Il a exercé de nombreux métiers de la musique : organiste, professeur, accompagnateur, directeur, orchestrateur, compositeur (commandes pour la radio, la télévision, le cinéma et la scène).

Il est connu par son disque : Les Cyclopes, réalisé avec A. Charlin, frappant par ses recherches acoustiques et sa préoccupation d’exotisme.  Sa production est particulièrement importante : neuf symphonies, œuvres chorales et instrumentales, musique de chambre, quatre grands ballets, compositions pour des instruments marginaux (ondes Martenot, accordéon, harmonica) et surtout, de nombreux ouvrages lyriques dont il écrit lui-même les livrets : Atsmeuk, Round, La hallebarde…

Edgar Poe, commande du chorégraphe américain Joseph Russillo, est un poème symphonique en neuf parties pour cordes – dont un violon solo (P. Doukan) -, cuivres, percussions (D. Benedetti), chœur et soprano solo (Cl. Giroux), avec des rythmes incisifs, des voix triturées, des onomatopées, des bruitages.  Le compositeur spécule sur les effets inattendus, les contrastes de tempi et d’atmosphères.  Sa musique, d’une extrême originalité, fait preuve d’un esprit inventif, tout à l’image des récits fantastiques de l’écrivain américain. Selon le compositeur : « La partition, d’où les bois (…) sont volontairement exclus, s’affole et délire par ses rythmes, ses douleurs et sa colère désespérée ».  Sous la direction du compositeur, les interprètes unissent leurs talents au service d’une interprétation pertinente dont l’authenticité est garantie.

Édith Weber

 

Terezin.  A. S. von Otter (soprano), Ch. Gerhaher (baryton), D. Hope (violon), B. Forsberg (piano).  DG/Universal : 477 6546.  TT : 71'40.

Projet peu commun, Anne Sofie von Otter chante les compositeurs de Terezin, ce camp de concentration près de Prague où tant d'artistes juifs furent rassemblés par un régime totalitaire qui cherchait à donner l'illusion de l'importance accordée à la culture, avant d'être conduits pour un dernier voyage.  Malgré les conditions de contrainte, la musique restait une sorte d'essentiel, un acte de résistance même.  La chanteuse évoque ainsi ces musiciens bannis, tels Viktor Ullmann, Pavel Haas, un élève de Janácek, Hans Krasa ou la poétesse Ilse Weber.  Ces musiques appartiennent aussi bien au genre sérieux qu'au style cabaret. On est saisi par une telle créativité, les sentiments qu'évoquent ces pièces : la joie simple ou l'ironie au second degré de textes naïfs ou bravaches.  Tout cela, la charme et la tendresse de l'interprète, le sens inné du texte qu'elle sait communiquer, le célèbrent avec une résonance particulière.  B. Forsberg est un accompagnateur sobre et efficace. A. S. von Otter est rejointe par d'excellents partenaires, Ch. Gerhaher, au beau timbre de baryton dramatique, et D. Hope qui joue avec panache la Sonate pour violon seul de Schulhoff, mort lui aussi dans un camp - point d'orgue d'une fascinante évocation. 

 

Eugène YSAŸE : Six sonates pour violon seul.  Fanny Clamagirand.  Nascor : NS03.  TT : 64'28.

Les sonates pour violon seul de Ysaÿe sont au XXe siècle ce que furent au XVIIIe les six sonates de Bach, sur le modèle desquelles elles sont d'ailleurs construites.  Violoniste réputé, plus connu à ce titre que comme compositeur, Ysaÿe a dédié ces pièces à six confrères qu'il admirait : Szigeti, Thibaud, Enesco, Kreisler, Crickboom, second violon de son propre quatuor, et Quiroga, musicien espagnol de renom.  Les qualités d'interprète et la manière de chacun sont illustrées en forme de portrait. Écrites dans les tonalités mêmes des sonates du Cantor, elles exploitent les possibilités polyphoniques de l'instrument, mêlant recherche expressive et vrituosité.  Autant dire que s'y risquer constitue un tour de force.  La jeune Fanny Clamagirand, pour ses débuts au disque, relève le défi avec aplomb. Elle y déploie un talent sûr, alliant une phénoménale technique et une musicalité souveraine pour maîtriser les grands écarts d'intervalles, les différences d'écriture, souvent proches de l'improvisation, les fréquents changements de tempos, de jeu aussi qui s'éloigne de la technique classique.  La sûreté d'intonation n'a d'égale que la poésie intense dont elle pare ces pièces qui forment une somme incontestable. 

 

Maria Cecilia BARTOLI. Avec L. Pisaroni, baryton-basse, M. Vengerov, violon.  Orchestre La Scintilla, dir. A. Fischer.  Decca/Universal : 475 9077 4.  TT : 78'12.

Dans son récent disque, Cecilia Bartoli s'attelle à une entreprise singulière : faire renaître la voix de légende de la grande Maria Malibran. Celle qu'adulaient Bellini et Rossini fut aussi bien une voix aux capacités étonnantes, formée par un père exigeant, lui-même ténor, Manuel Garcia, qu'une diva de renom qui faisait se pâmer un public envoûté.  Sa voix, d'un calibre hors du commun, se déployait aussi bien dans le registre mezzo que dans la tessiture aiguë du soprano.  Les caractéristiques de celle de Bartoli ne sont-elles pas aujourd'hui de semblable facture ?  Le programme se propose de présenter des raretés et de remette les pendules à l'heure quant à l'exécution de cetaines pièces connues du répertoire.  On découvrira ainsi des arias belcantistes de Pacini, de Persiani, comme des airs écrits par le papa Garcia pour flatter la virtuosité de sa fille adorée.  Le plus étonnant reste cependant ces arias revisitées de Bellini. Là où l’on pensait tout connaître de cette littérature depuis Callas, on découvre encore des trésos insoupçonnés d'interprétation : telle l'infinie douceur émanant de Casta Diva, la prière de Norma, abordée ici ppp, sur la mélopée fragile de la flûte, et ses vocalises enchaînées délicatement hors de tout effet grandiose. Là, comme partout, la couleur des instruments anciens de l'orchestre La Scintilla, émanation de celui de l'Opéra de Zürich, est pour beaucoup dans la réussite de ces lectures chargées d'histoire. 

 

Antonio VIVALDI : Atenaide.  S.Piau, G.Laurens, N.Stutzmann, V.Genaux, R.Basso, P.Agnew.   Modo Antiquo, dir. A.M.Sardelli, 3CD Naïve : OP 30438.  TT : 76'13 + 75'27 +  68'15.

Poursuivant la passionnante entreprise de redécouverte d'une œuvre lyrique aux richesses insoupçonnées, l'Édition Vivaldi propose l'opéra Atenaide, enregistré là même où il fut créé en 1728, le Teatro de La Pergola de Florence.  Ce dramma per musica conte les amours contrariées d'Athénaïs, impératrice d'Orient, convertie sous le nom d'Eudoxie, et de l'empereur Théodose II.  Le style de Vivaldi, affiné au contact du goût nouveau développé par l'école napolitaine naissante, s'enorgueillit d'une étonnante faconde thématique et d'un vrai souffle dramatique ; sans compter un remarquable florilège d'arias inventifs.  L'interprétation est éblouissante, la flamme instrumentale rencontrant la virtuosité vocale.  F.M.Sardelli, chez qui le chef d'orchestre se nourrit du musicologue, possède ce sens inné de la pulsation naturelle qui anime la phrase vivaldienne, et pas seulement dans le débit rapide.  Sa direction est tout sauf sèche, évitant tout effet convulsif dans les arias di tempesta, et toujours d'une belle souplesse. Deux chanteuses françaises, formées à l'école de William Christie, se partagent la vedette : S.Piau dont on admire la sûreté du style et les superbes envolées dont le rôle titre est paré, et G.Laurens qui anime d'un talent impressionnant les diverses facettes du rôle de Pulcheria, la sœur vengeresse de Teodosio.  Des voix de femmes, sur une palette s'étendant du plus clair au plus sombre et enfin le ténor P.Agnew complètent une distribution de rêve.  Ces magistrales prestations enluminent une œuvre brillante. 

 

F.B. CONTI : David.  M.Miljanovic, S.Kermes, S.Prina, V.Priante.  Il Complesso Barocco, dir. A.Curtis.  2CD Virgin : 0946 3 78877 2.  TT : 76'03 + 79'05.

Le florentin Francesco Bartolomeo Conti (1682-1732) fut compositeur à la cour de Habsbourg à compter de 1713. Son « Azione sacra per musica », David, sera créée à Vienne en 1724.  Ce drame biblique narrant les péripéties suscitées par la jalousie de Saül envers David, se situe aux confins de l'opéra, de par son syle vocal lyrique comme sa tournure théâtrale.  On remarque le soin avec lequel Conti peaufine de manière originale les récitatifs accompagnés et organise les airs en fonction d'une action qui n'échappe pas au conflictuel.  Le morceau le plus célèbre est celui où David tente d'apaiser Saül par le chant de sa harpe ; mais exacerbe en fait la fureur du roi qui tente de le tuer de sa javeline.  La partition requiert six solistes qui se voient offrir des arias prestigieux.  La crème du chant baroque actuel est là encore réunie, avec une mention particulière pour M. Mijanovic, voix de contralto à la formidable « colorature », et S.Kermes, soprano lumineuse enhardie de périlleux trilles aigus.  La sonorité somptueuse que Alan Curtis tire de son Complesso Barocco, de l'ensemble dec cordes en particulier, est pur bonheur.  Admirable aussi, le continuo qu'orne le théorbe, instrument sur lequel s'illustrait Conti. 

 

G.F. HÄNDEL : « Ah! mio cor ».  Arias par M.Kozenà.  Venice Baroque Orchestra, dir. A.Marcon.  1CD Archiv/Universal : 477 6547.  TT : 76'33.

Magdalena Kozenà consacre son plus récent disque à un bouquet d'arias de Handel. Cette interprète attachante nous convie à un parcours musical des plus séduisants à travers l'évocation de quelque dix personnages typés que relie une inépuisable richesse vocale.  Le portrait est toujours juste qu'animent des sentiments exacerbés, la brillance de l'héroïsme, l'épanchement de la prière ou encore l'émotion intense née de la perte de la raison.  Elle confie ne pas chercher le beau son en soi, mais plutôt l'expression vraie ; ce qui l'autorise à lâcher la voix, voire à livrer la note grave détimbrée.  Le climat vibrant doit beaucoup au support qui lui apportent Alan Marcon et le Venice Baroque Orchestra, aussi à l'aise ici que dans leur répertoire vivaldien de prédilection. 

Jean-Pierre Robert

 

« 200 ans de Musique à Versailles ». Voyage au cœur du Baroque français.  Réf. : MBF 1107.  Codaex (42, rue Pierre-Curie, 78670 Médan. Tél. : 01 39 08 01 02. fr@codaex.com / www.coffretbaroque.com).  Livret illustré en DVD (sous la direction de Benoît Dratwicki).  Prix de lancement : 59 €.

Réalisé à l’occasion du 20e anniversaire du Centre de musique baroque de Versailles (CMBV), sous la direction de Louis Castelain, ce magnifique coffret de 20 CDs propose quelque 25 heures de musique (dont de nombreuses pièces inédites) de plus de 40 compositeurs.  Ensemble témoignant de l’extraordinaire richesse & diversité des musiques de cour de Louis XIII à Louis XVI : suites d’orchestre, musiques de chambre, symphonies pour les Soupers du Roi, grands motets, messes, airs d’opéras, musiques de ballets, intermèdes de comédies…  Par les plus illustres interprètes de ces répertoires.  Richement illustré en DVD, le livret a été réalisé sous la direction de Benoît Dratwicki.  Un « incomparable » !

Francis Gérimont

 

DVDs

Franz SCHUBERT : Fierrabras.  J. Kaufmann, J. Banse,Ch. Strehl, L. Polgar, M. Volle. Orchestre de l'Opéra de Zürich, dir. Franz Welser-Möst.  2DVD EMI Classics : 5 00969 9 2.  TT : 171'.

Incontesté dans le domaine du lied, Franz Schubert était attiré par l'opéra.  De ses nombreux essais, deux sont passés à la postérité, dont Fierrabras, opéra héroïco-romantique, inspiré d'une chanson de geste narrant les luttes armées entre francs et maures au temps de Charlemagne. Comment présenter aujourd'hui cette épopée chevaleresque, à l'action fort embrouillée, où coexistent conflit de cultures et drame intime d'amours contrariés, traité dans le style du mélodrame, avec passages parlés ? La production de Claus Guth à l'Opéra de Zürich apporte une réponse originale : jouer la pièce selon une approche autobiographique, en introduisant un personnage qui la construit et y participe tout à la fois, celui-là même du compositeur.  Ce Schubert qu'incarne un acteur ressemblant à s'y méprendre au portrait connu du musicien en redingote et chevelure ébouriffée… D'où aussi l'idée d'un espace décoratif unique, le cabinet de travail du musicien, de style Biedermeier, avec cet immense pianoforte et sa chaise qui dominent de leur ombre tutélaire les tribulations de personnages souvent ravalés au rang de figurines.  Le rendu pictural est excellent de par une prise de vues qui ménage avec doigté plans d'ensemble et rapprochés.  Le plaisir musical est peut-être plus grand encore.  La direction tout en subtilité de Franz Welser-Möst fait la part belle à l'inspiration mélodique sans limite de Schubert, à ce mélange de poétique et d'héroïque ; ce que recèlent des chœurs animés, dans la grande tradition romantique.  La distribution est de classe, comme sait en concocter l'Opernhaus de Zürich. 

 

W. A. MOZART : Die Entführung aus dem Serail.  M. Hartelius, M. Léger, M. Klink, L. Félix, W. Smilek.  Les Musiciens du Louvre-Grenoble, dir. Marc Minkowski.  1DVD BelAir Classiques : BAC 028.  TT : 128'.

Assurément une des productions marquantes de l'ère Lissner au festival d'Aix en Provence, l'Enlèvement au sérail trouve naturellement sa place en DVD. La mise en scène de Jérôme Deschamps et de Macha Makeïef sonne ici peut-être encore plus juste que dans la réalité.  Car la régie vidéo sélectionne habilement ce qui en fait le sel : une direction d'acteurs constamment animée, cocasse ou aérienne telle une chorégraphie, toute de naturel, de drôlerie fine, jamais vulgaire, tout en gommant ce que la présentation décorative peut avoir de banal.  On accepte vite les pitreries des acolytes d'Osmin, autant de clins d'œil amusés à la vie confinée du sérail, où tout s'épie.  Non que les idées émancipatrices ne soient pas présentes chez les femmes du pacha Sélim, beau comme un éphèbe, à la mine de dévoreur.  La direction de Marc Minkowski est un bonheur constant, alerte, vive, poétique.  Si la distribution vocale n'est pas frappée au coin de l'idéal, du moins fonctionne-t-elle bien dramatiquement. 

 

Philippe BOESMANS : Julie.  M. Ernman, G. Magee, K. Avemo.  Orchestre de la Monnaie, dir. K.Ono.  1DVD BelAir Classiques : BAC 026.  TT : 74’.

Le huis clos étouffant imaginé par Strindberg, Mademoiselle Julie, est doté par le compositeur belge Philippe Boesmans d'une musique expressive, alors que la régie du librettiste Luc Bondy nous fait entrer dans l'intimité de personnages hors normes.  Autant dire que cet opéra en un acte, qui file comme l'éclair, se prête naturellement à la captation cinématographique.  L'œil sélectif de la caméra construit l'évolution psychologique de caractères aux sentiments exacerbés.  La dramaturgie de ce récit d'amour et de mort, dans l'unité de lieu, une cuisine, et de temps, la nuit de la Saint Jean, l'inversion des situations qui s'installe peu à peu, sont magnifiées au travers d'interprétatins finement étudiées : Julie, la jeune femme noble qui veut abolir les rangs sociaux, le valet Jean qui, provoqué, en vient à se comporter en conquérant. Le drame bascule insensiblement dans la tragédie. Un exemple de réalisation efficace, parée d'une exécution musicale parfaite. 

Jean-Pierre Robert

 

Denis LEVAILLANT (texte et musique) : O.P.A. mia, opéra.  C. Le Coz, soprano (Sphinx, Déesse de la Vérité), V. Le Texier, baryton-basse (Sunny Cash, Dieu de l'argent) et les acteurs Y. Collette (Lui) et I. Dalle (Elle) ; Ensemble Ars Nova dirigé par P. Nahon (15 musiciens).  Mise en scène : A. Engel.  Décors (hélas noyés dans une pénombre bleue) et costumes : E. Bilal.  Filmé (sans génie) à l'Opéra Comique, Paris, en 1990.  Bonus d'interviews (2005).  Livre (74 p.) : préface (G. Condé), dessins (E. Bilal), livret, annexes.  ¡éditions! (Tél. : 01 53 27 98 19).

Où l'amour pourrait triompher de l'argent ? On le souhaite, tout comme D. Levaillant, dont l'opéra, réédité il y a peu en DVD, oppose la violence masculine des marchés boursiers à la parole intime, sujet hélas toujours brûlant.  Sur fond électroacoustique (bruits de corbeille et masses chorales), le dispositif dramatique reste traditionnel, avec airs, duos et mélodrames, dans un langage atonal libre et généreux que défendent ici de remarquables interprètes.

Paul Gontcharoff

 

Moving Hearts live in Dublin.  1DVD + 1CD.  Keltia Musique (1, place au Beurre, F-29000 Quimper. Tél. : 02 98 95 45 82. www.keltiamusique.com) : KMDVD 13.

En février 2007, au « Vicar Street » de Dublin se reconstituait le groupe mythique des Moving Hearts (°1981), inoxydable ensemble de fusion des musiques traditionnelles irlandaises, du jazz et du rock (www.movinghearts.ie).  Où nous retrouvons les légendaires Davy Spillane (uilleann pipes & low whistle), Keith Donald (saxophones & clarinette basse), Donal Lunny (bouzouki & guitare baryton), Anto Drennan (guitare électrique), Graham Henderson (claviers), Eoghan O’Neill (guitare basse), Matt Kelleghan (drums), Noel Eccles (percussion) et, seul nouveau venu, Kevin Glackin (fiddle).  Tous ces quinquas ayant, entre temps, mené de prestigieuses carrières autour du monde.  Ils interprètent ici neuf de leurs plus célèbres compositions - outre The Lark, manière de pot-pourri de sept autres titres.  Avec de nouvelles recherches harmoniques…  Mais l’émotion demeure intacte, dans laquelle communiait intensément l’immense public présent, ce soir-là, au Vicar Street.  En bonus : « The Back Story » (interviews des musiciens) et « The Tunes » (commentaires sur le programme par Donal Lunny).  Le CD joint nous a, en outre, permis - lors de récents mouvements de grève - de supporter fort agréablement, en voiture, bien des embouteillages. 

Francis Gérimont

 

CDs POUR ENFANTS

Les trois papas.  Nouvel album d’Hélène Bohy & Philippe Berthe.  Dans les rôles des 3 papas : les frères Marc, Benoît & Olivier Caillard.  Digipack « Enfance et musique » (www.enfancemusique.com) : DCDP50.  À partir de 1 an.  TT : 43’.

Délicieux ! Et d’une parfaite musicalité…  À l’ordinaire de ce que fait cette joyeuse équipe (une quinzaine de chanteurs, enfants et adultes, accompagnés de guitares, bandonéon, piano, contrebasse et percussions).  Mélodies originales ou traditionnelles (version chantée + version instrumentale).  Le livret de 28 pages, en couleurs, est également fort réjouissant. 

 

Chansons Choux, vol. 7. « Au bal des couleurs ».  Textes : Bernard Peyranne.  Musiques : Claude & Patrick Fried.  Chant : Jessica.  Disques Victorie : 301762-8.  Distr. : Universal.  TT : 48’28.

Farandole de quinze chansons originales, dansantes et tout en couleurs, aussi amusantes que faciles à chanter.  Avec leurs utiles versions instrumentales… 

 

Crabouillage.  « Crabouilleurs » : Bruno Coupé (voix, chœur et guitares), Philippe Drouillard (guitares), Johan Dalgaard (claviers), Denis Bouvier & Bernard Laval (basses), Jean-Marc Bouchez (saxophone), Jean-Jacques Milteau (harmonica) + quelques invités – dont, aux guitares, Dan ar Braz…  Victorie : 301762-6.  TT :

Swinguant en diable est ce 7e album de Bruno Coupé !  Aussi plaira-t-il peut-être davantage aux parents qu’aux enfants.  Pour vous en convaincre : www.brunocoupe.com 

 

L’île en l’eau.  Jacques Haurogné chante les « Fabulettes »d’Anne Sylvestre.  Chœurs & ensemble instrumental, dir. Thierry Garcia.  Victorie : 301762-5.  TT : 42’18.

Après avoir collaboré avec M. Jonasz, D. Dufresne, A. Arias ou C. Ringer, Jacques Haurogné – artiste assurément éclectique - créa plusieurs spectacles avec Anne Sylvestre, dont il interprète ici, avec drôlerie et sensibilité, quatorze des plus célèbres Fabulettes (accompagné par guitare, violoncelle et percussions).  À visiter : www.jacqueshaurogne.com 

 

Henri DÈS (Paroles et musique) : Gâteau (15e album).  Éditions du Mille-Pattes : 301763-0.  Distr. : Universal Music.

Pour fêter les 30 ans de chansons d’Henri Dès, Gâteau, nouvel album composé de 11 chansons originales (avec leurs play-back) est ici doublé d’un « CD anniversaire » (comportant 14 titres, extraits des 14 disques précédemment sortis : La petite Charlotte, Les Bêtises, Far West, Flagada, Le Crocodile…).  En parallèle de ce superbe coffret, signalons la parution d’une bande dessinée : Henri Dès, chansons en BD (éditions Delcourt).

                

 

Francis Gérimont