Jean-Sébastien BACH :  Passion selon saint-Jean.  Version française de Maurice Bouchor. 2 CDs Musicaleo Productions (musicaleo@musicaleo.com).  TT : 35’50 + 75’43.

À l’époque de la Réforme, puis du piétisme, dans le sillage de Martin Luther, à côté du latin, l’allemand — langue vernaculaire accessible à tous — s’impose, elle permet de faire revivre le récit de l’Évangéliste, de réagir aux divers commentaires des airs, au sens profond des chorals et aux réactions de la foule (turba). Une adaptation française, permettant de revivre ces moments dramatiques au détriment, parfois, des sonorités et inflexions de la langue originale, a été réalisée en 1902 par Maurice Bouchor.  Christophe Martin-Maëder mise sur « la compréhension immédiate du texte, qui ramène au premier plan sa force et sa signification, et conduit chanteurs et musiciens à ne pas se contenter de le dire ou de le jouer, mais à véritablement l’habiter ». Il précise : « Quant à l’auditoire, il en reçoit la charge spirituelle ou émotionnelle de façon beaucoup plus directe, comme s’il était en quelque sorte soustrait à cette fascination trop exclusive pour la perfection esthétique de l’œuvre de Bach qui peut aller jusqu’à faire oublier le texte dont il est question… ». Il a donc repris la version de M. Bouchor, mais en l’améliorant parfois du point de vue de l’adéquation entre prosodie verbale et prosodie musicale. Dans la mesure du possible, il tient à respecter des sonorités de la langue allemande comme pour le passage : « Les Juifs lui dirent alors : Wir haben ein Gesetz… », au lieu de traduire : Gesetz par « loi », il l’a remplacé par « précepte » : Nous avons un précepte : d’après ce précepte, il faut qu’il meure, ce qui produit une assonance plus proche de l’original allemand.  L’organiste titulaire de l’église Saint-Augustin, à la tête du Chœur liturgique de cette église et de l’Ensemble Confitebor, propose une version certes destinée aux non-germanophones, ce qui n’empêchera peut-être certains « puristes » de regretter la langue d’origine. Quoi qu’il en soit, cette version se situe dans une certaine tradition en usage en France au XX^e siècle, éloignée des conceptions luthériennes bien plus sensibles et intériorisées ; Henri Mandeng (Pilate, Pierre) s’impose, contrairement à David Faggionato (l’Évangéliste). Quant aux interventions des chœurs, même énergiques et bien méritoires, elles gagneraient à plus de justesse et à une meilleure articulation. Démarche intéressante, efforts louables, résultat discutable…

 

 

24 Préludes pour orgue.  Jacques Kauffmann.  Orgues Cavaillé-Coll de St-Étienne de Mulhouse.  Skarbo (skarbo.music@orange.fr) : DSK 1103.  TT : 77’50.

Ce CD propose 24 pièces de longueur inégale, illustrant les caractéristiques de la musique d’orgue du XX^e siècle.  Pourquoi 24 ? Jacques Kauffmann précise qu’il « obéit à un double fil conducteur : d’une part, le chiffre 24, mythique dans l’histoire de la musique depuis Jean-Sébastien Bach, d’autre part l’adéquation entre l’orgue de l’église catholique St-Étienne de Mulhouse et les œuvres de L. Vierne, A. Fleury et G. Litaize. » L’excellent titulaire de l’orgue du Couvent des Dominicains à Paris se réfère aux 24 Préludes et Fugues du Clavier bien tempéré de J.-S. Bach ; aux 24 Préludes et 24 Études de Fr. Chopin. Le premier volet de ce triptyque propose 7 extraits des 24 Pièces en style libre, op. 31 (1913) de L. Vierne, aux titres évocateurs : Cortège, Arabesque, Carillon…, de caractère, tour à tour, méditatif, nostalgique, énigmatique, massif. Le deuxième volet fait entendre 9 des 24 Pièces (1930-1933) d’A. Fleury, avec des mouvements traditionnels et contrastés : Allegro moderato, Très lent, Allegretto, Comme une marche (incisive et très rythmée), Modéré et expressif… dans lesquels le compositeur privilégie le facteur mélodique, les divers plans sonores, encore mis en valeur par une registration remarquable. Le troisième volet comporte 7 des 24 Préludes liturgiques (1953-1955) de G. Litaize, par exemple Sur un Cantique breton, de facture mélodique modale et très colorée ; Allegro (plage 21), très allant, nécessitant une certaine virtuosité ; Andante, très dépouillé et recueilli, contrastant avec l’Allegretto bien enlevé. Ce programme typique est réalisé au grand orgue Aristide Cavaillé-Coll, 1863 (40 jeux, 3 claviers, 1 pédalier) de l’église St-Étienne à Mulhouse, revu et augmenté en 1963 par le facteur strasbourgeois Max Roethinger (avec 12 jeux supplémentaires — dont 5 au pédalier — et une nouvelle console à 4 claviers). L’instrument permet d’obtenir, entre autres, des registrations très diversifiées, des effets et coloris postromantiques, impressionnistes.  Jacques Kauffmann a réalisé une rare symbiose entre facture organistique, programme et interprétation.

 

Georg BÖHM : Orgelwerke.  Ricercar (stephanie@outhere-music.com) : RIC 319.  TT : 69’56.

Georg Böhm, né à Hohenkirchen (Thuringe) en 1661 — donc dans le fief de la famille Bach — a été formé par son père, organiste, avant de faire ses études à Iena, puis à Hambourg, dans l’entourage du célèbre J. A. Reinken. Il est organiste, claveciniste et compositeur. Il est titulaire à l’église St-Jean de Lunebourg jusqu’à sa mort, le 18 mai 1733. Il connaît à la fois les traditions musicales d’Allemagne du Nord et du Sud, d’Italie et de France dont il réalise la synthèse et a d’ailleurs fortement influencé Jean-Sébastien Bach — occasionnellement choriste dans cette ville.  Bernard Foccroulle a retenu l’orgue Van Hagerbeer de la Grote Sint Laurenskerk (Alkmaar), parfaitement adapté à ce répertoire de 3 Préludes (en introduction, en transition et en conclusion) et de 15 Chorals luthériens très connus. Le Prélude (et Fugue) en do majeur, incisif, avec ses solos de pédale traditionnels, donne le ton massif. Le choral Vom Himmel hoch da komm ich her (pour le temps de Noël), avec son cantus firmus bien affirmé, puis orné, bénéficie d’un contrepoint en imitation. L’excellent organiste en fait clairement ressortir les différents plans sonores. Le programme comprend, entre autres, pour le temps de la Passion, le choral Christ lag in Todesbanden ; pour celui de Pentecôte, Nun bitten wir den Heiligen Geist.  La paraphrase du Notre Père commentée par Martin Luther : Vater unser im Himmelreich comporte trois versions : la première, très méditative, à 2 claviers ; la deuxième, à 1 clavier et pédalier ; et la troisième, plus développée, à 2 claviers et pédalier dans laquelle  G. Böhm ponctue le cantus firmus à la pédale, associé à des commentaires décoratifs aux claviers. Elle contraste avec le choral Auf meinen Lieben Gott trau’ ich in Angst und Not, conçu comme une petite partita : modèle du genre, allant de la simplicité vers la complexité contrapuntique. En plus des chorals luthériens, Christe, der du bist Tag und Licht (de source antérieure au XVI^e siècle : Christe qui lux et dies es), repris lors de la Réforme, bénéficie de trois versions diversifiées interprétées avec délicatesse, finesse et intériorité. Comme ce disque avait été introduit, il se termine de façon grandiose et solennelle aux accents de l’imposant Prélude (et Fugue) en ré mineur.  Tant par ses registrations judicieusement élaborées que par sa technique hors pair, Bernard Foccroulle a rendu un vibrant hommage à la facture d’orgue nordique et à G. Böhm.

 

 

Giovanni Pierluigi da PALESTRINA : Missa Papae Marcelli.  Weihnachtliche Chormusik Alter Meister.  Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP n6043.  TT : 55’07.

La Messe du Pape Marcel est entrecoupée d’œuvres pour Noël, d’ailleurs très bien venues avec, entre autres, Vom Himmel hoch da komm ich her dans la version de Johannes Eccard, baignant dans l’atmosphère lumineuse, deux noëls de M. Praetorius : Es ist ein Ros entsprungen et In dulci jubilo (latin/allemand, avec respect des assonances), pleine d’élan ; le noël de Leonhard Schröter (1532-1601) : Freut euch, ihr lieben Christen, ou encore le noël O Jesulein süss, o Jesulein mild de Samuel Scheidt et de J. S. Bach, très prenants. Le premier ensemble vocal fondé en 1999 par Volker Heldtfeld est devenu, en 2002, le chœur de chambre Opus vocale qui se distingue non seulement par sa haute musicalité, mais encore par sa plénitude vocale et le souci du détail planant aussi bien sur les noëls que sur la Missa Papae Marcelli. On sait que, lors du Concile de Trente (1562-1565), Palestrina a été considéré comme le défenseur de la polyphonie attaquée par les Pères.  Sa Messe à 6 voix, dite « du Pape Marcel » (imprimée en 1567 à Rome), s’est imposée ; elle respecte l’intelligibilité du texte, sans pour autant sacrifier la polyphonie. Elle répond à l’usage liturgique comme aux exigences artistiques. Voilà, incontestablement, une version de référence.

 

 

Tomás Luis de VICTORIA : Requiem. Officium defunctorum. Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP 6042.  TT : 57’39.

Le célèbre Chœur de chambre de Saarbrucken, fondé en 1998 par Georg Grün, a enregistré chez Rondeau Production (Leipzig) l’Office des Défunts de Thomás Luis de Victoria (ca 1548-1611), ainsi que 3 motets pour le temps de la Passion et de Pâques.  Le texte reprend la Leçon 2 pour les matines (Job, 10, 1-7), la Messe des Morts proprement dite : Introït, Kyrie - Graduel, Offertoire -, Sanctus, Agnus Dei, Communio (suivi du motet Versa est in luctum cithara mea…, lamentation de Job), Absolutio : Libera me Domine avec le poignant Dies illa, dies irae, puis l’invocation : Requiem aeternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis, suivie de la triple invocation du Kyrie eleison.  Avec une incomparable maîtrise et haute technicité, le chef obtient de ses chanteurs une justesse parfaite, un fondu des voix rarement atteint, une diction irréprochable qui permettront aux discophiles de ressentir intensément cet Officium Defunctorum.  Meilleur hommage ne pouvait être rendu au remarquable polyphoniste espagnol, à l’occasion du quatrième centenaire de sa mort.

 

 

Nawal.  Caresse de l’âme.  Jade (jade@milanmusic.fr) : 699 739-2.  TT : 63’28.

Nawal Mlanao, à la fois artiste et productrice depuis plus de vingt ans, « continue de s’inscrire résolument dans la lumière d’un Islam fondé sur l’amour, le respect et la paix ».  À travers ses chants, elle mise surtout sur les émotions et le mysticisme, et privilégie la musique comorienne qui est « un mélange de musique africaine, bantoue, arabo-perse, avec quelques épices occidentales »,  comme il ressort de ces 10 pièces lançant un message de paix.  Elles sont accompagnées au gambousi — ancêtre du luth arabe —, instrument de cérémonie ; au m’bira s’apparentant au sandza, « piano à pouces » - traditionnel pour appeler les esprits - ; au daf  (tambourin avec cymbalettes) employé dans le soufisme.  Ces instruments mystiques, aux sonorités dépaysantes, sont propices à la méditation et à l’introspection, tout comme son répertoire « pour la paix et la dignité humaine ».

 

Édith Weber.

 

Franz LISZT : Œuvres pour piano. Cyprien Katsaris – 2 CDS Piano 21 : LC 11797, vol. 1.  Franz SCHUBERT : Œuvres pour piano.  Cyprien Katsaris – 2 CDs Piano 21 : LC 11797, vol. 8.  Wolfgang Amadeus MOZART : Concertos pour piano n^os 5 & 27, Rondo pour piano & orchestre K. 382.  Cyprien Katsaris, Yoon Kuk Lee, Salzburger Kammerphilharmonie – Piano 21 : LC 11797, vol. 7.

L’extraordinaire talent du pianiste Cyprien Katsaris, tôt salué par des maîtres aussi avérés qu’Olivier Messiaen (« technique d’acier, fougue, force et autorité, brillance ») ou György Cziffra, illumine trois disques récents, aussi remarquables par la variété du programme que par la qualité transcendante de l’interprétation. Délicatesse mozartienne, virtuosité lisztienne et douceur schubertienne sont des données qui relèvent ici de l’incongru, tant l’artiste sait modeler le métal musical en usant simultanément de ces trois caractères pour la totalité de son immense répertoire.  Tout au long de sa carrière, cet étonnant virtuose se sera ainsi attaché à chercher, au sein de ses œuvres de prédilection, les couleurs harmoniques, raretés mélodiques et superpositions contrapuntiques les plus inattendues, sans jamais mettre en péril l’unité formelle et la cohérence structurelle voulues par les compositeurs.  Dût-il parfois, pour cela, dérouter une partie de ses auditeurs, sans doute afin de plus sûrement les séduire.  En cela, il reste le glorieux héritier de Franz Liszt, grand pianiste et grand compositeur, mais aussi incomparable improvisateur chez qui l’invention ne brutalisait jamais la forme.  En ce temps de grave crise du disque classique, par ailleurs, il est réconfortant de vérifier que le label « Piano 21 », créé par Katsaris, le 1^er janvier 2001 (dix ans déjà !) offre un panel si complet et si divers du répertoire créé au cours des deux derniers siècles pour le roi des instruments.

 

Cyprien Katsaris ©DR

Gérard Denizeau.

 

Le Clavecin du Roi Soleil.  Jean-Patrice Brosse, clavecin. 2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC1125.  TT : 68’10 + 28’18.

Une anthologie des plus éminents compositeurs de pièces pour clavecin, dont Champion de Chambonnières, Couperin, d’Anglebert et Rameau, pour n’en citer que quelques-uns, composées au cours du règne de Louis XIV (1638-1715). En parallèle des deux disques, un livre largement illustré, le Clavecin du Roi Soleil, du même auteur, paru chez Bleu Nuit (www.bne.fr) vient compléter cet enregistrement. Un disque-hommage au clavecin, instrument qui ne vécut guère plus d’une centaine d’années, succédant au luth et s’éteignant avec l’arrivée du pianoforte.

 

 

Max BRUCH & Felix WEINGARTNER : Septuor op. posth. & Octuor op.73.  Octuor de France.  Jeff Cohen, piano.  Calliope : CAL1103.  TT : 72’17.

Un disque remarquable, tout à fait dans la lignée du répertoire de l’Octuor de France, qui nous donne, une fois de plus, le plaisir d’entendre deux œuvres peu connues de compositeurs du XIX^e siècle, rarement joués. Le Septuor de Bruch, composition de jeunesse, un peu passéiste, aux accents brahmsiens et l’Octuor de Weingartner, post-romantique, plus méditatif, empreint de nostalgie. Tous deux, magnifiquement interprétés, deux climats différents, mais un même plaisir d’écoute.

 

 

Georges ENESCO : Sonates pour violoncelle & piano op.26.  Alexandre Dmitriev (violoncelle), Alexandre Paley (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC1170. TT : 76’03.

Georges Enesco (1881-1955), personnalité éclectique, pédagogue, violoniste virtuose, chambriste renommé et chef d’orchestre, mais également, compositeur, comme en témoignent ces deux sonates de l’opus 26, composées à plus de trente-cinq années d’intervalle. La première, datant de 1898, œuvre de jeunesse aux accents brahmsiens, d’une beauté méditative, la seconde écrite en 1935, plus moderne et,  peut être, plus étrange avec son Final « à la roumaine ». Un enregistrement live capté par France Musique, au Festival de Montpellier, le 23 juillet 2009, un très beau moment de musique, magnifiquement interprété.

 

 

Giovanni GIORGI : Ave Maria.  Chœur de chambre de Namur, Cappella Mediterranea, dir. Leonardo Garcia-Alarcon.  Ricercar (www.ricercar.be) : RIC 313.  TT : 55’.

Inlassable découvreur de partitions oubliées, Leonardo Garcia-Alarcon nous propose, ici, une œuvre  d’un compositeur totalement méconnu.  Giovanni Giorgi, probablement né à Venise, ayant passé une partie de sa vie à Rome où il devient maître de chapelle à Saint-Jean-de-Latran en 1719, gagnant ensuite Lisbonne pour exercer le métier de compositeur,  mort à Lisbonne en 1762. Son œuvre, constituée exclusivement de musique sacrée, mêlant polyphonie et style concertant, est  porteuse de ces différentes influences qui conduiront au  futur classicisme. Bien enregistré, bien chanté et bien joué, mêlant plaisir et découverte, un disque indispensable à tous les amateurs de musique baroque.

 

 

GAIL, BOÏELDIEU, NADERMAN, DOMNICH, LAMBERT, ROMAGNESI, GARAT, JADIN : Romances françaises. French songs. 1795-1815.  Sylvie Nicephor (soprano), Etsuko Shoji (harpe Érard). Calliope : CAL 1101.  TT : 57’48.

Un disque plein de charme, consacré aux romances françaises, ces chansons simples, centrées sur la voix et  la ligne mélodique, dont les origines remonteraient à l’art des trouvères et dont l’âge d’or se situerait entre 1795 et 1815.  Au-delà d’un genre musical, la romance est un phénomène de société, prospérant à travers plusieurs régimes, depuis la monarchie (la reine Marie-Antoinette en aurait chanté et écrit, tout comme Hortense de Beauharnais, sous l’Empire) jusqu’au Directoire.  À mi-chemin entre rue et salon, la romance propose une sorte de consensus sentimental et social. Malgré le caractère un peu répétitif de ces chansons, le  beau timbre et la diction parfaite de Sylvie Nicephor, l’accompagnement discret mais efficace d’Etsuko Shoji se prêtent magnifiquement à ce genre d’exercice.  À découvrir.

 

 

Antonio VIVALDI : Concerti per piccolo.  Jean-Louis  Beaumadier & Philippe Pierlot (piccolo). Orchestre national de France, dir. Jean-Pierre Rampal. Ensemble instrumental La Follia, dir. Philippe Pierlot. Saphir (www.saphirproductions.net) :LVC 1171.  TT : 58’18.

Trois concertos pour piccolo & trois transcriptions pour cet instrument permettent d’en apprécier toutes les possibilités techniques et expressives. Des œuvres attachantes, remarquablement interprétées.

 

 

 

Robert SCHUMANN : Concerto for cello & orchestra.  Concerto for piano & orchestra.  Orchestre de Bretagne, dir. Grzegorz Nowak.  Matt Haimovitz (violoncelle), Laure Favre-Kahn (piano).  Transart : TR158. TT : 53’15.

Deux œuvres emblématiques du romantisme schumannien, oscillant entre le nostalgique Eusebius et le fougueux Florestan.  Deux compositions quasiment contemporaines (1846  et 1850) où s’expriment tour à tour la fougue, le bouillonnement intérieur, l’extase, le lyrisme, le drame, la tendresse, la virtuosité et l’amour pour Clara.  Deux monuments du répertoire romantique, deux admirables musiciens, une association rare au disque.  Interprétation live dans le cadre des Flâneries musicales d’été de Reims.

 

 

BEETHOVEN, LISZT, WAGNER : Odyssey.  Frédéric D’Oria-Nicolas, piano. Fondamenta  (www.fondamenta.fr) : FON-1101007.  TT : 58’13.

Un disque qui nous donne à entendre la Sonate « Waldstein » de Beethoven, la Vallée d’Obermann tirée des Années de Pèlerinage de Liszt, la transcription de l’ouverture de Tannhäuser de Wagner et Adagio de Bach BWV 564, transcrit par Busoni. Un enregistrement empli d’une présence éblouissante où Frédéric D’Oria-Nicolas se hisse au niveau des plus grands. Des tempi, des sonorités et un jeu entretenant des climats envoûtants qui perdurent bien au delà de l’écoute. Une prise de son d’une remarquable qualité, effectuée dans la magnifique salle de l’Arsenal de Metz.  En bonus, le « CD Mobility » version adaptée aux écoutes sur baladeur, voiture et ordinateur !  Du grand art !

 

 

CAVALLI, ROSSI, SCARLATTI, FALCONIERI, STROZZI, MARINI, MONTEVERDI : Ferveur & Extase.  Stéphanie d’Oustrac, mezzo-soprano.  Ensemble Amarillis.  Ambronay : AMY 027. TT : 64’18.

Un disque dont le programme est centré sur l’amour baroque et ses deux visages, sacré et profane, représentés par les figures de la Vierge Marie et de Didon, reine de Carthage.  Deux visions qui s’expriment au XVII^e siècle par le biais d’une nouvelle esthétique, celle du recitar cantando, où l’accent est mis sur une plus grande lisibilité des textes et une plus grande simplicité dans l’élocution et la déclamation. Stéphanie d’Oustrac (qui vient de triompher dans le rôle de Sesto, de la Clémence de Titus de Mozart, à l’Opéra Garnier) et ses complices de l’Ensemble Amarillis excellent dans cet exercice, dans une symbiose parfaite, vocale et instrumentale. Indispensable, à tous les  amateurs de musique baroque. Une chanteuse, pleine de talent, à suivre…

 

 

Johann Georg ALBRECHTSBERGER (1736-1809) : Entre ciel et terre.  Quatuor Mosaïques. Ensemble Baroque de Limoges, dir. Christophe Coin. Albin Paulus, guimbarde.  Labories Records : LC08.  TT : 65’40.

Un disque original qui permet de découvrir un visage peu connu du compositeur Albrechtsberger, considéré comme le représentant du plus pur classicisme viennois.  Professeur de Beethoven, titulaire de l’orgue de la cathédrale Saint-Étienne de Vienne, ami de Haydn, compositeur de musique sacrée, mais également, de musique profane, aimant à mêler timbres et instruments rares.  Cet enregistrement en est un des exemples les plus convaincants, avec notamment, l’utilisation de la guimbarde.  Les quatre Concertos pour guimbarde, écrits entre 1769 et 1771, étaient probablement destinés au révérend-père Bruno Glatzl, virtuose de cet instrument, moine bénédictin de l’abbaye de Melk, ville où la cour impériale avait l’habitude de séjourner lors de ses déplacements.  Une surprise à écouter absolument.

 

 

J. S. BACH : Das Wohltemperierte Klavier-Teil II.  Sébastien Guillot (clavecin).  2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1136.  TT : 73’43 + 79’54.

Ce disque présente, en premier enregistrement mondial, le second livre de la première version du Clavier bien tempéré de Johann Sebastian Bach, recueil de 24 Préludes & Fugues, interprétés par Sébastien Guillot, d’après le manuscrit autographe de Londres, acquis par la British Library en 1896.  La composition de cette version, dite A, daterait des années 1739-1742.  Par rapport à la version de référence de 1744, elle comprend nombre de variantes mélodiques, rythmiques et ornementales que les mélomanes éclairés auront à cœur de découvrir !  Parfaitement interprétée par Sébastien Guillot sur un clavecin O. Fadini de 1993 (d’après F. Blanchet, Paris 1733).

 

 

W. A. MOZART : Sonate n°11.  Marche turque K. 331.  Sonate n°2 K. 280.  Sonate n°13 K. 333.  Aldo Ciccolini (piano Bechstein).  La dolce volta (www.ladolcevolta.com) : LDV 03.  TT : 52’54.

À 85 ans, Aldo Ciccolini réenregistre ces sonates de Mozart, des sonates qu’il côtoie depuis l’adolescence.  Il en résulte, évidemment, un très beau Mozart, mûri, réfléchi, enrichi d’une expérience de plus de soixante-dix ans, épuré et chargé d’émotion, qui laisse chanter les notes et s’égrener la mélancolie dans un climat de romantisme naissant.  Un très bel enregistrement qui laisse espérer une intégrale.

 

 

Roula SAFAR : Vergers d’exil, échos méditerranéens.  Roula Safar (mezzo-soprano, guitare & percussions).  Hortus : 089.  TT : 52’47.

Force est de reconnaître que l’on ne retrouve pas, dans cet enregistrement, les accents chargés de transcendance qui nous avaient émus dans le précédent disque (Racines sacrées, Voix des Origines, Hortus 067).  On se sent ici, en effet, bien éloigné des complaintes de l’exil, comme du soleil de la Méditerranée, tant les textes paraissent plats pour la plupart, les arrangements incertains, la vocalité hasardeuse.

 

 

René MAILLARD : « Surviving after Hiroshima ». Concerto Grosso. Concerto da Camera n°2.  Royal Philharmonic Orchestra, dir. Dionysios Dervis-Bournias.  Sarah Jouffroy (mezzo-soprano).   Naxos (www.naxos.com) : 8.572623.  TT : 71’.

Un disque qui présente trois superbes compositions de René Maillard (°1931), compositeur français, lauréat du Prix de Rome en 1955, symbolisant  parfaitement la fructueuse symbiose entre tradition et modernité, revenu, au début des années 2000, à la composition sur les conseils éclairés de Nicolas Bacri, après une interruption de plus de quarante ans.  Surviving after Hiroshima est une cantate pour mezzo-soprano, chœur & orchestre, inspirée de l’histoire vraie  de Kyoko Hama, véritable hymne à l’espoir mettant en avant toutes les qualités du compositeur,  écriture intemporelle, clarté et richesse des couleurs orchestrales. En reprenant les formes classiques et traditionnelles, revisitées, le Concerto grosso pour quintette à vents & orchestre à cordes, composé en 1961, révisé en 2003 et le Concerto da Camera n°2 pour orchestre à cordes, composé en 1959,  complètent ce magnifique enregistrement.  Absolument indispensable !

 

 

Charles GOUNOD : Biondina, souvenir d’Italie.  David Lefort (ténor), Simon Zaoui (piano).  Hortus : 084.  TT : 61’02.

Un très beau disque qui vaut  par l’originalité de l’œuvre présentée, Biondina, composée à Londres  en 1872, chargée des influences italiennes recueillies par Gounod (1818-1893) lors de son séjour en Italie (Grand Prix de Rome, 1839) mais, également, par la qualité de l’interprétation vocale et pianistique.  Biondina, roman musical sur des poèmes de Giuseppe Zaffira, en douze chapitres, nous conte l’histoire d’un poète épris de sa voisine blonde et orpheline, qu’il épouse, avant que la mort ne la lui arrache bientôt.  Des mélodies  de Tosti, contemporain de Gounod, et des pages pour piano solo, dont À la lune, encore inédite au disque, complètent agréablement cet enregistrement.  Toutes occasions, pour Gounod, de faire montre de son amour pour la voix, la mélodie, l’Italie.  David Lefort et Simon Zaoui sont ici exemplaires, tout à fait convaincants dans ce domaine - associant diction claire, vocalité facile, timbre rond, ample et accompagnement efficace.  Un vrai régal !

 

 

Franz LISZT : Fever.  Claire Chevallier (piano Érard, 1876).  La dolce volta (www.ladolcevolta.com) : LDV 02.  TT : 72’08.

Une sonorité exceptionnelle, mais plus encore, un climat, une présence en filigrane, celle de Liszt jouant sur ce piano Érard qu’il aimait tant.  Un programme éclectique, aux multiples facettes ressemblant à Liszt lui-même.  L’Andante lagrimoso et Funérailles, tirés des Harmonies poétiques et religieuses, la Mephisto-Walzer n°1, la Lugubre gondola n°2, Saint François d’Assise, la Prédication aux oiseaux, Saint François de Paule marchant sur les flots et Wiegenlied.  Une rencontre passionnante entre un compositeur, une artiste talentueuse et un piano d’exception. Voilà un disque qui fera assurément date, en cette année du bicentenaire  de la naissance de Liszt (1811-1886).

 

Patrice Imbaud.

 

Richard WAGNER : Der fliegende Holländer.  Albert Dohmen (le Hollandais), Matti Salminen (Daland),  Ricarda Merbeth (Senta), Robert Dean Smith (Erik), Steve Davislim (le timonier), Silvia Hablowetz (Mary). Chœur & Orchestre symphonique de la Radio de Berlin, dir. Marek Janowski.  2 SACDs Pentatone : PTC 5186 400 (distr. Codaex).

Ce coffret, élégamment présenté en livre-disque, constitue le « Tome 1 » d’une entreprise nationale allemande menant au bicentenaire Wagner de 2013.  D’ici cette date sortiront, à un rythme périodique, les dix opéras principaux du compositeur, enregistrés en « live » sous la baguette de Marek Janowski dont on n’a pas oublié la Tétralogie d’il y a trente ans avec la Staaskapelle de Dresde.  Cette fois, ce sont les forces de la Radio de Berlin qui se prêtent à ces concerts exceptionnels, captés dans la salle de la Philharmonie.  Quelques phrases écrites par le président du Bundestag dans sa préface en disent long sur son plaisir d’écouter la musique sans qu’elle soit polluée par les mises en scène que nous-mêmes dénonçons dans ces colonnes !  Admirons tout d’abord avec quelle perfection (on peut même parler de virtuosité) les choristes (hommes et femmes) de la radio berlinoise donnent véritablement vie à leurs rôles collectifs : ils ont été préparés par Eberhard Friedrich, le chef des chœurs de Bayreuth, et ils étincellent tout du long.  Marek Janowski, confronté à l’orchestre wagnérien, se meut dans son élément, avec un respect souvent scrupuleux de la partition (il a choisi évidemment la version durchkomponiert), à l’exception surprenante d’un moment important, la Ballade de Senta qu’il dirige lourdement, sans remédier à l’absence de nuances de la soprano.  En effet, Ricarda Merbeth néglige complètement les fp sur lesquels repose l’effet du thème de la Ballade.  Rien ne la fait émerger d’une interprétation prosaïque du rôle.  Nous sommes loin de la vibrante émotion et de l’éloquente attention aux nuances que nous apportaient Catherine Naglestad et Hartmut Haenchen dans un récent DVD chroniqué ici même (Opus Arte).  La partie féminine s’avère d’ailleurs le maillon faible de la distribution puisque le mezzo-soprano jouant Mary n’a guère la voix bien placée.  Le risque du "live" nous fait craindre pour le Hollandais et Daland qui, tous deux, commencent la soirée en trébuchant sur la justesse, mais ce n’était que le temps de se chauffer. L’expression d’Albert Dohmen dégage toujours une noblesse qui lui gagne les cœurs ; l’aigu est radieux, mais certains graves, quoique résonnant richement, sont attrapés de manière... incertaine. L’expérience wagnérienne de Matti Salminen n’est plus à vanter, il met beaucoup d’esprit à faire vivre les phrasés wébériens du rôle de Daland (par moments, il ne passe pas loin de la basse bouffe mozartienne).  Deux bons ténors (Erik et le timonier) complètent la distribution.  La course du Vaisseau fantôme devant suivre un vent dominant parmi les deux options possibles (la survivance de racines passéistes, ou la révolution wagnérienne en marche), la lecture de Marek Janowski tire l’œuvre vers ses sources (Weber, Mozart, Rossini). Emporté par un dynamisme général, le temps passe vite, mais c’est au détriment d’un approfondissement émotionnel qui exhausserait le souffle futuriste, déjà bien affirmé, autant que la dimension mythique de l’amour des deux protagonistes. Est-ce volonté d’accuser le contraste avec le deuxième volet de ce parcours, à l’autre extrême du grand œuvre wagnérien, puisque Parsifal nous est annoncé sous peu ? Nous recevrons bientôt la réponse.

 

 

RACHMANINOV : Préludes op. 3 n°2, op. 32 n°5 et 12, op. 23 n°4, 5, 7.  Études-Tableaux op. 39 n°1, 3, 5.  CHOPIN : Sonate n°2 op. 35.  Maciej Pikulski, piano. Stermaria (http://mascarel.eu/label-stermaria).

Le courant, dicté par les mutations économiques, est au rapprochement entre activités de concert et diffusion discographique autour d’un même artiste.  Ainsi Laurence Hitzel prolonge-t-elle désormais la promotion des musiciens dont s’occupe son agence Mascarel par la création d’un label discographique, joliment baptisé Stermaria.  Le premier disque ouvre ses sillons au pianiste polonais Maciej Pikulski, dont le pianisme élégant et l’intelligente musicalité ne sont plus à vanter.  Il s’agit de prises effectuées en 2 jours (d’une belle qualité microphonique), et remontant à octobre 2008.  Alors se pose la question, au sein d’un marché discographique très concurrentiel, de la nécessité d’une gravure de plus : il semblerait plus judicieux qu’un artiste jeune, et guère parvenu au statut de vedette, se positionne sur le créneau d’œuvres non rebattues, ce qui rendrait nécessaire d’aller vers son disque, tandis que la nième version de Chopin, Beethoven ou autre, se heurtera toujours à d’immortelles références autrement plus marquantes – et attractives pour le public ! –, et ne conquerra sa place que si elle s’affirme comme le fruit d’une expérience longuement mûrie.  On voit bien ici que Maciej Pikulski sollicite excessivement les morceaux les plus célèbres (le Prélude en ut# mineur !), comme s’il se demandait comment faire pour s’y distinguer !  Tandis que d’autres plages coulent plus naturellement, ou que des idées pertinentes se font jour ici et là.  D’où un manque de cohérence dans la réalisation globale.  Prenons l’exemple de la Sonate n°2 de Chopin : le premier mouvement semble en proie à des contorsions, les motifs chantants ne trouvent pas leur agogique naturelle ; il manque au Scherzo une pulsation venue de l’estomac, et le trio se déroule superficiellement ; en revanche, le détachement presque lumineusement timbré de la Marche funèbre ouvre une perspective d’ordre métaphysique à l’immuabilité dénuée de pathos de son cheminement ; c’est une vision personnelle de la mort que nous propose l’interprète et nous l’accueillons ainsi ; mais, pris dans cette logique, le Presto émerge d’un brouillard et perd du coup sa dimension de houle hallucinée sans laquelle son extrême brièveté (son déséquilibre formel, à l’échelle de la Sonate) ne peut plus se justifier.  Parmi les pièces de Rachmaninov, relevons le splendide lyrisme de l’Étude-Tableau op. 39 n°5, les suggestives cascades du Prélude op. 23 n°7, la fraîcheur poétique du Prélude op. 32 n°5, le climat d’intériorité du Prélude op. 23 n°4.  Mais il manque une dimension imposante au Prélude op. 32 n°12 et à la cambrure de l’op. 23 n°5 que de grands pianistes russes ont marqué de leur empreinte.  Quant à l’Étude-Tableau op. 39 n°3, elle reste du beau piano trop extérieur, mais y manque le violent appel de la nostalgie russe, si présente au cœur de Rachmaninov.  Alors on se réjouirait d’entendre Maciej Pikulski, mais peut-être pas dans des œuvres où les géants de plusieurs générations pianistiques l’écrasent de leurs ombres prestigieuses.

 

 

Harmonious breath.  Concertos pour saxophone & orchestre d’instruments chinois de Yiu-Kwong Chung (°1956) et Leilei Tian (°1971) + deux arrangements de chants traditionnels chinois.  Claude Delangle (saxophones alto & soprano).  Orchestre chinois de Taipei, dir. En Shao.  Bis : CD-1790.

Oubliez toutes vos certitudes sonores et laissez-vous séduire par cette rencontre entre Orient et Occident qui s’inscrit dans un projet associant le label suédois Bis et des institutions de Taiwan : quatre solistes vedettes du label développent un partenariat avec l’orchestre d’instruments traditionnels ; la flûtiste Sharon Bezaly avait ouvert le bal, suivie du saxophoniste Claude Delangle ; viendront le tromboniste Christian Lindberg et la percussionniste Evelyn Glennie.  Claude Delangle situe son travail dans le droit fil de ses précédentes expériences au Japon et de sa riche pratique de la musique contemporaine, mais y voit aussi un reflet de l’histoire universelle des instruments à anche (anche double et anche simple).  Sous la direction d’En Shao, chef formé à l’orchestre symphonique en Angleterre, le jeu des instrumentistes traditionnels présente les mêmes vertus que celui d’un ensemble occidental, tandis que Claude Delangle sait évoquer avec virtuosité le guanzi chinois.  Le métissage sonore peut produire des moments magiques, tel le mouvement central (En écoutant la cascade) du Deuxième Concerto de Yiu-Kwong Chung, écrit pour une formation réduite mais féerique de quintette : saxophone soprano, vibraphone, erhu, guzheng, sanxian (trois instruments à cordes nettement différenciés).  En revanche, quand l’orchestre chinois se rapproche des repères occidentaux, l’expérience perd de son originalité et fait un peu « world music ». L’apport le plus novateur de ce disque est à mettre au crédit de Leilei Tian, compositrice formée en Suède et à Paris, dont Open secret (commande du ministère français de la Culture, 2009) représente une authentique création d’aujourd’hui, procédant par glissements mystérieux entre deux mondes finalement convergents.

 

 

« Soul Mates » : Paule MAURICE : Tableaux de Provence.  Piotr GRELLA-MOZEJKO : Moon down, Numen.  Caroline CHARRIÈRE : Miniature, Tranquillo-Agitato.  Victor CORDERO : Soul Mates.  Darius MILHAUD : Scaramouche.  Laurent Estoppey  (saxophone), Virginie Falquet (piano).  Claves (www.claves.ch) : 50-1111.

Sous le rébarbatif matricule « ST15 » (quelle idée de baptiser ainsi un ensemble !) se cachent deux artistes suisses pleins de fraîcheur.  Dans les « classiques » du répertoire saxophonistique (Paule Maurice et Darius Milhaud ; les Français rectifieront les graves approximations relatives à l’enseignement au Conservatoire de Paris dans les notices biographiques), on peut juger de l’esprit piquant que nos duettistes apportent à leurs interprétations ; la pianiste est délicieuse, on aimerait seulement que le saxophoniste travaillât encore la qualité de ses timbres.  Les écoles françaises, que l’on penche vers celle si féconde de Jean-Marie Londeix ou vers Claude Delangle, nous ont habitués à un modelé incomparable des sonorités de l’instrument ; l’on pense encore, dans cet ordre d’idées, au prodigieux Hollandais Arno Bornkamp, d’ailleurs élève de Londeix.  Le cœur du disque de Laurent Estoppey et Virginie Falquet repose sur des  pièces d’auteurs actuels écrites à leur intention : Piotr Grella-Mozejko (Canadien comme son nom ne l’indique pas) procède par délicates touches atmosphériques ; « presque imperceptible », indique-t-il sur un des morceaux, or on touche vite aux limites du non-renouvellement de cette imperceptibilité.  Mais, au moins, on traverse ces brumes en se laissant doucement envelopper, tandis que les pièces de Caroline Charrière sont inconsistantes et qu’il n’y a rien, dans Soul Mates de Victor Cordero que l’on ne trouve, autrement plus élaboré, dans le formidable cycle d’études pour saxophone de Christian Lauba.

 

 

Gabriel DUPONT (1878- 1914) : Les heures dolentes.  La maison dans les dunes.  Stéphane Lemelin.  2 CDs Atma Classique : ACD2 2544 (distr. Intégral).

Le pianiste canadien Stéphane Lemelin s’est fait une spécialité d’exhumer des pages françaises oubliées de la fin du XIX^e siècle ou du début du XX^e.  On lui devait ainsi (toujours chez Atma) un beau disque Ropartz, mais aussi des gravures consacrées à des auteurs plus mineurs tels que Samazeuilh, Migot, Théodore Dubois. Aujourd’hui paraît enfin un enregistrement de décembre 2007 nous révélant deux recueils de Gabriel Dupont, destin fauché à 36 ans par la tuberculose, qui connut une relative gloire pour ses opéras (La Glu, Antar).  Le cahier de 14 pièces aux titres suggestifs, Les heures dolentes, constitue un émouvant journal intime de sa convalescence après le premier assaut de la maladie : on y ressent les angoisses d’un jeune homme de 25 ans mais aussi le candide regard porté sur la moindre petite joie ou une fraîche visite.  N’étant pas nourries de cette expression autobiographique, les 10 vignettes de La maison dans les dunes nous laissent indifférents.

À parler franchement, l’oubli dans lequel tomba cette musique s’explique par un manque de « signature » personnelle tandis que l’influence de son contemporain Debussy éclate par bouffées tellement « non digérées » qu’elle prête à sourire.  Peut-être manque-t-il à Stéphane Lemelin une étincelle d’imagination pour transcender ces pages de second tiroir ?  Et la prise de son n’est pas non plus la plus riche captation de piano que l’on puisse trouver sur le marché.

 

 

TCHAÏKOVSKY : Quatuor à cordes n°3 (a).  CHOSTAKOVITCH : Trio pour piano, violon et violoncelle n°2 (b).  Christian Tetzlaff (violon, a et b), Antje Weithaas (violon 2, a), Tatjana Masurenko (alto, a), Gustav Rivinius (violoncelle, a), Tanja Tetzlaff (violoncelle, b), Lars Vogt (piano, b).  Avi Music : 8553224  (distr. Codaex).

Issus de concerts se tenant sur le site de l’usine hydroélectrique de Heimbach (un bâtiment Art Nouveau de 1904 qui abrite chaque été un festival de musique de chambre dirigé par Lars Vogt), ces enregistrements réalisés par la radio Deutschlandfunk réunissent deux œuvres écrites comme des hommages funèbres à des amis musiciens disparus.  L’émotion nous étreint dès le lamento initial du 3^e Quatuor de Tchaïkovsky.  Toutes les incursions de Christian Tetzlaff dans la musique de chambre produisent des fruits aussi magistraux que ses interprétations de soliste ; il fédère autour de lui de talentueux partenaires auxquels il communique un esprit fusionnel.  L’élan lyrique insufflé à l’œuvre de Tchaïkovsky met merveilleusement en lumière la richesse de l’écriture, animée de surcroît par une vie mouvante dans la gradation des dynamiques et les échanges de répliques.  L’Andante funebre et doloroso s’élève du lugubre désincarné à la compassion la plus tendrement vibrante.  Pourrait-on rêver interprétation plus accomplie, plus sentie ?  Je ne crois pas.  Dans le Trio n°2 de Chostakovitch, l’âpreté du 1^er mouvement monte de très loin depuis les redoutables harmoniques de la phrase initiale du violoncelle (si bien réussis par Tanja Tetzlaff), le Scherzo endiablé grince un peu trop (je parle ici des cordes, non des intentions satiriques... effectivement grinçantes !).  Les pleurs rentrés du Largo s’exhalent par le son lointain des cordes sur l’imperturbabilité des accords de piano.  Leur interprétation du finale sur un motif juif privilégie les effets de lointain du premier élément en pizzicato, puis les sommets exacerbés sonnent avec la brutalité d’une catharsis (les micros engrangent même désagréablement les chocs qu’inflige Lars Vogt à son piano), non avec l’ampleur qui donne à ce mouvement son inexorable gravité dictée par la ferme pulsation : c’est une vision d’outre-monde qu’ont voulue les artistes, là où d’autres mettent l’accent sur la puissance visionnaire d’une opiniâtreté qui résiste à tout, y compris à la mort.  La comparaison des diverses versions de ce sublime Trio ouvrirait presque la voie à une discussion ontologique de type heideggerien sur la finitude...