BEETHOVEN : Sonates pour violon & piano op.12 n°1, op.23, op.30 n°2 et 3.  Alina Ibragimova (violon), Cédric Tiberghien (piano).  Wigmore Hall Live : WHLive0036 (distr. Codaex).

Captation d’un concert du 27 octobre 2009, l’interprétation de ces duettistes révèle un fascinant travail sur les dynamiques, les accents et le phrasé, tous éléments auxquels le compositeur apportait un soin particulier, comme l’indique Misha Donat dans sa notice où il décrit le manuscrit de la Sonate op.30 n°3 conservé à la British Library.  Des œuvres pourtant si fréquentées reçoivent une nouvelle jeunesse par le rebond, la vitalité qui animent de bout en bout ce périple beethovenien.  Le son un peu rêche d’Alina Ibragimova n’a guère de séduction intrinsèque, au contraire de celui, lumineusement pur et modulé avec précision, de Cédric Tiberghien, mais l’attentive collaboration conduit d’un élan homogène les prestes évolutions des deux musiciens.  Un disque d’une sève tonifiante !

 

 

Hans-Werner HENZE : Appassionatamente plus.  Alban BERG : Lulu-Suite.  Julia Bauer (soprano).  Essener Philharmoniker, dir. Stefan Soltesz.  Cybele : SACD 860.801 (distr. Codaex).

Il est décidément dans l’air du temps de rapprocher Henze et Berg, et ce couplage de deux suites symphoniques tirées par les compositeurs de leurs opéras fonctionne bien.  L’Orchestre philharmonique d’Essen, conduit par son Generalmusikdirektor Stefan Soltesz avec un souci du beau son, enveloppe d’un riche velours la musique crépusculaire de Berg, au lyrisme de fin d’un monde reflétant ce que vivait Berg, à un an de sa mort, dans la dictature nazie triomphante.  L’opéra de Henze Das verratene Meer traite de la violence urbaine dans un Japon contemporain encore hanté d’archétypes : en 2003, le compositeur donna une version augmentée de la suite orchestrale qu’il en avait extraite en 1994.  La vaste palette de percussions suggère le cadre extrême-oriental en même temps que les ravages émotionnels décrits dans le livret, mais l’expressivité favorisée par le déroulement musical finit par laisser les épisodes de la romance amoureuse prendre le dessus par rapport à la crudité nihiliste déchaînant l’engrenage de la violence.

 

Kopatchinskaja Rapsodia : Musique folklorique de Moldavie + œuvres d’Enesco, Ravel, Ligeti, Kurtág, Dinicu, Sanchez-Chiong.  Patricia Kopatchinskaja (violon) en compagnie de ses parents Viktor Kopatchinsky (cymbalum) et Emilia Kopatchinskaja (violon & alto), Mihaela Ursuleasa (piano), Martin Gjakonovsky (contrebasse).  Naïve : V5193.

Virtuose inclassable, électron libre et incontrôlable, la jeune violoniste moldave nous invite à feuilleter son album (musical) de famille.  Ainsi environnée de musique traditionnelle jouée avec flamme par son père, virtuose du cymbalum, et sa mère, qui lui inculqua l’amour du violon, Patricia Kopatchinskaja éclaire avec un son radieux les racines d’œuvres du répertoire.  La 3^e Sonate d’Enesco est considérée comme un défi tant son auteur, lui-même virtuose hors-pair, l’a parsemée de difficultés (et pas seulement de stratosphériques harmoniques !) et d’indications destinées à guider l’interprète vers l’évocation d’une atmosphère folklorique sublimée.  Mais la Moldave et sa partenaire roumaine Mihaela Ursuleasa chantent dans leur idiome, et la Sonate coule d’évidence, ainsi que le Ménestrel extrait des Impressions d’enfance du même.

À l’heure où paraît un livre sur György Ligeti et la musique populaire (Symétrie), le Duo que PatKop a enregistré en re-recording avec elle-même (sa collaboration la plus difficile, dit-elle !) en fournit l’illustration.  Quant aux miniatures quintessenciées de Kurtág, elles présentent la caractéristique d’être authentiquement écrites pour violon et cymbalum.  Le défi plus improbable consistait à ramener le folklore inventé de Ravel vers des sonorités authentiques : on sait que Ravel avait écrit la partie de piano de Tzigane pour un éphémère instrument, le luthéal, dont le son tendait à se rapprocher du cymbalum.  Armé de cette certitude, Viktor Kopatchinsky a réécrit l’accompagnement ravélien pour l’ambitus et le mode de jeu du cymbalum ; certes il nous manque l’étendue du piano, et l’étagement harmonique des basses, mais l’expérience valait d’être tentée, et la virtuosité de la violoniste est sans faille.  Si vous cherchez un moment de dépaysement qui vous rappelle l’immarcescible sève à laquelle tout un chacun est redevable, vous ne regretterez pas ce disque.

 

 

Vincent PAULET : La Ballade des pendus, Partita 2, Sonatine pour violon & piano, Sonate pour violoncelle & piano, Nuit, Sur un nuage.  Jean-Michel Dayez (piano), Florent Héau (clarinette), Marion Ralincourt (flûte), Xavier Gagnepain (violoncelle), Arnaud Vallin (violon), Quatuor Parisii, Isabel Soccoja (mezzo-soprano), dir. Nicolas Krüger.  Hortus : 080 (http://shop.editionshortus.com).

Vincent Paulet possède l’art d’installer un climat dès les premières notes : insérez La Ballade des pendus (1988) dans votre lecteur de CD, et vous vous sentirez aussitôt sur une lande désolée où souffle un vent nocturne et où se dresse le gibet menaçant François Villon.  Chaque strophe du poème, chantée avec une compassion concentrée par Isabel Soccoja, fait l’objet d’un commentaire instrumental aux lignes pures et aux fusées s’inscrivant dans une modernité pliée à l’expression la plus sentie.  D’un seul souffle, d’une seule âme, les admirables instrumentistes (Jean-Michel Dayez, Florent Héau, le Quatuor Parisii) réunis sous la direction de Nicolas Krüger, semblent exhaler une émotion miraculeusement fusionnelle, toute intempérance susceptible de l’entamer étant soigneusement proscrite.  De la même période (1987), la Partita 2 installe dès le premier mouvement le pivot du do grave de la flûte comme pour poser l’assise favorable à la réflexion ; alternent alors l’exubérance et la méditation, menées avec une infinie délicatesse de touche par Marion Ralincourt et Jean-Michel Dayez.

En 1995 et 1996, Paulet développa des éléments issus d’une pièce de théâtre musical : en résultèrent Nuit pour piano, dont les bouillonnements s’éveillent d’une ténébreuse rêverie, puis la Sonate pour violoncelle & piano, jouant de réminiscences stylistiques éparses (dont La Valse de Ravel), mais d’une écriture moins convaincante dans sa nudité.  La micro-Sonatine pour violon & piano de 2003 (trois mouvements en trois minutes, qui dit mieux, Webern excepté ?) semble d’abord transformer les instrumentistes en derviches-tourneurs, avant un mouvement central aussi tragiquement désolé que La Ballade des pendus et un finale incisif.  La plus récente pièce, Sur un nuage, qui fait tournoyer en moins de trois minutes des humeurs… atmosphériques, précède juste Volcaniques qui sera créée le 19 novembre prochain à Pleyel par l’Orchestre philharmonique de Radio France sous la direction de Lawrence Foster.

Après le poignant De profundis (Hortus : 036), la deuxième monographie consacrée par le label Hortus à Vincent Paulet consacre un créateur mû par une sensibilité soucieuse de sa seule vérité intérieure, indépendamment de tout apparentement d’école.

 

 

RACHMANINOFF : Variations Corelli, Préludes en sol# mineur, ut# mineur, sol mineur, Moments musicaux op.16 n°2, 3, 4.  SAINT-SAËNS : Allegro appassionato op.70, Toccata op.72, Études op.52 n°2, op.111 n°1 et 6, op.135 n°4.  David Bismuth.  AmeSon : ASCP 1020 (distr. Codaex).

Un disque Franck-Fauré paru en 2004 sous le même label nous avait captivé par sa profondeur de pensée ; aujourd’hui, David Bismuth associe deux fameux virtuoses-compositeurs, Rachmaninov et Saint-Saëns, pour éclairer ces parcours en « parallèles décalées » – oserions-nous écrire – par un choix judicieux de pièces.  Le rapprochement avec l’esprit français n’est pas incongru si l’on écoute avec quel art David Bismuth tire les Variations Corelli de Rachmaninoff vers une élocution claire et classicisante à l’intérieur de laquelle va s’instiller progressivement le ton nostalgique du Russe exilé.  On entend se dessiner une interprétation très psychologique, à l’intériorité mûrement méditée, qui acquiert ainsi une valeur peu commune.  L’ensemble de ses lectures de Rachmaninov s’interdit d’ailleurs tout brillant factice, nous menant à une écoute « purifiée », en communion de cœur avec le dévoilement humain de cette musique.  Les Moments musicaux choisis apparaissent comme des moments de confession intime.  L’entrée dans la partie Saint-Saëns (Allegro appassionato) se fait par trois octaves qui pourraient émaner de Rachmaninoff, même si elles bifurquent ensuite vers de cristallines cascades d’une élégance plus « objective », encore que de tendres échappées contournent ce masque sommairement plaqué sur la figure de Saint-Saëns.  Sachons gré à David Bismuth de nous mettre en sympathie avec un Saint-Saëns moins monolithique qu’on ne l’a prétendu, même à travers le filtre, pour le coup très « objectif » et démonstratif, d’Études et de Toccatas.  C’est d’ailleurs par un moment de pur brio lisztien, l’adaptation de la Toccata finale du Concerto « Égyptien » sous couvert d’Étude op.111 n°6, que se referme ce programme sans faille.

Un Bösendorfer Imperial de 1980 a généreusement été mis à la disposition de l’artiste, offrant à la gravité de son propos les basses exceptionnelles de ce modèle d’instrument, même si celui-ci présente un défaut dans une zone précise du médium-aigu sonnant trop cru.  Par ailleurs, la prise de son ne rééquilibre pas tout à fait l’acoustique un peu sèche d’une pièce de demeure privée, ou alors elle compense par des compromis, comme dans le Prélude en sol mineur, curieusement « flouté », ce qui nuit à la cambrure pleine de panache qu’adopte ici Rachmaninoff, dans une manifestation de grand pianisme qui se doit d’être éclatante, voire solaire.  Si la notice n’était émaillée de négligences de français et ne se contentait pas de clichés sur Saint-Saëns, notre bonheur serait complet.

 

Marie-Nicole LEMIEUX (contralto) : « Ne me refuse pas ».  Airs de Berlioz, Bizet, Cherubini, Halévy, Massenet, Offenbach, Saint-Saëns, Thomas, Wormser.  Orchestre national de France, dir. Fabien Gabel.  Naïve : V5201.

Intelligemment conçu, le programme nous conduit à parcourir quasiment un siècle (de 1797 à 1892) d’évolution de la voix de contralto à travers l’opéra français.  Chaque grande décennie du genre est représentée.  Si quelques « incontournables » y figurent (la Habanera de Carmen dirigée avec une pulsation au rebond aussi précis qu’élégant, « Connais-tu le pays » de Mignon, ou « Mon cœur s’ouvre à ta voix » de Samson et Dalila), quelle autre occasion nous serait donnée d’entendre l’air de Néris dans la Médée de Cherubini (même s’il est bien faible dramatiquement et n’échappe guère aux poncifs), ou de découvrir la grande scène dramatique « Sous leur sceptre de fer » extraite du Charles VI de Fromental Halévy, dirigée avec fougue et sens théâtral par un Fabien Gabel très à l’aise dans ce répertoire ?  Mais l’heureuse surprise vient de cette Clytemnestre d’André Wormser, née la même année que Carmen, sur laquelle il eût été opportun de mieux informer l’auditeur, puisqu’il s’agit là de la cantate de Concours de Rome de l’impétrant, et non d’un opéra.

La voix de la cantatrice canadienne témoigne certes d’une chaude présence s’impliquant dans les affetti de ses personnages, mais – comme il advient si souvent à notre époque – elle n’est pas posée avec une absolue sécurité, et – comme on le constate tout aussi souvent chez les chanteuses de langue maternelle française – sans le secours du livret, on ne comprendrait goutte aux textes déclamés.

Pour conclure en enfonçant des portes ouvertes, le bilan de ce panoramique aboutit à reconnaître que le compositeur le plus dénué de ressort dramatique s’avère décidément Berlioz (et les vociférations de Didon n’y changeront rien, si l’on songe au bouleversant dépouillement – renoncement – de la mort de Didon chez Purcell), tandis que le plus inspiré dans l’art de faire vivre ses personnages étayés par un orchestre-protagoniste demeure tout aussi décidément Massenet (ici représenté par Hérodiade et Charlotte).

 

 

Frédéric CHOPIN : 41 Mazurkas.  Jean-Marc Luisada.  2SACDs RCA Red Seal : 88697686922.

Un authentique artiste grandit en constante évolution.  Si la première intégrale des Mazurkas par Jean-Marc Luisada (DGG, enregistrée en 1990/91) fit date, celui-ci la juge aujourd’hui avec une sévérité… dont nous lui laissons la responsabilité.  Le cycle enregistré au Japon en 2008, auquel il a soustrait les Mazurkas posthumes, franchit de nouveaux accomplissements dans le travail des sonorités – de l’élégance parfois délicatement distante aux éclairages opalescents –, accentue les contrastes rythmiques – quelque invisible talon de danseur frappant le sol –, creuse les contours du dramatisme – à l’image de l’introduction à deux voix graves qui conditionnera les ombrageuses insistances de l’op.7 n°3 puis les accès orageux.  Il reprend l’approche au plus juste des textes et des éditions, arrêtant de nouvelles solutions aux énigmes posées par Chopin (la Mazurka senza fine op.7 n°5).

Dans des pages de journal intime telles les Mazurkas op.17, aux audaces harmoniques inouïes et aux tournures obsessives, il se replie au plus profond de la confidence inquiète.  Un portrait psychologique peut alors s’esquisser, comme dans l’op.56 n°1 dont la nostalgique mélancolie semble détachée de ce monde, puis agitée de difficultés à y revenir avant de se déterminer à l’éloignement.  L’op.59 n°2 dresse un tableau plein de noblesse des complexes humeurs du Chopin de la maturité, puis la sérénité semble affleurer de l’op.63 n°2.  C’est par l’intimité de toute une vie avec Chopin que Jean-Marc Luisada peut donner ainsi le sentiment de nous livrer ses propres échanges avec le cœur du compositeur transmis en musique.

 

 

Emmanuel CHABRIER : Dix pièces pittoresques, Impromptu en ut majeur, Cinq pièces posthumes, Bourrée fantasque.  Maurice RAVEL : À la manière de… Emmanuel Chabrier.  Emmanuel Strosser (piano).  Mirare : MIR 116.

Emmanuel Strosser aborde Chabrier avec l’allant et la grâce qu’il sait mettre à ses Schubert.  N’en ressortent que mieux les surprenants contrastes avec ces harmonies ou ces rythmes « terriens » que l’on peut – au choix – qualifier de vulgaires, d’incongrus, de décalés.  Mais l’apport singulier de Strosser est précisément d’éviter la vulgarité et de s’attacher à la sincérité sensible des pièces les plus touchantes.  Écoutez comme il fait flotter des halos de brume dans les étonnants Sous-bois où il réalise le précepte de Ricardo Viñes dépeint par Francis Poulenc : « jouer clair dans un flot de pédale ».  Il y a d’ailleurs un passage d’Idylle qui a été « prélevé » par Poulenc qui admirait tant Chabrier et lui a consacré un livre.  On sera séduit par l’Impromptu qui rebondit de tournures pleines de panache et de piquant en tendres suavités, avec ces beaux enchaînements harmoniques qui semblent émerveiller l’auteur lui-même tant il s’y attarde avec une insistance presque naïve.  Et que dire de l’insolite parcours dramatique du Caprice, conduit en grand musicien par Emmanuel Strosser !  Les pages les plus « accrocheuses » tourbillonnent avec verve, le Scherzo-valse et la Bourrée fantasque sont irrésistibles, le cheminement harmonique de l’Improvisation sonne romantique à souhait.  Il est certain que l’Aubade de 1883 (consécutive au voyage de l’auteur en Espagne) contient en germe beaucoup de la musique d’inspiration hispanique qui va suivre chez les musiciens français, et chez les Espagnols venus à Paris recueillir l’enseignement compositionnel qui leur faisait défaut chez eux.  Mais ce n’est pas le versant hispanique qu’a croqué Ravel dans son « à la manière de… » : ainsi remise en situation, cette courte pièce révèle mieux que jamais le talent de l’imitateur (encore que des signatures raveliennes captent l’oreille, et que le côté aguichant lorgne du côté de Satie), et elle est ici jouée avec un raffinement exquis, une délicatesse de toucher qui nous enchantent.  Emmanuel Strosser, si réputé dans la musique de chambre, mérite aussi d’être admiré comme un très fin récitaliste, et il est ici servi par une bonne prise de son.

 

 

Karol SZYMANOWSKI : Concerto pour violon n°1.  Symphonie n°3.  Christian Tetzlaff (violon), Steve Davidslim (ténor).  Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde Wien, Wiener Philharmoniker, dir. Pierre Boulez.  DGG : 477 8771 « Prestige-Edition » + Bonus (avec interviews de Pierre Boulez).

Pour la première fois, Pierre Boulez intègre le compositeur polonais à sa discographie, mais le choc d’une découverte décisive remonte à ses années de formation, comme il le révèle dans les interviews.  Ici se trouvent réunies les deux partitions de 1916, que bien des passerelles unissent, à commencer par le violon : saluons, dans le Concerto n°1, la performance de Christian Tetzlaff, qui, mettant ses pas dans ceux de Paweł Kochański (ami, conseiller de Szymanowski, et auteur de la cadence), nous transporte par un son diaphane, translucide, d’une pénétrante émotion, doublé d’une étourdissante virtuosité.  Mais le premier violon solo de l’Orchestre philharmonique de Vienne, souvent protagoniste dans la 3^e Symphonie, aurait mérité d’être mentionné dans le livret.

La qualité de jeu des instrumentistes viennois et la précision de Boulez se conjuguent pour délivrer une lecture à laquelle aucun détail n’échappe.  Interprétation bien boulezienne, donc, où la sensuelle moirure impressionniste de Szymanowski ne doit tout de même pas voiler l’irréprochable facture d’une orchestration fourmillante de subtilités.  Dans le Concerto passent fugitivement les denses ténèbres expressionnistes de quelque viennoise Nuit transfigurée, mais c’est dans la 3^e Symphonie qu’il est question d’érotique et mystique Chant de la Nuit, sous l’inspiration du poète soufi Rûmî.  Là encore, l’atmosphère nocturne passée au filtre boulezien reste plus schönbergienne que debussyste, même si le répertoire du maestro transparaît en filigrane par la manière de souligner certaines parentés ; Debussy et Ravel, certes, des allusions wagnériennes aussi (les Chevaliers du Graal pressant Amfortas de célébrer le rite dans Parsifal s’invitent au détour d’une page chorale du premier mouvement !), des hallucinations bergiennes qui traversent le dernier mouvement chanté…  Au fait, l’Orient n’était pas très loin non plus du Concerto puisqu’y surgissait une quasi-citation de la Shéhérazade de Rimsky-Korsakoff !  Le côté « carrefour des cultures » du Polonais est ainsi mis en évidence, ce qui n’enlève rien à la prenante beauté de ses fresques orchestrales.

Afin de marquer l’événement, l’enregistrement de la Symphonie n°3 coïncidant, en mars dernier, avec l’anniversaire du maître, la firme allemande a réalisé une belle édition en petit livre-disque et s’est associée à l’ORF pour y inclure un disque d’interviews de Pierre Boulez réalisées à cette occasion, l’une en anglais par Andrew Clements, la deuxième en allemand par Albert Hosp, la troisième en français par Omer Corlaix.  C’est cette dernière qui s’avère la plus intéressante, la plus savoureuse (aisance accrue dans sa langue maternelle ?  Qualité de l’interlocuteur ?).  On notera avec amusement que, dans chacune des interviews, Boulez dispense un coup de griffe à un compositeur russe, mais différent selon la langue (Prokofiev d’un côté, Scriabine ensuite, Chostakovitch en dernier ressort, sont ses cibles) !  Il y manifeste aussi son envie de ne pas toujours diriger les mêmes œuvres et de renouveler (à 85 ans !) son répertoire, ce qu’il fait d’ailleurs en continuant à créer des pièces de jeunes compositeurs.  Nous offrant, dans cet esprit, une « nouveauté » pour son anniversaire, Pierre Boulez enrichit la discographie d’un précieux joyau.  Alors, nous souhaitons un fécond avenir à ce jeune Maître épris de découvertes !

 

Sylviane Falcinelli.

 

Johann ROSENMÜLLER : Vox dilecti mei.  Ramée (stephanie@outhere.com) : RAM 1009.  TT : 66’05.

Johann Rosenmüller (ca 1617-1684), mort un an avant la naissance de J. S. Bach, a été le suppléant du Cantor T. Michael à St-Thomas de Leipzig et organiste à St-Nicolas, puis a réorganisé la musique à la chapelle de la cour de Wolfenbüttel.  Il est tout aussi populaire que D. Buxtehude et J. Pachelbel.  Ce disque contient 3 Sonates instrumentales, de caractère grave et méditatif, ou bien enlevé et dynamique, spéculant sur la virtuosité des violons.  Parmi les pages vocales, figurent notamment le Psaume 70/71 : In te Domine speravi, très développé et bien rendu par la voix lumineuse d’A. Potter (contre-ténor) soutenu par l’Ensemble Chelycus, et le motet plus lyrique : Vox dilecti mei (extrait du Cantique des Cantiques).  À noter également : les motets O Salvator dilectissime (d’après le manuscrit conservé à la Bibliothèque d’État de Berlin) et O anima mea suspira ardenter (Bibliothèque de l’Université d’Uppsala) : bel exemple de musique du début du XVII^e siècle en Allemagne.

 

 

Auguste FAUCHARD : Symphonie eucharistique.  Hortus (editionshortus@wanadoo.fr) : 078.  TT : 76’55.

Grâce aux éditions Hortus, Emmanuel Hocdé, organiste de réputation internationale, a enregistré, en première mondiale, la Symphonie eucharistique du chanoine A. Fauchard (1881-1957), « vicaire-organiste » à la cathédrale N.-D. de Mayenne, auteur de nombreuses œuvres liturgiques et de Symphonies pour orgue, dont la 4^e, Symphonie eucharistique, a été composée en 1944.  « Avec son âme de prêtre », A. Fauchard y a « traduit musicalement le Traité de l’Eucharistie ».  L’œuvre repose sur 3 thèmes cycliques : Lauda Sion, Pange lingua et Adoro te, et donne lieu à 4 Méditations : Invitatoire, invitation à la louange eucharistique ; Sacrifice du Calvaire évoquant le glas et la mort et Sacrifice de la Messe sur un fond de carillon mystérieux aboutissant à l’adoration ; Communion symbolisant la doctrine théologique de la communion, de caractère plus léger et orné, baignant dans l’émotion ; Procession, avec un exubérant carillon de cloches, la marche du cortège, la « cérémonie de clôture » et la bénédiction, comportant un bref rappel des 3 thèmes cycliques.  L’ensemble se présente comme un « poème symphonique » intensément vécu et magistralement interprété par E. Hocdé, à l’orgue Cavaillé-Coll de l’église Saint-Sulpice (Paris).

 

 

Harald WEISS : Requiem.  2CDs Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP 7008/09.  TT : 47’40 + 42’24.

Le Chœur de Garçons de Hanovre, fondé par le regretté Heinz Hennig, repris par Jörg Breiding, interprète avec ses hautes qualités proverbiales une œuvre contemporaine émouvante, qui lui est dédiée.  Sous-titrée : Schwarz vor Augen… und es ward Licht ! (Et la lumière fut…).  Ce Requiem suscite une musique méditative, très prenante, intériorisée, dont les parties chorales spéculent notamment sur les silences, alors que les interventions de l’orchestre créent l’agitation.  L’atmosphère parfois terrifiante contraste avec les sonorités pures des voix.  Le livret reprend des textes liturgiques de la Messe de Requiem (Requiem aeternam, Mors stupebit, Sanctus, Veni, Sancte Spiritus, Rex tremendae…), associés à des extraits bibliques (Psaume : Apprends-nous à réaliser que nous devons mourir) et des poèmes particulièrement significatifs de J. von Eichendorf, H. Hesse, R. M. Rilke, R. Tagore.  Harald Weiss (°1949) maîtrise une synthèse d’esthétiques très différentes : musique romantique allemande, impressionniste française, avec des rythmes dans le sillage de C. Orff...  La création a eu lieu le 31 octobre 2009.  Voilà un Requiem sortant des sentiers battus, à découvrir.

 

 

D’un cœur qui t’aime.  Musique religieuse de la France romantique.  Emmanuel Hocdé (orgue) & Chœur de chambre Les Temperamens Variations, dir. Thibault Lam Quang.  TT : 71’39.

Thibault Lam Quang s’est lancé dans un programme romantique dominé par le sentiment de louange et traduisant la sensibilité religieuse des XIX^e et début XX^e siècles.  Toujours interprétés avec infiniment de précision et de musicalité, et une excellente diction, les Temperamens Variations proposent Les Sept dernières Paroles du Christ (d’après Luc, Matthieu et Jean) de Ch. Gounod, chantées par le chœur a cappella qui respecte la prononciation gallicane, alors en usage, et fait preuve d’une rare plénitude vocale et d’intériorité, notamment dans l’émouvant Tenebrae factae sunt.  Parmi les pièces pour chœur et orgue, figure sa Prière du soir et D’un cœur qui t’aime.  E. Hocdé, à l’orgue Cavaillé-Coll de l’abbaye de Royaumont, réussit à conférer ce caractère romantique à la Bénédiction nuptiale de C. Saint-Saëns, et interprète avec énergie, force et vigueur, l’Allegro de la 6^e Symphonie de Ch.-M. Widor.  G. Rossini est représenté par l’Ave Maria et O Salutaris Hostia.  Belle défense et illustration de la musique religieuse romantique.  À ne pas manquer.

 

 

Johann Sebastian BACH : Weihnachtsoratorium BWV 248.  2CDs Rondeau (mail@rondeau.de) : ROP 4034/35.  TT : 71’22 + 79’39.

Le 16^e Thomaskantor après Jean-Sébastien Bach, Georg Christoph Biller, le Thomanerchor & l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig ont fortement marqué le 275^e anniversaire de la création, en l’église Saint-Thomas, de l’Oratorio de Noël.  Des interprètes de tout premier plan avec - entre autres, autour de l’évangéliste M. Petzold (ténor), I. Danz (alto), G. Genz (ténor), P. Iconomou (basse) - les garçons appartenant à ce remarquable chœur : P. Bernewitz, Fr. Praetorius (sopranos) donnent « la » version de référence des 6 Cantates - allant des fêtes de Noël jusqu’à celle de l’Épiphanie - dans une interprétation extrêmement sensible, fidèle à la tradition du Kantor et la réputation musicale de Leipzig.  Les discophiles ne pourront résister à l’intériorité des chorals luthériens, au coloris orchestral, à l’authenticité de l’atmosphère de Noël, pleine de jubilation (Cantate 1), au caractère narratif (2), à la joie de la venue du Seigneur (3), à la louange et à la reconnaissance (4), à la glorification de Dieu avant la menace du roi Hérode (5) exprimé dans le beau choral de Paul Gerhardt : Ich steh an deiner Krippen hier, avec l’adoration du petit Jésus, et à la confiance rétablie après l’effroi (6).  Ce coffret, placé sous le signe : Das ganze Glück der Christenheit, représente une véritable recréation rappelant -  in einem Klang – « tout le bonheur de la chrétienté ».

 

 

MOZART / KODÁLY / LISZT.  Chœur & Orchestre de Paris-Sorbonne.  Musique en Sorbonne (www.musiqueensorbonne.fr) : MES 1002.  TT : 60’42.

À la recherche de répertoires originaux, « Musique en Sorbonne », avec le mécénat de Mondial Assistance, a eu raison de programmer, notamment, deux Psaumes en langue vernaculaire.  Le Psaume 13 : Herr, wie lange… de Fr. Liszt, composé en 1855 dans la mouvance du cécilianisme, a joué un rôle important dans le renouveau de la musique catholique en Allemagne.  Les choristes, si bien préparés par Denis Rouger (chef de chœur), l’orchestre et le ténor solo O. Chung, tous dirigés avec tant d’aisance par Johann Farjot (directeur artistique du Chœur & Orchestre de Paris-Sorbonne), ont très bien rendu d’une part la plainte, d’autre part l’espérance et, finalement, la joie et la jubilation émanant de ce Psaume de David.  Les mêmes interprètes restituent au Psalmus Hungaricus, op.13 (1923) de Z. Kodály, sur la paraphrase du Ps. 55, ses différents états d’âme : inquiétude, confiance, espoir et louange, en 3 mouvements lents particulièrement expressifs.  Deux Psaumes à redécouvrir et à réécouter.

 

Jan Václav Hugo VOŘIŠEK & Antonín REJCHA : Symphonies.  Arta : F 10185.  CD Diffusion (31, rue Herzog, 68920 Wettolsheim.   info@cddiffusion.fr).  TT : 61’57.

Le tchèque J. V. H. Vořišek (1791-1825), organiste de la Cour, est un compositeur d’œuvres religieuses, de musique de chambre et pour piano qui - malgré sa brève existence - ont assuré sa renommée.  Son unique Symphonie (en ré majeur, op.24), n’est pas sans rappeler indéniablement celles de Beethoven, par son énergie, les contrastes de nuances, l’orchestration.  Elle comprend 4 mouvements traditionnels, dont le 3e est un Scherzo incisif.  La Symphonie en mib majeur, op.41, d’A. Rejcha (Prague 1770-Paris 1836), compatriote de Vořišek, commence par un mouvement lent Largo-Allegro spirituoso, suivi - comme il se doit - d’un Andante, le 3e mouvement étant un Menuet et le Finale, Un poco vivo.  L’orchestre Musica Florea, sous la direction de Marek Štryncl confère à ces symphonies tout leur éclat et leur dynamisme.  Ces pages, ainsi que l’Ouverture en ré majeur sont agréables à entendre.

 

 

Trois Trios russes.  Triton (triton@disques-triton.com) : TRI 331161.

Le Trio élégiaque justifie parfaitement son qualificatif, avec ce CD consacré à des musiciens russes encore romantiques.  Tout d’abord : A. S. Arensky (1861-1906), esthétiquement entre Tchaikovsky et Rimsky, dont le Trio en ré mineur, op.32 (1894), bénéficie, dans l’Allegro moderato, d’une ligne mélodique chantante soutenue au violon, à la manière des romantiques allemands ; de l’intervention virtuose du pianiste dans le deuxième mouvement ; de l’expressivité du violoncelle dans l’Élégie ; et des accords incisifs au piano dans l’Allegro non troppo conclusif, bien enlevé.  Ensuite, N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908), dans son Trio en ut mineur (1897), propose une introduction (Allegro) très développée, un 2e Allegro toujours en mouvement contrastant avec le caractère plus recueilli et statique de l’Adagio où le piano crée l’atmosphère.  Pour finir, dans l’Adagio Allegro : une fugue, de caractère rêveur et une fin bien enlevée.  Enfin, le Trio élégiaque n°1 (1892) de S. V. Rachmaninov (1873-1943), d’un seul tenant, très élaboré, s’impose.  Ce CD - dans la mouvance de J. Brahms et R. Schumann - souligne l’apport russe à la musique de chambre fin XIXe siècle.

 

 

Carlo MOSSO : Organ Works.  Paul HINDEMITH : Sonate I.  Tactus : TC 931301.  CD Diffusion (31, rue Herzog, 68920 Wettolsheim.  info@cddiffusion.fr).  TT : 58’12.

Letizia Romiti, à l’orgue du Conservatoire A. Vivaldi d’Alessandria (Italie), a réalisé un premier enregistrement mondial de trois œuvres de Carlo Mosso (1931-1995), dont la Suite pour orgue (1971) est d’abord assez énigmatique et lointaine, puis une mélodie se dégage sur une pédale.  Le compositeur spécule sur l’extrême aigu et des fusées rythmiques, des accords dissonants.  Son Liber Organi (1975), faisant appel à des titres traditionnels : Choral, Canzone, Fughetta…, s’appuie sur les modes, le chant grégorien et l’ambiguïté tonale.  L’excellente organiste interprète encore Trois pièces pour harmonium (sur des thèmes de Hindemith) qui est aussi représenté par la première de ses 3 Sonates pour orgue composée en 1937, solidement charpentée et interprétée avec maîtrise.  Répertoire rare et quelque peu déroutant.  À entendre.

 

Édith Weber.

 

Barbara STROZZI, Francesca CACCINI, Catarina ASSANDRA, Isabella LEONARDA : Il canto delle dame.  Concerto Soave, dir. Jean-Marc Aymes.  Maria Christina Kiehr (soprano).  Ambronay éditions : AMY025 .  TT : 64’47.

Un disque qui regroupe diverses œuvres de compositrices italiennes du Seicento italien, siècle particulièrement favorable à la liberté créatrice féminine.  Élaboré autour d’inédits, il s’articule en deux parties : concerts da chiesa et da camera, reflétant l’alternative rencontrée par les compositrices, se vouer à Dieu ou rester dans le monde.  Cet enregistrement se veut un hommage à cette rage créative qui bouscule les carcans sociaux.  Très belle réalisation, tant instrumentale que vocale.  Un indispensable.

 

 

Braining Storm.  Jean-Louis Rassinfosse (contrebasse), Jean-Philippe Collard-Neven (piano), Fabrice Alleman (clarinette), Xavier Desandre-Navarre (percussions).  Fuga Libera (www.fugalibera.com) : FUG607.  TT : 61’22.

Quand, pour la troisième fois, Jean-Louis Rassinfosse et sa contrebasse rencontrent le pianiste classique Jean-Philippe Collard-Neven, entourés de musiciens talentueux comme Fabrice Alleman et Xavier Desandre-Navarre, alors, peut naître un album plein de charme et de couleurs - voyage entre lumière & ténèbres, jazz de chambre & rythmes tribaux.  Un album qui ravira tout amateur de jazz avec, en prime, une remarquable prise de son.

 

 

Robert SCHUMANN (1810-1856) : Sonatas for piano & violin.  Andreas Staier (piano), Daniel Sepec (violin).  Harmonia Mundi : HMC 902048.  TT : 78’12.

Un disque qui réunit des œuvres « tardives » de Robert Schumann (composées entre 1851 et 1853) : les deux Sonates pour violon & piano, mais également une transcription de la Chaconne de Bach et des Chants de l’aube, dernière œuvre pour le piano de Schumann.  Un enregistrement qui permet de juger de l’évolution de Schumann, laquelle a su préserver un même souffle, une même magnifique intériorité - avec mention particulière pour les émouvants Chants de l’aube op. 133 et l’ambitieuse Grande sonate op. 121.  Une interprétation parfaite, empreinte d’une complicité - déjà affirmée dans de précédents enregistrements - entre A. Staier (piano Érard de 1837) et D. Sepec (violon Laurentius Storioni de 1780).

 

Patrice Imbaud.

 

Guillaume de MACHAUT (In memoriam) : Messe Notre Dame.  Ensemble Musica Nova, dir. Lucien Kandel.  Aeon : AECD 0993.  TT : 75’34.

Outre la célèbre Messe en 8 parties (avec alternance, dans les trois premières, de diminutions du Codex Faenza), sont ici regroupés ballades & motets de Philippe de Vitry, Pierre de Bruges, Bernard de Cluny, François Andrieu et de quelques anonymes.  Enregistrement dans lequel, s’inspirant des travaux de Gérard Geay, a été tentée une restauration des partitions originelles.  Sonorités proprement inouïes, parfaite homogénéité du chœur.  À l’orgue gothique : Joseph Rassam.

 

 

Gilles BINCHOIS (1400-1460) : L’Argument de beauté.  Ensemble Discantus, dir. Brigitte Lesne.  Aeon : AECD 1096.  TT : 61’25. 

Brigitte Lesne a ici réuni polyphonies sacrées, plain-chant & carols anonymes.  D’abord orienté vers les musiques de l’Ars Antiqua, son ensemble (9 voix de femmes & cloches à main) s’ouvre à des répertoires plus tardifs, ceux notamment des prémisses de la Renaissance.  La musica ficta (altérations accidentelles non notées sur les manuscrits) était alors laissée au bon vouloir des interprètes.  Avec comme mot d’ordre : Causa pulchritudinis (« L’argument de beauté »)… Gageure tenue !

 

 

W. A. MOZART : Die Zauberflöte, singspiel en 2 actes.  Livret Emanuel Schikaneder.  Rias Kammerchorn Akademie für alte Musik Berlin, dir. René Jacobs.  Coffret de 3CDs Harmonia Mundi : HMC 902068.70.  TT : 2h47’.

Après sa « réhabilitation » des opere serie de Mozart (La Clemenza di Tito et Idomeneo, re di Creta), René Jacobs a abordé la « trilogie Da Ponte » (Le Nozze di Figaro et Don Giovanni), concluant ici avec Die Zauberflöte.  Singspiel auquel il souhaite restituer ses couleurs originelles : choix instrumentaux, qualité du récitatif, ornementations vocales (même si, vaillant Papageno, Daniel Schmutzhard s’autorise quelques surprenantes libertés…) et esprit de la « Maçonnerie scientifique », laquelle s’inspirait, au XVIII^e siècle, des rites Illuministes (dans un premier temps, Mozart n’avait-il pas envisagé d’intituler son opéra « Les Mystères égyptiens »).  Dans cette toute nouvelle perspective, l’ouvrage gagne certes en unité et profondeur dramatique.  Magnifique distribution : Daniel Behle (Tamino), Marlis Petersen (Pamina), Daniel Schmutzhard (Papageno), Sunhae Im (Papagena), Anna-Kristiina Kaapola (Reine de la nuit), Marcos Fink (Sarastro), Kurt Azsberger (Monostatos)…  Très éclairantes notices signées Jan Assmann & René Jacobs.

 

 

Ludwig van BEETHOVEN : Concertos pour piano.  Paul Lewis, piano.  BBC Symphony Orchestra, dir. Jiří Bĕlohlávek.  Coffret de 3 CDs Harmonia Mundi : HMC 902053.55.  TT : 2h56’.

Unanimement salué a été l’enregistrement, par Paul Lewis, des Sonates pour piano de Beethoven (son 4^e volume n’a-t-il pas été couronné « Disque de l’année » par le prestigieux magazine Gramophone ?).  Le pianiste ne pouvait, dès lors, se dispenser d’enregistrer les cinq Concertos.  Où, sans surjeu ni effet superflu de virtuosité, tout est au service de l’intensité de la pensée.  D’une parfaite justesse sont les tempi.  Notre adhésion est totale !

 

 

Frédéric CHOPIN (1810-1849) : Mazurkas & autres pièces pour le piano.  Cédric Tiberghien.  Harmonia Mundi : HMC 902073.  TT : 70’18.

Tout de grâce légère et d’élégance, le lumineux Cédric Tiberghien interprète ici 13 des quelque 50 Mazurkas que Chopin aura composées entre 1825 et 1849 – miniatures de « vingt pouces carrés » où se condense le génie aphoristique du Polonais.  Au sein desquelles Cédric Tiberghien a judicieusement inséré trois « grandes fresques » : le Scherzo op.20 (1935), le Nocturne op.48 n°1 (1841) et la Polonaise-Fantaisie op.61 (1846).  Nouveau merveilleux florilège pour un bicentenaire.

 

 

Richard STRAUSS (1864-1949) : Sonate pour violoncelle & piano, op.6 (1883) ; Romance (1883).  Édouard LALO (1823-1892) : Sonate pour violoncelle & piano (1856).  Geneviève Teulières-Sommer (violoncelle), Daniel Adni (piano).  Lyrinx (tél. : 04 91 54 81 41) : LYR 268. 

Voici, de la plume de jeunes compositeurs, trois œuvres pour violoncelle & piano – dont deux d’un Richard Strauss non encore saisi par ce démon du pathos qui devrait bientôt culminer dans sa Symphonie alpestre.  Œuvres ici interprétées, avec toute la conviction souhaitable, par Geneviève Teulières-Sommer, réputée disciple d’André Navarra, et l’éminent chambriste Daniel Adni.

 

 

Claude DEBUSSY (1862-1918), Henri DUTILLEUX (°1916), Maurice RAVEL (1875-1937) : Quatuors à cordes.  Quatuor Arcanto.  Harmonia Mundi : HMC 902067.  TT : 71’19.

Le quatuor à cordes fut trop longtemps associé à la seule tradition germanique.  Pour la première fois réunis, voici trois incomparables chefs-d’œuvre de la musique française.  Et ce, par la grâce du Quatuor Arcanto : Antje Weithaas & Daniel Sepec (violons), Tabea Zimmermann (alto) et Jean-Guihen Queyras (violoncelle).  Née en 2004, cette juvénile formation a déjà acquis une enviable réputation internationale, que justifie amplement le présent enregistrement (dans le droit fil de ceux déjà dédiés à Brahms et à Bartók).  Notamment bienvenu est le choix d’Ainsi la nuit, du cher Henri Dutilleux, œuvre désormais popularisée par son inscription, en 2003, au programme du baccalauréat.

 

 

Jean SIBELIUS (1865-1957) : Quatuor à cordes en ré mineur op.57 « Voces intimae » (1909).  Arnold SCHÖNBERG (1874-1951) : Quatuor à cordes en ré mineur, op.7 (1905).  (www.avi-music.de) : 8553202.  TT : 75’31.

Voilà deux œuvres peu rebattues.  Intensément expressives, pourtant – ce qui ne surprendra guère de la part de Sibelius (Voces intimae se situe stylistiquement entre ses 3^e et 4^e symphonies).  Quant à Schönberg, il est encore ici, semble-t-il, fortement influencé par le Beethoven de l’opus 131.  Bonheur de (re)découvrir pareilles œuvres dans d’aussi véhémentes interprétations.

 

 

« Metamorphosis »  Béla BARTÓK (1881-1945) : 4^e Quatuor à cordes.  György LIGETI (1923-2006) : 1^er Quatuor à cordes « Métamorphoses nocturnes ».  György KURTÁG (°1926) : 12 Microludes op.13.  Cuarteto Casals.  Harmonia Mundi : HMC 902062.  TT : 54’13. 

Après la rudesse assumée du 4^e Quatuor de Bartók, beaucoup plus délibérément séductrices, ludiques et fantasques sont les Métamorphoses nocturnes de Ligeti.  Cependant que les 12 Microludes de Kurtág (pièces aphoristiques débutant, chacune, par une note différente de la gamme chromatique) ne laissent pas d’évoquer les Mikrokosmos de Bartók - tout en étant, bien sûr, autrement difficiles sur le plan technique.  Merci au prestigieux Cuarteto Casals de s’être ici penché sur les trois plus grands compositeurs hongrois du siècle passé.

 

 

Robert PASCAL (°1952) : Monographie 1.  Résonance contemporaine (6 voix solistes), dir. Alain Goudard.  Ensemble orchestral contemporain, dir. Fabrice Pierre.  Benjamin Carat (violoncelle), Christophe Desjardins (alto), Trish Hayward (mezzo), Anne Périssé (soprano), Michèle Scharapan (piano).  Disque Âme/Son (tél. : 01 40 30 93 61.  info@ameson.fr) : ASCP 0916.  TT : 73’55.

Six pièces composent cette Monographie I dédiée à l’un des plus importants musiciens de sa génération : e’l bianco more (ensemble vocal + clarinette), Au front de la lune (ensemble orchestral + soprano & mezzo), Chant d’aubes (violoncelle), sur Bleus (piano), Déchirure d’un temps plissé (cinq altos, dont un soliste), Dulwan nimendi (ensemble orchestral + mezzo).

 

             

 

Jazz aux Champs-Élysées.  « Ina, mémoire vive » (www.ina.fr).  TT : 75’51

Il s’agit là d’enregistrements réalisés, de 1955 à 1959, lors de l’émission éponyme qu’animait sur Paris-Inter le pianiste Jack Diéval.  Après un indicatif qui rappellera de joyeux souvenirs aux plus anciens, se succèdent vingt-deux séquences qui firent la gloire de cette émission-culte.  Avec notamment : Lester Young, Guy Lafitte, Donald Byrd, Michel de Villers, Chet Baker, Stéphane Grappelli, Michel Legrand, Daniel Humair, Stan Getz…

 

 

Francis Gérimont.

 

George Frideric HANDEL : Water Music.  Suites en fa majeur, sol majeur et ré majeur.  Ouverture de Rodrigo.  Les Musiciens du Louvre-Grenoble, dir. Marc Minkowski.  Naïve : V 5234.  TT : 67'30.

D'une fête nautique en forme de promenade - river party sur la Tamise ordonnée, en 1717, par le roi George I^er - est née cette pièce fameuse de Haendel, dénommée Water Music.  Une série de trois Suites qui participent, à n'en pas douter, d'un seul et même ensemble.  Caractéristique de sa musique conçue pour le plein air, elle se décline comme une vaste sérénade qui fait alterner grande forme et climats plus intimes et introspectifs.  Si elles appellent le drame par certains aspects de la construction, ces pages participent avant tout du divertissement.  Marc Minkowski et ses merveilleux Musiciens du Louvre - une des alliances artistiques les plus inventives aujourd'hui - font assurément leur cette remarque de Romain Rolland qui, à propos de l'équilibre des proportions de l'orchestre, remarque que « le pire défaut serait de lui enlever, par une surcharge inutile de couleurs, sa souplesse de nuances qui est son charme principal ».  La différence d'atmosphère est soulignée entre l'orchestre chambriste et la vaste formation enrichie des cuivres, trompes de chasse et trompettes, qui se plaisent à se répondre en écho.  L'intuition pour traduire le galbe des pièces qui ne répondent à aucune appellation précise, ou forger les contrastes entre les divers morceaux, est exemplaire.  D'une articulation incisive sans être heurtée naît cette élasticité qui donne à la musique de Haendel sa vraie valeur, allègre, jubilatoire même, ou encore délicate et intériorisée, presque mélancolique.  Le fini instrumental est admirable et la plastique sonore mirifique dans les dialogues des bois avec les cordes.  Le choix, en complément, de l'ouverture de l'opéra Rodrigo est judicieux, tant elle se conçoit comme une Suite en miniature avec ses huit séquences empruntant à la danse.  Elle s'achève en une passacaille que Minkowski adorne d'une étourdissante fièvre en des tutti endiablés sertissant de brillants passages concertants.

 

Ludwig van BEETHOVEN : Quatuors à cordes op.18/1 en fa majeur & op.127 en mib majeur.  Artemis Quartet.  Virgin Classics : 628659 0 6. TT : 65'00.

Suite de l'intégrale des quatuors de Beethoven par les Artemis, dont a déjà été dit ici tout le bien qu'on en pensait.  L'opus 127 qui ouvre la série des derniers quatuors, proclame le style audacieux dans la conduite des voix, caractéristique de la dernière période créatrice du maître, dont seule une écoute attentive peut rendre accessible la force visionnaire.  Car les repères classiques volent en éclats au profit d'une libre combinaison des thèmes pourtant organiquement structurés.  La longue effusion que constitue le deuxième mouvement, chant ininterrompu de musique pure, qui fait penser à l'adagio de la IX^e Symphonie, contemporaine, introduit ce mystère insondable du Beethoven tardif : une série de variations à partir d'un thème lent, enchaînées les unes aux autres que leur différence de climat permet de différencier.  Les Artemis le maîtrisent comme peu, laissant cette juste impression de vaste improvisation, comme une longue confidence de l'âme.  En contraste, le scherzo, enjoué en apparence, si tendu dans sa scansion irrégulière, laisse un instant place à un trio à l'allure fulgurante aussi original qu'inattendu.  L'opus 18 n°1, premier quatuor, mais non le premier composé, offre une vision brillante de la forme classique ; quoique le discours frappe déjà par l'habileté à traiter du motif qui se transforme à l'envi au premier mouvement, de même que les sombres contrées abordées à l'adagio, lyrique comme un chant d'opéra, que traversent des accents douloureux, ou encore le fantomatique scherzo aux rythmes syncopés où s'insinue comme une interrogation.  Le Quatuor Artemis fait montre d'un brio instrumental distingué par la sensibilité de son premier violon et la plénitude de la sonorité d'ensemble.  L'énergie tout en souplesse, l'élan rythmique sont souverainement contrôlés.  On attend avec impatience les ultimes volumes de cette formidable entreprise, qui se donne aussi cette saison live à Paris, aux Concerts du dimanche matin.

 

 

Georges BIZET : Symphonie en ut.  Petite Suite d'Orchestre, op.22 (Jeux d'enfants).  Roma, Suite pour orchestre n°3.  Orchestre de Paris, dir. Paavo Järvi.  Virgin : 50999 62861304.  TT : 75'52.

Pour son premier disque comme directeur musical de l'Orchestre de Paris, Paavo Järvi a choisi un programme réunissant les rares pages que Bizet a offertes à l'univers symphonique.  Œuvre d'un musicien de dix-sept ans qui ne la considérait pas plus qu'un exercice d'école, la Symphonie en ut est, par sa limpidité et sa fraîcheur d'écriture, digne d'une pièce de Mendelssohn.  Elle reçoit ici une exécution d'une belle tonicité, mais un peu courte d'imagination dans les enchaînements.  L'allegro initial est quelque peu brusqué ; ce que l'on ressent de nouveau au vivace conclusif, fort articulé certes, mais qui n'a pas ce clin d'œil de pastiche de quelque final classique.  Avec Jeux d'enfants, on entre dans l'univers de la miniature délicatement dessinée et délicieusement colorée.  Orchestrées à partir de l'original pour piano, ces pièces sont un manifeste de la transparence et du raffinement français.  Mais, là encore, vivacité ne veut pas dire précipitation, notamment au Galop final.  La Suite d'orchestre Roma, une rareté, vaut le détour.  Ses quatre épisodes, écrits entre 1860 et 1868, plusieurs fois remaniés, ont bien des attraits, à commencer par une habile orchestration et un élan mélodique certain.  Ces impressions d'Italie comportent des tableaux sonores fort contrastés.  La « Chasse dans la forêt d'Ostie » n'offre peut-être pas le climat envoûtant de la Chasse royale que Berlioz a intercalée dans Les Troyens, mais les senteurs nocturnes qui la concluent sont d'un indéniable pittoresque.  Comme est enjoué le scherzo, censé illustrer la vie florentine.  L'andante (Venise) penche du côté du maître Gounod, par sa veine mélodique, proche du chant.  Le Carnaval, napolitain, dans le style de la marche qu'affectionne l'auteur, termine la suite en apothéose.  Järvi, plus à l'aise ici, et ses musiciens - n'était quelque acidité dans la cohorte des violons - en sont les défenseurs enthousiastes.

 

 

Giuseppe VERDI : Otello.  Opéra en quatre actes.  Livret d’Arrigo Boïto, d'après la tragédie de Shakespeare.  Simon O'Neill, Gerald Finley, Anne Schwanewilms, Allan Clayton, Ben Johnson, Alexander Tsymbalyuk, Matthew Rose, Eufemia Tufano.  London Symphony Chorus (LSO), dir. Sir Colin Davis.  2CDs LSO Live : LSO 0700.  TT : 64'27 + 66'54.

Après un Falstaff remarqué, Sir Colin Davis revient à Verdi ; un territoire qu'on n'associe pas forcément au chef anglais.  La surprise est de taille.  Sa vision d'Otello est tendue comme un arc, libérant une formidable énergie de par sa suprême articulation et des tempos vifs, souvent fulgurants.  Surtout, elle révèle toute l'urgence du drame comme ses contrastes, de la fresque grandiose (ouverture quasi explosive, vaste ensemble concertant du III^e acte) à la scène à faire (duo d'amour extatique, prélude du III, inquiétant, atmosphère raréfiée prémonitoire du drame au début du dernier).  Le LSO répond par une extrême justesse d'intonation, digne d'une phalange habituée d'opéra : cuivres expressifs, petite harmonie travaillée comme une dentelle, douceur infinie des cordes, d'une plastique sonore envoûtante.  Ce sentiment d'excellence concerne également les chœurs, incisifs.  Dommage que la contribution vocale ne se situe pas sur le même braquet.  Le jeune ténor néo-zélandais Simon O'Neill possède, certes, un beau métal, avantageusement clair, et de l'agilité à revendre.  La quinte aiguë est bien sonore, même si parfois sollicitée à ses limites.  Mais le portrait du Maure empêtré dans sa morbide jalousie, reste sommaire ; ce qui ne surprendra pas à ce stade d'une carrière récente, et dans les conditions du concert.  La Desdémone d’Anne Schwanewilms déçoit par un timbre ingrat et certaines intonations douteuses.  Quelques belles notes filées ne suffisent pas à masquer un vrai manque de legato.  Le Iago de Gerald Finley a par contre fière allure : évitant l'effet convenu du mauvais bougre, la fourberie du personnage est intériorisée à un rare point de crédibilité ; et le timbre de baryton clair fait merveille.  Parmi les autres rôles, on citera le Cassio tout en finesse d’Allan Clayton.  La captation en direct, lors de concerts au Barbican de Londres, ne cherche pas à mettre les chanteur en évidence - le rôle-titre en pâtit - mais ménage un savant équilibre orchestral entre les grands éclats et les passages plus intimistes qui abondent dans la pièce.  Au final, une exécution qui se signale par sa prestation orchestrale plus que par sa distribution, comparée aux versions existantes.

 

 

Leŏs JANÁČEK : Sonate pour violon & piano.  Edvard GRIEG : Sonate pour violon & piano n°2, op.13.  César FRANCK : Sonate pour violon & piano.  Vadim Repin, violon.  Nikolai Lugansky, piano.  Universal/DG : 477 8794.  TT : 63'37.

Un bien intéressant disque de musique de chambre !  Pour leur premier disque, les duettistes Repin et Lugansky livrent un programme peu convenu, ménageant des oppositions comme on le conçoit dans un récital.  La Sonate de Janáček, écrite en 1915, mais créée en 1922, d'un climat intimiste, brûle d'un feu intérieur ; témoins les traits abrupts en forme d'éclairs qui traversent le 2^e mouvement, « Ballada ».  Fulgurance que l'on retrouve ailleurs, en particulier dans les étranges interjections de l'adagio final.  La sonorité chaude et lumineuse de Repin et son énergie débordante font ici florès.  La deuxième Sonate de Grieg, préférée à la plus jouée troisième, possède force brillance dans la partie violonistique, très exigeante ; encore que le lyrisme naturel du discours pare ses trois parties d'une franche aura romantique, tempérée seulement par quelque froideur nordique.  La flexibilité caractérise le dialogue des deux instruments.  Quant à la Sonate de Franck, on en connaît le foisonnement mélodique.  Nos deux amis abordent le moderato initial avec retenue, le discours du violon s'imposant avec une lenteur mesurée, mais combien inspirée ; et la modulation balancée qui revient en boucle progresse irrésistiblement.  Tout en contraste, l'allegro suivant est comme un battement de vagues à l'assaut les unes des autres, et le formidable trait virtuose qui le clôt est mené telle une course à l'abîme.  Le récitatif fantaisie qui reprend la course ondulée du premier mouvement, s'épanche comme une rêverie.  Le final fiévreux ne sombre pas dans l'ostentatoire.  Une interprétation marquée par la générosité de l'archet de Repin et le jeu tout en souplesse de Lugansky, où recherche de la couleur et maîtrise de l'intensité sonore contribuent à une indéniable réussite.

 

 

« Sospiri ».  Airs d'opéras de George Frideric HÄNDEL (Serse, Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Geminiano GIACOMELLI (Merope), Antonio CALDARA (La morte d'Abel), Leonardo VINCI (Medo), Antonio VIVALDI (Farnace), Wolfgang Amadeus MOZART (Le Nozze di Figaro, Don Giovanni), Gioacchino ROSSINI (Il Barbiere di Siviglia), Vincenzo BELLINI (La Sonnambula, Norma), Giuseppe PERSIANI (Ines de Castro), Pietro MASCAGNI (L'Amico Fritz).  Pièces sacrées de Johann Sebastian BACH, Gabriel FAURÉ, César FRANCK, Maurice DURUFLÉ.  Cecilia Bartoli, mezzo-soprano.  Avec Bryn Terfel, basse, Juan Diego Flórez, Luciano Pavarotti, ténors ; Maxim Vengerov, violon.  Il Giardino Armonico, dir. Giovanni Antonini.  Orchestra La Scintilla, dir. Adam Fischer & Alessandro de Marchi.  Wiener Philharmoniker, dir. Claudio Abbado & Myung-Whun Chung.  Les Musiciens du Louvre Grenoble, dir. Marc Minkowski.  Orchestra Sinfonica di Milano, dir. Riccardo Chailly. Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dir. Myung-Whun Chung.  2CDs Universal/Decca : 478 2249.  TT : 77'46 + 30'16 (édition Prestige) ; ou 1CD : 478 2558.  TT : 68'00 (édition standard).

Cecilia Bartoli dit avoir, dans cette anthologie, « réuni les moments les plus sensuels et les plus lyriques de mes enregistrements : airs favoris de Haendel et de Mozart, joyaux du bel canto de Bellini et de Rossini, et trésors de mes 'projets de redécouvertes' ».  Entreprise séduisante en effet, même si un peu frustrante lorsque sont abordées les grandes pages opératiques qu'on aimerait écouter dans leur contexte.  Mais n'est-ce pas la loi du genre ?  Un vrai régal en tout cas pour l'amateur, et tous les autres qui peuvent découvrir ce qu'est l'art du chant lorsque porté par une voix d'exception.  Il est désormais vain de louer les qualités qui habitent cette artiste d'exception : le legato inouï qu'autorise une fabuleuse maîtrise du souffle, apparemment sans limite, surtout dans le registre ppp, ces phrases caressées par une diction on ne peut mieux expressive, une présence ensorcelante quel que soit le morceau.  Ce qui fascine, en parcourant ces enregistrements effectués entre 1994 et 2009, c'est combien la chanteuse a évolué vers une technique vocale certainement unique aujourd'hui, qui fait voler en éclat les cadres établis en matière de tessitures : nonobstant une couleur qui l'assimile à celle de mezzo, l'élasticité comme la souplesse de de la voix lui permettent tout autant d'aborder des parties dévolues à la soprano.  Et que dire aussi de cet art prodigieux de la colorature, si bien mis en évidence dans le répertoire belcantiste.  Une sélection de chants sacrés où le Pie Jesu du Requiem de Fauré - et même celui de Duruflé - voisine avec les incontournables Ave Maria et Panis angelicus, la trouve tout autant à l'aise.  La liste des noms de ses partenaires, collègues ou chefs d'orchestre, est impressionnante.  On trouvera même, l'instant d'un air vériste, l’une des rares occasions où le divo Pavarotti donnait la réplique à la diva romaine.  L'anthologie comporte deux inédits au disque : une page de l'opéra Medo de Leonardo Vinci qui, dans l'esprit virtuose de Vivaldi, allie à la trompette d'ébouriffants trilles balayant tout le registre ; et une version miraculeuse de la fameuse aria « Una voce poco fa » tiré du Barbier de Séville, dont Cecilia Bartoli diversifie à l'extrême les diverses parties et qu'elle fait briller d'appogiatures étincelantes.

 

 

« Verismo Arias ». Airs pour ténor : Riccardo ZANDONAI (Giulietta e Romeo), Umberto GIORDANO (Andrea Chénier, Fedora), Francesco CILEA (L'Arlesiana, Adriana Lecouvreur), Ruggero LEONCAVALLO (La Bohème, Pagliacci), Pietro MASCAGNI (Cavalleria Rusticana), Amilcare PONCHIELLI (I Lituani, La Gioconda), Arrigo BOÏTO (Mefistofele), Licinio REFICE : « Ombra di nube ».  Jonas Kaufmann, ténor.  Anne-Maria Westbroek, soprano.  Coro e Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dir. Antonio Pappano.  Universal/Decca : 478.2258.  TT : 61'49.

Décidément Jonas Kaufmann n'aura pas tardé à se tailler une posture enviable au firmament des ténors et dans le monde du disque.  Il s'attaque maintenant au répertoire vériste qui, semble-t-il, l'enthousiasme car là « tout n'est qu'âme et passion ».  Et de mêler morceaux rabâchés et raretés, dénichées jusque dans la bibliothèque de la Scala.  Tel cet air de Roméo tiré de la pièce de Shakespeare mise en musique par Riccardo Zandonai, un fin moment de lyrisme ardent porté par une modulation non moins fiévreuse.  De même les arias de l'Arlésienne de Cilea, de I Lituani de Ponchielli, bien peu connus ; ou encore de La Bohème de Leoncavallo, cette autre Bohème que notre interprète se plairait bien à porter sur scène.  Là, comme dans les pièces plus marquantes, Kaufmann pourvoit avec un égal bonheur phrasé exemplaire qu'une réelle familiarité avec l'idiome italien rend plus flatteur encore, ligne de chant immaculée dont l'art de faire vibrer la phrase n'est pas la moindre vertu, et puissance inextinguible que la couleur barytonante du timbre rend plus fébrile lorsque la voix se tend comme un arc (« Mamma » de Cavalleria Rusticana ou le duo final d’Andrea Chénier).  L'art de créer l'atmosphère juste, comme de distiller ces pianissimos éthérés qu'il affectionne - son Lohengrin à Bayreuth en était empli - marquent encore cette fine anthologie, que la direction intense d’Antonio Pappano enrichit d'une aura d'authenticité.  Si l'extrême tension vocale de ces pièces ne lui pose bien évidemment pas le moindre problème au disque, il reste que ce type de répertoire à la scène - on l'annonce dans Adriana Lecouvreur, André Chénier, et même Cav & Pag - peut se révéler éprouvant ; surtout pour un chanteur qui a, par ailleurs, à son tableau de chasse Werther aussi bien que Lohengrin... À consommer donc avec modération, cher ténor !

 

 

Love Songs.  Chansons & songs de Léo Ferré, Barbara, Joni Mitchell, Richard Rodgers, Michel Legrand, Jacques Brel, Fred E. Ahlert, Lars Färnlöf, Bob Telson, John Lennon & Paul McCartney, Leonard Bernstein.  Anne Sofie von Otter, mezzo-soprano.  Brad Mehldau, piano.  2CDs Naïve : V 5241.  TT : 30'48 + 48'26.

D'une rencontre improbable à une vraie affinité élective, voilà le fil rouge de ce CD : deux artistes évoluant dans des domaines éloignés l'un de l'autre se rejoignent pour un récital de songs et de chansons, autant de variations sur la passion amoureuse.  On savait Anne Sofie von Otter curieuse d'autres routes que celle du répertoire classique.  On l'avait déjà entendue avec Elvis Costello.  La flexibilité quant aux styles musicaux rejoint celle d'une voix qui conserve ses immenses prestiges.  Elle dit avoir ardemment voulu travailler avec Brad Mehldau, dont la musique est « très brillante et très inventive ».  Lui confesse être ému par « l'importance qu'elle donne au sens », ce qui « augmente les enjeux pour l'instrumentiste ».  Ses sept Love Songs, créés en 2009 et 2010, magnifiquement écrits pour la voix, alignent aussi bien rythmes balancés que subtile déclamation lyrique.  La sensualité du timbre de la chanteuse, son art de caresser les mots s'y épanouissent naturellement, qui fait son miel du style jazzy soft du pianiste-compositeur.  De fait, la ligne vocale surfe sur la partie pianistique qui se réapproprie l'original des textes en en gardant l'esprit.  Cette autre facette de l'art de la chanteuse se fait encore un festin d'un bouquet de chansons de Ferré, Barbara (les délices presque voluptueux de « Dis, quand reviendras-tu ? ), Legrand et Brel.  Elle apporte sans doute une touche « grande musique » à ce qui ressortit au registre populaire et retient l'épanchement.  La nostalgie voilée des songs de Rodgers ou de Bernstein (« Some Other Time » tiré de On the Town), autorise une plus grande liberté quant aux sortilèges de pièces qui lui sont plus familières.  C'est sans doute dans « Calling You » de Bob Telson (Bagdad Café) qu'elle est à son meilleur ; ou dans le swing qui anime les deux songs suédois.  Le pianiste-jazzman, qui dit être ravi de son rôle d'accompagnateur, apporte ce supplément de vie et surtout cette aisance proche de l'improvisation qui rendent ces pièces si séduisantes.

 

 

Jean-Pierre Robert.

 

POUR LES PLUS JEUNES

Sophie FORTE : Chou-fleur.  Victorie Music (www.club-tralalere.com) : 274 858.2.  Distr. Universal. 

Voici, par la très espiègle Sophie Forte (www.sophieforte.com), au fil de 12 chansons de son cru (avec leurs versions instrumentales) : « Tout ce que vos enfants ont toujours voulu savoir et que vous n’avez jamais osé leur dire ».  À partir de 4 ans.

 

 

THE FANTASTIKIDS : I have a dream.  Chansons adaptées & interprétées en anglais.  « Les Enfantastiques » (www.lesenfantastiques.fr).  Bizou Muzic : 011.  Distr. : Autre Distribution.

Voici une sélection de 16 chansons (en anglais), écrites & chantées par 20 enfants anglophones (élèves de l’Ermitage, école internationale sise à Maisons-Laffitte, Yvelines) pour d’autres enfants.  Adaptations anglaises réalisées, sous la houlette experte de Jean Nô, par Barbara Scaff, Liza Michael et Christine Khandjian.  Un excellent support pédagogique.

 

Francis Gérimont.

 

DVD

Georges BIZET : Carmen.  Opéra en quatre actes.  Livret d'Henri Meilhac & Ludovic Halévy, d'après la nouvelle de Prosper Mérimée.  Anna Caterina Antonacci, Andrew Richards, Anne-Catherine Gillet, Nicolas Cavailler, Virginie Pochon, Annie Gill, Riccardo Novaro, Vincent Ordonneau.  The Monteverdi Choir, Maîtrise des Hauts-de-Seine, Orchestre révolutionnaire et romantique, dir. John Eliot Gardiner.  Mise en scène : Adrian Noble.  2DVDs Fra Musica : FRA 004.  TT : 2h29'.

On ne saurait imaginer différence plus marquée entre la présente exécution du chef-d'œuvre de Bizet et la version filmée, il y a peu, au Met de New York.  Tout ce qui sépare une version qui se rapproche sans doute de l'esthétique de la création sur la même scène de l'Opéra Comique en 1875, et la machine à grand spectacle qu'est souvent devenu l'opéra le plus joué au monde.  La mise en scène frappe par sa justesse de ton dans le chant et les dialogues, et une pénétrante peinture des caractères.  Un dispositif décoratif ingénieux qui semble démultiplier l'espace en se déployant sur deux niveaux, découvre d'intéressantes perspectives (la pseudo-fuite de Carmen, l'arrivée d'Escamillo, la relève des contrebandiers).  La dramaturgie, fluide, conte une histoire sans faux-semblant que des arrêts sur images rendent palpable à l'heure de quelques moments-clé (ce premier regard que lance Carmen à José, leurs retrouvailles chez Lillas Pastia).  La captation filmée le restitue avec emphase, bien que n'abusant pas des gros plans.  Si, mis à part le rôle titre, elle n'aligne pas un catalogue de vedettes, la distribution est d'une rare crédibilité : un José sincère, bouleversant à l'heure de l'ultime tentative de reconquête de la femme adorée, une Micaëla vraie dans sa croisade du bien, un toréador, figure à la Delon, qui ne booste pas le rôle vers le bellâtre.  Bien sûr, Anna Caterina Antonacci - pour sa seconde Carmen à l'écran - capte le regard.  Comme bien peu, elle fait sien ce personnage aux multiples facettes, qu'elle pare d'un tragique fatalisme sans en grossir l'effet.  Un bravo aux chœurs anglais qui mènent le tour de force d'être plus vrais que nature dans leurs accents et leur mouvement.  Au plus près de l'esprit de cette musique - donnée ici dans une version enrichie de passages peu connus - la direction de John Eliot Gardiner, immensément dramatique, ne se départit jamais de couleurs délicates que les instruments d'époque d'un fabuleux orchestre rendent encore plus authentiques.  Un captivant retour aux sources.

 

Jean-Pierre Robert.

 

***