CHOSTAKOVITCH : Sonate op. 40.  RACHMANINOV : Sonate op. 19, Vocalise op. 34.  Xenia Jankovic (violoncelle), Jacqueline Bourgès-Maunoury (piano).  Saphir Productions : LVC 1082.  TT : 69’43.

Belle interprétation fougueuse et contrastée de ces deux sonates qui, bien que composées à trente années d’intervalle, ont pour point commun un certain attachement aux formes du passé, une primauté donnée à la mélodie, en même temps qu’une oscillation constante entre expressivité et intériorité, sensibilité et virtuosité, laissant une impression de forte tension intérieure.  L’opus 40 de Chostakovitch, symbole troublant et pathétique de la mise en cause du fait culturel par les politiques, composé en 1934, est bien loin des audaces et des impertinences de Lady Macbeth et du Nez.  Il s’agit d’une œuvre de transition qui marque le ralliement du compositeur à des formes plus académiques (4^e et 5^e symphonies).  Première œuvre majeure de musique de chambre dans l’importante production de Chostakovitch, cette sonate, dont le ton hésite entre sérénité et désenchantement, ironie et sarcasme, comporte quatre mouvements où l’on retrouve quelques accents du lyrisme fauréen (premier mouvement) ainsi que quelques espiègleries dignes de Prokofiev (final).  L’opus 19 de Rachmaninov, composé en 1901, dans un climat difficile, entre l’échec de la première symphonie et le succès du deuxième concerto pour piano, est la dernière et probablement la plus réussie de ses compositions de musique de chambre.  La partie de piano, très exigeante, laisse au violoncelle tout son impact dramatique, instaurant un climat en demi-teinte - entre la douceur initiale du premier mouvement, l’angoisse et la violence du deuxième, la méditation du troisième, la virtuosité et la clarté du final.  Ce beau disque se termine sur la sublime Vocalise, op. 34, transcrite en 1946 par Leonard Rose.

 

Stephen FOSTER (The music of) : The voices that are gone.  Matt Turner (violoncelle), Peg et Bill Carrothers (voix et piano).  Édition limitée à 2 000 copies.  (www.illusionsmusic.fr).  TT : 49’45.

Matt Turner met, ici, au jour des partitions quelque peu oubliées de Stephen Collins Foster (1826-1864), l’un des pères de la musique populaire américaine - volontiers utilisées dans les « blackface shows », « minstrelsongs » et musiques de film (The Sun Shines Bright de John Ford).  Ses compositions se situent aux carrefours de la musique classique, du jazz, du blues et du folksong laissant une large place à l’improvisation.  Bien servies par la voix, le piano et le violoncelle, d’amples et audacieuses improvisations se développent à partir de thèmes familiers et confèrent à ce disque une étonnante modernité.  Cet enregistrement nous invite au voyage, dans le temps et l’espace, alors, profitons-en !

 

Zad MOULTAKA : Vision.  Fadia Tomb el-Hage, contralto.  Chœur de chambre Les éléments, dir. Joël Suhubiette.  Avec la participation de l’ensemble instrumental Ars Nova.  L’empreinte digitale : ED13231.  Distr. Nocturne.  TT : 58’39.

Démarche originale que nous propose Zad Moultaka, compositeur d’origine libanaise, dans ce syncrétisme musical intégrant les données fondamentales de l’écriture contemporaine occidentale aux caractères spécifiques de la musique arabe.  Ce disque rassemble diverses pièces vocales écrites entre 2003 et 2007.  La première Khat comprend trois calligraphies pour dix-huit chanteurs.  Ce sont les lettres elles-mêmes qui servent de canevas à l’écriture musicale.  On retrouve ici le savoir occulte de la calligraphie où l’œuvre musicale puise une réalité sonore inédite.  La deuxième La Scala del cielo, pour chœur mixte, piano & percussions, nous plonge dans un monde souterrain, traversé de courants telluriques où la mort prend des accents ludiques.  La troisième Zikr, pour contralto, chœur mixte et ensemble instrumental, est faite de « lamentations » qui vont évoluer vers la révolte.  La grosse caisse marque le pas de cette montée en puissance entre rébellion et prière, soufisme et tradition chrétienne.  La quatrième Neb Ankh pour contralto et environnement électroacoustique, écrite dans une langue imaginaire, explore toutes les ressources de la voix et de l’énergie pour le dernier voyage d’une Néfertiti moderne dans un sarcophage égyptien, où elle emporte avec elle ses objets familiers.  La cinquième Enluminures, pour neuf voix de femmes a cappella, correspond à neuf images sonores, neuf miniatures vocales, se concentrant sur des mots ou des phrases, évoquant les terres lointaines où l’on perd son nom.  La dernière, Vision, pour chœur mixte et environnement électroacoustique, repose sur le mixage des pièces précédentes dans une bande son, sur laquelle vient se dérouler la voix du chœur.  Il s’agit d’un exercice de mémoire où le pari du compositeur consiste, bien entendu, à tenter de faire entendre des visions - charge aux auditeurs de retrouver les différents thèmes… Il y a indiscutablement dans ce brassage culturel, dans ce jeu des sons, des rythmes et des mots, des moments de grande poésie (au sens mallarméen du terme) ainsi qu’une aspiration marquée à la verticalité… Pour happy few…

 

Johann Sebastian BACH.  Jean-Patrice Brosse à l’orgue de la cathédrale de Saint-Bertrand-de-Comminges.  Saphir Productions : LVC 1095. TT : 62’15.

Jean-Patrice Brosse, musicien accompli, directeur artistique du festival du Comminges nous propose ici une lecture virtuose et inspirée de Bach.  Ce volume retrace les plus grandes pages d’orgue de la jeunesse ou de la maturité.  La Fantaisie et fugue BWV 542, inspirée d’une chanson populaire, d’un expressionisme hautement baroque se traduit également par des traits mélodiques à l’ornementation exubérante, à la fois pathétique et dramatique.  Avec cette œuvre s’achève une époque de la vie créatrice du compositeur, c’est la dernière expression du grand lyrisme buxtehudien, un dernier regard vers la jeunesse. La Toccata, adagio et fugue BWV 564 est également une œuvre de jeunesse datant de la période de Weimar, fruit d’un dialogue quotidien entre le compositeur (Bach quittera ensuite ses fonctions d’organiste) et  son instrument. Seul exemple de l’interposition d’un adagio, inspiré du concerto italien, dans l’habituel diptyque, cette œuvre est une des plus brillantes et difficiles techniquement.  Le Prélude et fugue BWV 544 est, à l’inverse, une œuvre de la maturité qui marque les interrogations métaphysiques du Cantor solitaire et vieillissant. Dans le prélude, la créature dialogue avec son Créateur, puis la fugue clôt ce dialogue par la certitude de la foi et la force de l’Esprit retrouvé. Le Prélude et fugue BWV 539 est surtout intéressant par sa fugue transcrite à partir de la 1^re sonate pour violon.  La Fantaisie BWV 562, est un hommage à la musique française et tout particulièrement à Nicolas de Grigny, organiste de Reims ; la fugue en est restée inachevée. Ce disque se termine par l’austère et grandiose Toccata et fugue BWV 538 qui confirme, s’il en était encore besoin, la musique de Bach comme moyen d’ascèse et support de l’aspiration à la transcendance.

Patrice Imbaud

 

The Susanne van Soldt Virginal Book.  Ricercar (Outher, rue du Chêne 27, B-1000 Bruxelles.  stephanie.flament@alpha-prod.com) : RIC 264. TT : 56’42.

Le manuscrit du Virginal Book (1599) de Susanne van Soldt - peut-être fille d’un riche marchand anversois gagné à la Réforme et installé à Londres -, est conservé à la bibliothèque de la British Library, avec sa signature.  Il comprend 33 arrangements de chansons profanes (dont Susanna Vng Jour de Roland de Lassus) ; de danses : « Almandes » (de symmerman, loreyne, trycottee, de amour…), ronde du Brabant, Pavanes (dan Vers, de frans…), Gaillardes (quy passe, Bassanni )… ainsi que de psaumes (reposant sur des mélodies traditionnelles du Psautier huguenot, Genève, 1562), par exemple : Myn siele wilt den Herre… (J. J. van Eyck), Des boosdoenders Wille seer quaet (sur la mélodie du Ps. 36 : Du maling le meschant vouloir ou Du maling les faitz vicieux, Cl. Marot).  Ce Livre se présente comme une anthologie du répertoire pour virginal à la fin de la Renaissance.  Guy Penson joue principalement sur un virginal « moeder & kind » - dont la caisse de résonance abrite un petit virginal, à jouer seul ou couplé au clavier principal - de J. van Boven (2006), d’après des modèles d’A. Ruckers, bien connus.  Il bénéficie parfois de la participation de Patrick Denecker (flûtes à bec).  Ils ont le mérite d’attirer l’attention sur ce Livre de virginal.  Excellente initiative sortant des sentiers battus, à l’honneur des disques Ricercar.

 

Marin MARAIS & Jean-Philippe RAMEAU.  À la Marésienne.  Le Couvent (www.lecouvent.org) : K617 205. TT : 34’12.

Ce CD tire son nom de la première œuvre au programme : la sonate À la Marésienne de Marin Marais (1656-1728). Sous le règne de Louis XIV, la viole de gambe apparaît comme un instrument privilégié, et c’est le mérite de l’ensemble Nouvelles Voix, avec Olivier Briand (violon baroque), Ronald Martin (viole de gambe) et Jennifer Vera (clavecin) de replonger les mélomanes dans cette ambiance si typique du Grand Siècle, où Marin Marais côtoie Jean-Philippe Rameau (1683-1764).  La sonate À la Marésienne - seule pièce du premier pour instrument de dessus assumant un rôle de soliste avec accompagnement de basse continue - est conçue en six parties sur lesquelles plane un souffle tour à tour grave, léger, gai et vif/grave ; une Gigue faisant appel à la virtuosité sert de conclusion. Dans le V^e Concerto, J.-Ph. Rameau réserve un rôle de vedette au clavecin par rapport aux deux autres instrumentistes. Il y est aussi fait référence à M. Marais, avec La Marais, les deux autres pages sont bien connues : La Forqueray et La Cupis (particulièrement expressive).  Retour à Marin Marais avec la Sonnerie de Sainte Geneviève du Mont de Paris de caractère descriptif, proche de la tradition française du carillon en musique.  L’œuvre comprend des variations placées sous le signe de la jubilation.  Félicitations aux interprètes, à Alain Pacquier et au Label K 617, d’avoir ainsi mis Marin Marais à l’honneur.

 

Johann Sebastian BACH : Entre parodies et transcriptions.  Alpha (stephanie.flament@alpha-prod.com) : 126.  TT : 67’ 1.

Le titre est assez éloquent et fait tout de suite penser à la Toccata en ré mineur qui, toutefois, ne figure pas au programme de ce CD… Il permet de (re)découvrir des transcriptions pour orgue, notamment de la Sinfonia de la Cantate BWV 29 Wir danken dir, Gott, et de la Sinfonia de la Cantate BWV 146 Wir müssen durch viel Trübsal in das Reich Gottes eingehen, toutes deux datant de Leipzig et issues de mouvements de concerto. Elles ont été réalisées par Marcel Dupré, resté proche des intentions concertantes du Cantor de Leipzig. Ces deux œuvres avec opposition de claviers sont bien enlevées et percutantes.  Deux Sonates ont été transcrites, la première (Sonate en sol majeur BWV 1019a) pour violon (assurant un rôle mélodique) et orgue (assurant une ponctuation rythmique), en 5 mouvements  ; la seconde (Sonata I en sol mineur BWV 1001), pour violon seul, en 4 mouvements, commençant par un Adagio méditatif, particulièrement expressif et se terminant par un Presto qui fait largement appel à la virtuosité. Cet enregistrement comporte également le prélude de la Partita III en mi majeur BWV 1006 (transcrite pour violon), le Concerto en ré mineur d’après Vivaldi BWV 596 (transcrit pour orgue) et le Prélude & Fugue en ré mineur BWV 539 (orgue).  L’organiste Vincent Dubois et le violoniste Raphaël Oleg, merveilleuse équipe, ont signé ce programme original convenant particulièrement à l’acoustique de l’église St-Pierre de Guignicourt (Aisne) et à l’orgue Jean-Daldosso (1903), à deux claviers (56 notes) et pédalier (30 notes).  Cette belle réalisation est tout à l’honneur de l’action patrimoniale menée par le Conseil général de l’Aisne.

 

Orgues historiques de France, vol. 4.  Sinus (Postfach 526 CH-8802 Kilchberg) : 3004.  CD Diffusion (28, route d'Eguisheim BP 4, F-68920 Wettolsheim) TT : 59’21.

Poursuivant sa série d’enregistrements sur des orgues historiques en France, Albert Bolliger a retenu l’Oogue Christophe Moucherel (1742) de Cintegabelle, avec positif, grand orgue, écho et pédale dont les jeux anciens sont presque complets, mais, dans certains cas, des tuyaux anciens et neufs sont mêlés.  Cet orgue a failli disparaître lors de la Révolution française, l’Abbaye ayant été vendue comme « bien national » ; les orgues ont d’abord été livrées à l’abandon, puis des travaux en 1850 ont abouti à une première restauration finalement réalisée en 1923/28, par le facteur Th. Puget. Après avoir subi le goût du jour, grâce aux facteurs J. L. Boisseau et B. Cattiaux, l’instrument a retrouvé sa conception originelle, avec un très beau buffet Régence.  Comme de juste, l’excellent organiste suisse a choisi des œuvres françaises convenant particulièrement à cet instrument français, dont il réussit à mettre en valeur de nombreux jeux et à souligner des sonorités spécifiques, par exemple celles des cornet, cromorne, nazard...  Les discophiles écouteront avec plaisir les Pièces d’orgue du 5^e ton de François d’Agincourt (ca 1680-1738), la Suite en sol mineur (comportant de nombreuses danses), de Louis Marchand (1669-1732), ainsi que son 5^e Livre d’orgue.  Claude-Benigne Balbastre (1727-1799), dans sa 2^e Suite de Noëls, fait appel à des Noëls de notre pays : Il est un petit, L’ange, Joseph revenant un jour (bénéficiant d’une registration adéquate)... Cette excellente sélection s’impose également par les registrations lumineuses par excellence correspondant à l’esprit des Noëls français. Si elle est conforme au goût du public au XVIII^e siècle, elle n’en ravira pas moins celui du XXI^e siècle.

 

Ludwig van BEETHOVEN : Concerti 3 & 6 pour le pianoforte avec accompagnement d’orchestre.  Alpha 122.  TT : 69’.

Au XIX^e siècle, la bonne société prise énormément le pianoforte (instrument à marteaux) et les virtuoses sont légion.  Ludwig van Beethoven (1770-1827) n’échappe pas à cette mode, et Arthur Schoonderwoerd (pianoforte & direction) la restitue en interprétant le Concerto en do mineur n°3 op. 37 sur le fac-similé d’un pianoforte viennois d’Anton Walter (1800) et le Concerto en ré majeur n°6 op. 61a sur le pianoforte viennois original de Johann Fritz (1807-1810).  Il est accompagné par l’excellent Orchestre Cristofori qui se produit sur instruments anciens. Cet enregistrement, réalisé à la Dreieinigkeitkirche de Ratisbonne, baigne dans le préromantisme. Dans un concerto, le pianofortiste assume, d’une part, un rôle de soliste et, d’autre part, un rôle d’accompagnateur d’un autre instrument.  Le chef comme le premier violon (ici, Luigi de Filippi) veillent à l’équilibre sonore de l’ensemble et à l’assise rythmique.  L’interprétation de ces œuvres (généralement au piano) au pianoforte correspond mieux à l’esprit du compositeur.  Le premier Concerto est en 3 mouvements, avec un Largo central, intense et méditatif. Le second, avec un Larghetto central, est introduit par un Allegro ma non troppo très développé avec des accords incisifs ; dans le Rondo conclusif, de caractère pétillant, pianoforte et orchestre dialoguent, il frappe par la précision de l’attaque et son élan. Grâce au pianoforte, aux instruments anciens de l’orchestre et au parti pris du soliste et chef l’esprit du temps est fidèlement respecté, et la réalité sonore de l’époque magistralement restituée.

 

Franz LISZT.  Philippe Delacour à l’orgue. Fugatto : FUG 005. CD Diffusion (info@cddiffusion.fr). TT : 51’30.

Franz Liszt (1811-1886), virtuose du piano, a également composé pour l’orgue.  Il traite, d’une part, des thèmes liturgiques, par exemple « Ad nos, ad salutarem undam », d’autre part, adapte pour l’orgue des œuvres profanes telles que des Préludes de Chopin, ou encore Le Chœur des Pèlerins de R. Wagner et sa propre œuvre Consolation.  Philippe Delacour a retenu l’orgue « romantique allemand » de Nilvange en Moselle (1910, Johannes Klaïs, Bonn) ; transformé en 1955 par Haepfer-Ermann de Boulay ; excellemment restauré en 1997 par Michel Gaillard (manufacture Aubertin) en collaboration avec l’interprète. Cet orgue symphonique convient parfaitement à l’esthétique romantique, comme le prouve déjà la magistrale et imposante Fantaisie et Fugue sur « Ad nos, ad salutarem undam » (1849), contrastant avec le charme et l’intériorité de l’Adagio de la Consolation en réb majeur.  Retour au caractère majestueux avec le Prélude en mi majeur de Frédéric Chopin op. 28/9 ; en revanche, celui en mi mineur, op. 28/4, s’impose par sa facture mélodique.  En conclusion, la transcription du « Chœur des Pèlerins » de Tannhaüser pose un point d’orgue tour à tour calme et méditatif, puissant avec une progression dynamique bien dosée. De quoi être réconcilié avec la pratique des transcriptions si souvent malmenée. Cette production s’adresse non seulement aux amis de Liszt mais à tous les organistes et mélomanes soucieux de sortir des sentiers battus.

 

Gabriel FAURÉ : Mirages. Jade (43, rue de Rennes, 75006 Paris mathilde.dubois@milanmusic.fr) : 699651-2.  TT : 36’46.

Le chœur de chambre Mikrokosmos, fondé et dirigé par Loïc Pierre, fait porter ses efforts sur la création.  François Branciard (né en 1979) - membre du Chœur - est l’auteur de transcriptions pour chœur a cappella de mélodies de Gabriel Fauré (1845-1924) sur des textes, par exemple, des poètes Ch.-M.-R. Leconte de Lisle, parnassien (entre romantisme et zymbolisme), Jean de la Ville de Mirmont (victime de la Grande Guerre), Ch. Van Lerberghe (poète belge symboliste).  Le disque tire son titre de Mirages, recueil de R. de Brimont.  Les arrangements s’inspirent des innovations lancées par G. Ligeti pouvant aller jusqu’à une orchestration vocale à 16 parties sans nuire à l’intelligibilité des paroles, la mélodie pouvant circuler d’une voix à l’autre.  Les mélomanes seront curieux d’écouter, par exemple, Les Roses d’Ispahan, Mandoline (Leconte de Lisle) ou encore La mer est infinie extrait de L’horizon chimérique (La Ville de Mirmont).  L’intérêt de la facture mélodique et le traitement polyphonique rehaussent encore la portée des poèmes.  Grâce à Loïc Pierre, l’interprétation de ce chœur de chambre s’impose d’emblée par sa musicalité, le fondu des voix, le paysage vocal et  la transparence - malgré le nombre important de voix -, le texte et la mélodie d’origine sont toujours identifiables.  Un modèle du genre.

 

Naissance d’un Grand Orgue. Orgue Quoirin-Decaris de la Cathédrale d’Évreux.  Triton (« La Meunerie » 214, place de l'Église, 45320 Courtemaux.  info@disques-triton.com). 2CD + 1DVD.  TRI 331154 : 71’55.  TRI 331155 : 77’59.  DVD : 149’.

Parmi les événements organistiques de l’année, figure la « naissance » de l’orgue Quoirin-Decaris à la cathédrale d’Évreux.  L’instrument est présenté en deux disques : « Classiques d’hier » par Odile Jutten et « Classiques de demain » par Pascale Rouet.  Le premier CD, étalé dans le temps, commence avec des œuvres classiques anciennes, allant de H. Scheidemann, J. P. Sweelinck, A. de Cabezon, D. Buxtehude, J. S. Bach à F. Mendelssohn et, pour l’École française, associant encore P. Dandrieu, puis Ch. Tournemire et finalement O. Messiaen.  Ce programme ambitieux démontre l’intérêt de cet orgue qui bénéficie des techniques du XIX^e siècle (accouplement manuel par machine Barker) et du XX^e siècle (facilité pour tirer les jeux).  Le deuxième disque porte sur la musique au tournant des XX^e et XXI^e siècles.  P. Rouet réserve un sort royal à des œuvres d’organistes contemporains : avec la Toccata (2000) de François Delor, Incandescence (2002) de Jean-Luc Étienne, la Fantaisie sur « mi do si mi la » (2006) de Jacques Pichard, Night Song II (1983) d’Alain Mabit ou encore la Sonate III (2005/6) : (D’une rive l’autre – Falaise) de Jean-Pierre Leguay ; et enfin : Architecture (2007) de Graciane Finzi : belle illustration du répertoire organistique contemporain et de sa restitution par des organistes hors pair.  Ce coffret très élaboré contient le DVD particulièrement révélateur, intitulé : « Architecture des Vents » et portant sur la construction du grand orgue de la cathédrale d’Évreux.

Édith Weber

 

Antonio VIVALDI : Concertos pour violon, cordes & basse continue, RV 234, 273, 253.  Concerto pour deux violons, violoncelle & basse continue, RV 565.  Sonate pour deux violons & basse continue, RV 63. « La follia », Aria «  Sovvente il sole » (de Andromeda liberata).  Daniel Hope, violon, Anne Sofie von Otter, mezzo soprano ; Chamber Orchestra of Europe.  Universal/DG : 477 7463.  TT : 57'45.

Les disques de concertos de Vivaldi cultivent généralement la marotte de l'intégrale et se signalent souvent par une virtuosité presque clinquante.  Tout le contraire dans celui qu'y consacre le violoniste Daniel Hope – dont Menuhin fut le mentor, et lui-même membre, il y a peu encore, de feu le Beaux Art Trio.  De par son programme d'abord, qui confronte pièces concertantes rabachées et moins connues, mais aussi propose une sonate pour deux violons, et même un air tiré de l'opéra récemment découvert Andromeda liberata – enluminé par la voix moelleuse de la grande A S. von Otter dialoguant avec le violon en un sublime adagio. Surtout, par le soin amoureux apporté aux exécutions qui si elles sont sur instruments modernes n'en emportent pas moins cette précision, cette netteté à laquelle nous ont habituées les exécutions sur instruments baroques.  Question de style peut-être, plus que de facture d'instrument.  D Hope fait montre d'une intelligence aiguë du phrasé et de la manière de faire jouer la basse continue - constituée ici d’un lirone, sorte de croisement entre cello, viole de gambe et contrebasse, d'une guitare et d'une harpe baroques.  La délicatesse des passages lents, la belle prestance des mouvements rapides, refusant l'excès motorique, le disputent à l'art d'animer les tempos, proche de l'improvisation.  L'allegro qui ouvre le concerto « L’inquietudine » est d'une étonnante vivacité paré qu'il est de contrastes saisissants.  Le fameux « La tempesta di mare », avec ses télescopages de rythmes illustrant la fureur des éléments naturels, résume sans doute ce que, selon Hope, est la musique instrumentale de Vivaldi « une explosion de mélodie, de drame, de passion, d'expression ».

 

Richard STRAUSS : Vier letzte Lieder ; Verführung, Freundliche Vision, Winterweihe, Zueignung ; extraits de Ariadne auf Naxos ; Die Ägyptische Helena, monologue d'Hèlène.  Renée Fleming, soprano, Orchestre philharmonique de Munich, dir. Christian Thielemann.  Decca : 478 0647.  TT : 56'16.

Chant du cygne de Richard Strauss, les Vier letzte Lieder – sur des poèmes de Eichendorff & Hermann Hesse, créés par Kirsten Flagstad et Wilhelm Fürtwangler en 1950 - constituent un vibrant adieu à la voix de soprano, de la part de celui qui écrivit tant et de si majestueuse façon pour elle.  Proches du grand air de concert, dotés d’une parure orchestrale rien moins que somptueuse, trois d'entre eux sont des méditations sur la mort.  Seule, la première pièce, Printemps, échappe à cette sombre atmosphère.  Pour son second enregistrement du cycle, Renée Fleming, qui bénéficie d’une captation live à Munich, en livre une exécution immaculée, faisant son miel de ces longues tenues modulant legato comme si le son était suspendu, de ces envolées aériennes qui, du grave à l'aigu, du piano au forte, transportent l’auditeur sur les ailes du chant et les cimes de l'émotion.  Les aigus sont clairs et rayonnants, le contrôle du souffle irréprochable malgré certains tempos plutôt retenus.  L'interprétation est finement pensée, sans maniérisme, ce qui est un challenge pour qui n'est pas née avec cet idiome.  Outre quelques autres mélodies puisées dans la vaste production de l’auteur, dont la fameuse Dédicace, cheval de bataille de bien de ses devancières, Fleming propose encore les passages significatifs du rôle d’Ariane de l’opéra Ariadne auf Naxos.  Bien qu’elle ne l’aie pas encore abordé à la scène, le personnage est habité de vrai.  Là encore, son timbre lumineux épouse à merveille ces lignes typiques de la prosodie straussienne où l'agilité, pour passer d'un registre à l'autre, est comme une seconde nature. Il en est de même pour le monologue d'Hélène tiré d’Hèlène d’Égypte, à la facture flamboyante, débordant de lyrime extatique.  Partout, l’éclat, l’agilité de la voix confirment une grande soprano straussienne.  Ch. Thielemann est le partenaire indispensable, un des grands tenants actuels de l’univers straussien dans le droit fil de Böhm et de Karajan.

 

Sofia GUBAIDULINA : Concerto pour violon « In tempus praesens ».  Jean-Sébastien BACH : Concertos pour violon, BWV 1041 et 1042.  Anne-Sophie Mutter, violon.  London Symphony Orchestra, dir. Valery Gergiev (Gubaidulina), Trondheim Soloists (Bach). Universal/DG : 477 7948. TT : 63'48.

La violoniste Anne-Sophie Mutter, dédicataire de pièces de Penderecki, Rihm, Previn, Lutoslawski ou Dutilleux, se voit offrir par la compositrice russe Sofia Gubaidulina un nouveau concerto, « In tempus praesens ».  Créé en février 2007, à Berlin, il enchaîne cinq épisodes d'une grande diversité de climats. Le soliste, constamment présent, domine l’orchestre « qui suit le violon comme son ombre » souligne l’interprète, vagues envahissantes ou apaisées, voire accords forte obstinés, où dominent le grave et le sombre – l’effectif instrumental, de vastes proportions, ne comprend pas de violons.  Il évolue la plupart du temps dans l'extrême aigu, sorte de cheminement vers l’extase.  La tonalité d'ensemble est « d’une extrême densité émotionnelle », sorte de dialogue entre lumière et ombre, et empreinte d’élévation spirituelle.  La pièce exploite les formidables talents de la dédicataire, technique ébouriffante, habileté à varier les couleurs, constante expressivité.  Ses partenaires sont Valery Gergiev et le LSO dont il faut louer l’engagement.  En contrepoint, A.-S.Mutter propose les deux Concertos pour violon de Bach qu’elle joue et dirige brillamment avec un petit ensemble : interprétations typiques de la violoniste, tout sauf baroqueuses, aux contrastes marqués de par des mouvements lents, affectés de ralentis extrêmes.

Olivier MESSIAEN : Quatuor pour la fin du Temps.  Thème et variations pour violon & piano.  Trio Wanderer, Pascal Moraguès, clarinette.  Harmonia Mundi : HMC 901987.  TT : 62'27.

Fruit des cironstances exceptionnelles de sa composition, dans le stalag où Messiaen était prisonnier, « pour les intruments que j’avais sous la main », dira-t-il, le Quatuor pour la fin du Temps est écrit pour une formation insolite : violon, clarinette, violoncelle & piano.  Inspiré de l’Apocalypse de Jean, sa figure emblématique est l’Ange glorieux apparaissant auréolé d’un arc en ciel ; son thème fondateur, la perspective d’un au-delà radieux où le temps n’existe plus.  Car les visions de l’Apocalypse sont tout aussi effrayantes que lumineuses. Composé de huit mouvements durant lesquels les quatre instruments jouent soit ensemble, soit le plus souvent dans des configurations partielles, en duo (piano-violon, piano-violoncelle) voire même en solo, telle la monodie de la clarinette à l’heure de l’« Abîme des oiseaux », le continuum mélodique y est comme improvisé, les combinaisons de timbres fascinantes.  Messiaen se montre déjà « peintre sonore », une des grandes constantes de sa pensée.  Les chants d’oiseaux, cet autre élément caractéristique, irriguent l’œuvre qui, bien souvent, par son univers incantatoire, détache l’auditeur de tout sentiment de prégnance du temps.  Alors que le piano dessine l’espace, la clarinette apporte un coloris extatique et comme un supplément de ferveur.  Messiaen utilise ses procédés rythmiques favoris, temps inégaux, répétitions, rythmes non rétrogradables, et des mélismes empruntant à la culture orientale comme à la musique médiévale ; de même que le mode cyclique, préfigurant une technique à laquelle il aura souvent recours dans ses œuvres orchestrales.  Là où l’on assemble le plus souvent quatre solistes, l’idée est judicieuse d’avoir fait appel à un ensemble.  Le Trio Wanderer auquel se joint le clarinettiste principal de l’Orchestre de Paris en livrent une exécution profonde, toute de passion intérieure, justement retenue, emplie d’harmonies chatoyantes et de rythmes incisifs, scrupuleuse des indications de l’auteur qui en livrait cette analyse : « c'est la lumière, la couleur, la perception d’un monde de beautés à venir ; c’est l’espérance ».  Le disque propose encore Thème et variations pour violon & piano, courte pièce écrite en 1932 pour Claire Delbos, sa première épouse, rare exemple chez Messiaen de musique pure, emplie de sérénité et de spiritualité, annnonciatrice des mouvements lents du quatuor.

 

Franz SCHUBERT : Die schöne Müllerin D.795.  Nathalie Stutzmann, mezzo soprano, Inger Södergren, piano.  Calliope : CAL 9379.  TT : 66'01.

La force du cycle de La Belle Meunière réside dans la rencontre d'un authentique poète, Wilhelm Müller et d'un musicien de génie, Franz Schubert.  À la simplicité des poèmes de forme strophique, dans l’esprit du Volkslied, correspond la simplicité de la composition, au plan des tonalités comme de la ligne musicale.  Ici est réunie la thématique poétique chère au cœur de Schubert : le voyage, l’errance, la fuite du temps, le couple joie-douleur, espérance-désillusion aussi, le recours à la nature bienfaisante.  À l’image de ce ruisseau qui irrigue les vingt mélodies, l’auditeur est immergé dans un climat expressif où, sous une apparence souvent anodine, affleure constamment le drame, comme toujours chez le musicien.  Écrit pour la voix de ténor, l’œuvre a été dédiée à un baryton.  Rares sont les exécutions par une voix de femme.  Le timbre corsé de Nathalie Stutzmann ne messied pas, car il est riche de couleurs automnales.  Achevant là son exploration des trois grands cycles schubertiens, elle en livre une vision intense et subtilement nuancée, de l’éclat au murmure, de la force profonde au subtil clair-obscur.  Le legato reste souple malgré l’ampleur de la voix.  L’usage modéré du vibrato apporte ce supplément de tension que renforcent la chaleur et la rondeur du timbre.  La partie de piano est tour à tour fébrile et distillée sur le ton de la confidence, la scansion allègre ou affirmée.  La proximité de l'instrument, capté de près par la prise de son, conforte l’idée que le piano n’agit point en accompagnateur ; mais qu'il « s’agit bien d’un duo », comme le fait remarquer la chanteuse qui voit là de la vraie musique de chambre.  À l’aune de la symbiose poète-musicien, voilà une interprétation adornée par la complicité et la sincérité, dans l’esprit de l’improvisation.

Jean-Pierre Robert

 

 

POUR LES PLUS JEUNES

Louise WEEKE (Paroles, musique & photos de) : L’Abécédaire de Marius. Illustrations : Anne-Marie Sarrabazolles.  Chant : Marius Sarrabezolles.  Sur : http://www.myspace.com/abcmarius ou graml@free.fr. En vente le 8 décembre.

Les cuivres de Ménilmontant présentent L’Abécédaire de Marius… Véritable histoire de famille puisque les textes, chantés par Marius, sont écrits par la maman et enregistrés par le papa, sans oublier la grand-mère illustratrice du livret ! Très bel outil pédagogique pour se familiariser avec les lettres de l’alphabet… Chaque chanson a sa lettre et celle-ci est notée par une couleur distincte. L’enfant distingue immédiatement la fameuse lettre. L’effet de la musique est quasi-magique, l’enfant retient l’air, chante, répète à tue-tête le refrain, s’amuse du texte et danse ! Cet orchestre nous entraîne dès la première note dans un univers saisissant où parents et enfants partageront un moment délicieux ! Vous découvrirez tour à tour la trompette, le trombone, l’euphonium, l’hélicon, le piano et les percussions ! Parfois salsa, parfois jazz, toujours entraînante, la musique répond, accompagne la douce voix de Marius ! À offrir pour les fêtes sans hésiter !

Laëtitia Girard

 

Geneviève LALOY (Chant, paroles & musiques) : Si la terre…  Victorie Music/Polyson (www.polyson.com) : 301776-5 .  Distr. : Universal.

Venue pour la première fois en France, la magnifique chanteuse, auteur-compositeur, mais aussi flûtiste & chef de chœur belge Geneviève Laloy est à découvrir, d’urgence ! (www.genevievelaloy.fr).  Débarrassées de tous a priori bêtifiants, ces 14 chansons convient jeunes enfants et leurs parents à un tour du monde d’une merveilleuse diversité.  Thèmes poétiques, musiques et orchestrations (flûtes, sax alto, accordéon, guitares, contrebasse, percussions diverses) sont, en outre, très contemporaines - sans que l’on puisse heureusement les taxer d’« actuelles ».  Une révélation !

 

Jacques HAUROGNÉ chante Henri SALVADOR.  Faut rigoler.  Victorie Music/La Pool : 301775-6.  Distr. : Universal.  TT : 75’.

Bonheur de redécouvrir 16 titres fameux, dans une interprétation, certes moins truculente que celle du grand Salvador, mais toujours émue et d’une infinie délicatesse - exhaussée par un accompagnement composé de seules cordes (Quatuor Bedrich, guitare & contrebasse).  Aussi le titre retenu pour l’album n’est-il pas entièrement justifié…

 

Mino n°2. Sélection de chansons pour enfants.  Victorie Music : 301776-4.  Distr. : Universal.  TT : 34’11. 

Compil’ de 15 gentillettes chansons signées de 6 artistes (Amipagaille, Jean-Yves Lacombe, Zut, Gilles Vigneault, Alain Schneider, Carlo Bondi).  Extraits en écoute sur www.club-tralalere.com

Francis Gérimont

 

DVDs

Stefano LANDI : Il Sant’Alessio.  Philippe Jarrousky, Emmanuel Cencic, Xavier Sabata,

Alain Buet, Didier Guillon.  Les Arts Florissants, dir. William Christie.  2DVDs Virgin Classics : 518999 9 8. TT : 162'.

Rare exemple de drame sacré, Il Sant’Alessio de Stefano Landi, contemporain de Monteverdi, est basé sur l’épisode final de la vie de saint Alexis, ce fils de famille parti du foyer, en Terre sainte, le jour de ses noces, pour y revenir des années plus tard, en mendiant.  Ne voulant par abnégation révéler son identité, il vivra reclus sous un escalier de la maison paternelle et sera le désespoir de sa famille.  William Christie à qui l’on doit la révélation de ce chef-d’œuvre, en souligne le prodige d'écriture et la fraîcheur de la musique comme l'excellence du livret dû au cardinal Rospigliosi, futur pape Clément IX.  Bien que ne comportant que peu d'action, le sujet reste intense, nullement austère, grâce à un mélange de tragique et de burlesque, de dialogues pathétiques et de tableaux d'ensemble animés. Captée lors de représentations qui de Paris à Nancy, de Caen à New York en ont vu le triomphe, l'étonnante production de Benjamin Lazar ne laisse pas de séduire par son souci de réalisme, de luxe décoratif, de faste de la couleur ; reconstitution de ce que fut l'explosion baroque.  La gestuelle rhétorique adoptée, loin d'être précieuse, devient la manière naturelle d’expression du récitatif chanté.  Une habile décoration de bois, calquée sur quelque maquette d'église, avec ses changements à vue, fluidifie une mise en scène respirant le naturel.  La saisie filmique l’enrichit encore par un savant découpage et des plans rapprochés magnifiant des costumes luxuriants aux riches étoffes, comme patinés par la chaude lumière que produit l’éclairage à la bougie.  Et quelle harmonie souveraine émanant de ces visages d’angelots comme tirés d’une statuaire, de ces figures androgynes à la troublante beauté !  La somptuosité visuelle n’a d’égale que la sensualité musicale due au chant des contre-ténors habitant les rôles aussi bien masculins que féminins.  Les interprètes en assurent une exécution mémorable.  Indispensable !

 

Giuseppe VERDI : Stiffelio.  José Carreras, Catherine Malfitano, Gregori Yurisich, Gwyn Howell ; The Orchestra of the Royal Opera House, dir. Edward Downes.  Opus Arte : 0A R3103 D. TT : 122'.

Parangon du niveau d’excellence de la série des opéras de Verdi montés au Royal Opera de Londres dans les années 90, Stiffelio vaut d’être redécouvert.  Composé en même temps que Rigoletto, d’après une pièce française, Le Pasteur ou L’Évangile et le foyer, l’on y voit un pasteur confronté à la liaison de son épouse, lui pardonner lors d'un prêche devant la communauté sur le thème de la parabole de la femme adultère.  Tous les ressorts mélodramatiques de l'opéra verdien sont là.  Adroitement filmée par Brian Large, la production, typique du style semi-figuratif alors prisé à Covent Garden, écrin d'une mise en scène très lisible, se prête bien à l'écran.  Musicalement la fête est au rendez-vous.  Dans ce qui fut son dernier grand rôle, José Carreras propose un personnage tout en demi-teintes, partagé entre jalousie personnelle et devoir spirituel.  Et quel art du legato ! La vibrante incarnation de l'héroïne dévorée de crainte et de remords, par Catherine Malfitano, au sommet de ses moyens, est celle d'une vraie tragédienne.  Edward Downes, auteur d'une nouvelle édition de la partition, fait sourdre le poids épique du drame, son lyrisme aussi.  On n’oubliera pas ces superbes plans de visages torturés, ces rafales d’images majestueuses lors des ensembles concertants si importants dans cet opéra, ces camaïeux de mauve d’un décor suggestif.

Hans Werner HENZE : Boulevard Solitude.  Laura Aikin, Par Lindskog, Tom Fox, Hubert Delamboye.  Orquestra Simfonica del Gran Teatre del Liceu, dir. Zoltan Pesko. EuroArts : 2056358. TT : 102'.

Dans Boulevard Solitude, son premier opéra (1952), Henze transpose la célèbre histoire de Manon Lescaut aux immédiates années d’après guerre.  La source d'inspiration est autant le roman de l’abbé Prévost que des films comme Sunset Boulevard de Wilder ou Manon de Clouzot.  L'action privilégie le chemin de désillusion d’Armand des Grieux plus que le tragique destin de Manon, l’isolement de l’individu au milieu de l’agitation de la ville.  La régie de Nicolaus Lehnhoff, créée au Royal Opera de Londres, captée ici au Liceu de Barcelone, restitue le mouvement irrésistible voulu par Henze qui n’était alors pas insensible à la chorégraphie.  Son originalité est de faire du décor de hall de gare de la première et de la dernière scène une sorte de toile de fond de l'opéra tout entier, qui réapparaîtra lors des interludes musicaux ; univers saisissant aux superbes éclairages dans lequel se meut une foule hétéroclite, pressée ou absorbée, de laquelle se détachent quelques stéréotypes, habilement saisis par la caméra.  Le fatalisme et la désespérance des protagonistes ne le sont pas moins. La distribution est de haut vol, et la direction musicale en phase avec le langage complexe et ambigu de Henze, empruntant aussi bien au dodécaphonisme qu’au système tonal, et même aux rythmes de jazz.

Jean-Pierre Robert