Karl JENKINS : Stabat Mater.  Royal Liverpool Philharmonic Chorus & Royal Philharmonic Orchestra, sous la direction du compositeur.  EMI : 5 00583-2 .

Karl Jenkins est un compositeur gallois de 63 ans.  Son Stabat Mater, commandité en 2008 par le prince Charles d'Angleterre, est parfaitement inclassable : il s'agit d’une vaste fresque d'un peu plus d'une heure qui réussit la synthèse des trois religions du Livre, en replaçant la mort du Christ dans son contexte historique et géographique, à savoir la Palestine occupée par les Romains : d’où une alternance d’harmonieuses polyphonies sur le texte latin de Todi, de lamenti en araméen évoquant tout à fait les pleureuses arabes, de psaumes en hébreu, de douce mélopées en anglais qui commentent avec tendresse les larmes de Marie, d’épisodes guerriers où se déchaînent les cuivres et où l’on voit véritablement défiler les légions romaines.  Le dixième numéro est un sublime Ave Verum Corpus qui, même s’il n’appartient pas au texte du Stabat Mater, ne sort pas du sujet puisqu’il évoque lui aussi la crucifixion.  De nombreuses percussions de l’Orient, comme les darboukas, discrètement présentes dès le début de l’œuvre, prennent le pouvoir au cours du douzième et dernier numéro, pour exploser sur un Paradisi Gloria porté par des cordes prises de folie - paradis qui évoque bien plus celui qui attend les guerriers musulmans que celui des chrétiens.  Et c'est par cette longue bacchanale sacrée que s'achève ce Stabat Mater, à tous points de vue hors normes, mais à découvrir absolument.

Michèle Lhopiteau

 

Historia Sancti Eadmundi.  De la liturgie dramatique au drame liturgique.  Arcana : A 346 (Outhere S.A., rue du Chêne, 27.  B-1000 Bruxelles.  stephanie@outhere.com). TT : 62’00.

Cette Historia médiévale, annoncée par des cloches, demande une participation vocale monodique et instrumentale : crwth, vielle ; citôle, harpe, cithara teutonica ; orgue, organistrum ; percussions… « Archétype paradigmatique du drame rituel » typique de l’École de Cambridge, elle est divisée en 3 parties : La vie, La passion et Les miracles de St Edmond (Eadmund Wilfing, v. 844-870), dernier roi saxon d’East-Anglia et martyr, premier saint protecteur de l’Anglia, « Pater noster, & totius Anglie patronum ».  Des commentaires parlés assurent la soudure entre passages chantés, interludes instrumentaux et l’histoire proprement dite.  Les antiennes : Ave Rex gentis Anglorum et Exulta sancta ecclesia l’honorent.  Antiennes et répons alternent, avec interventions de l’historicus relatant des événements de sa vie.  Le narrateur - d’après l’abbé de Fleury et St Aelfric - relate qu’« il fut assailli par l’Ennemi de l’Humanité » qui, pour le mettre à l’épreuve, lui envoya Yngvarr, roi cruel. Il proposa à Edmond l’exil ou le supplice. Ce dernier fut soumis à d’horribles humiliations et à la flagellation, avec force détails très réalistes. En conclusion, l’abbé de Fleury implora la protection du saint. L’excellent livret quadrilingue et bien illustré est d’ordre hagiographique et historique. L’Historia dramatique et liturgique révèle un « mélange étonnant d’écritures continentale et insulaire, très expressif dans sa souplesse et musicalement très versatile, en dépit d’un certain “décadentisme” du chant grégorien », est fidèlement restituée par l’Ensemble La Reverdie.

 

Antonio BERTALI : Prothimia suavissima (parte seconda).  Arcana : A 340.   TT : 68’15.

Antonio Bertali, né à Vérone, en mars 1605, est mort en 1669 à Vienne, où il s’était fixé en 1623. En 1649, il fut maître de chapelle de la Cour impériale. Il y importa le goût vénitien, mais, pour sa musique religieuse, il préconisa la polyphonie et les effets de masse, alors que son œuvre instrumentale marque la transition entre la canzone pour orchestre et la sonate en trio.  Dans la seconde partie de son recueil Prothimia suavissima (« Plaisir le plus doux ») imprimée en 1672 (et conservée à la BnF), comportant 12 Sonates à 3 ou 4 instruments et basse, il spécule sur les contrastes de tempo.  L’instrumentarium est tributaire des instruments disponibles. Les concerts ont lieu dans des églises, à cause de la présence de l’orgue (ce qui n’exclut pas, dans quelques Sonates, des mouvements de caractère dansant, par exemple : courante).  À cette époque, le violon, instrument monodique, convient aussi pour la polyphonie, et les techniques sont précisées (col legno, glissando, pizzicato…).  Le compositeur privilégie la beauté mélodique et la suavité sonore (comme le titre l’indique), ainsi que les répétitions de notes.  Les motifs circulent d’une voix à l’autre, entraînant des timbres différents et, pour les passages monodiques, l’interprète était libre d’improviser.  Ces 10 Sonates à 3 et 2 à 4 voix s’adressent à de fins connaisseurs. Un modèle du genre pour le paysage sonore et les affects si bien rendus par l’Ensemble Ars Antiqua Austria, placé sous la direction de Gunar Letzbor. Musicien à redécouvrir.

 

Dietrich BUXTEHUDE : Complete Works for Organ.  6CDs Danacord : 381-386 (CD Diffusion : 28, route d'Eguisheim, BP 4, 68920  Wettolsheim. info@cddiffusion.fr).

Inge Bonnerup, organiste danoise, est née en 1940 ; depuis 1972, organiste titulaire de l’église (kirke) de la Trinité, à Copenhague, où elle enseigne aussi la technique organistique à l’Académie royale de Musique. Sa carrière est marquée par de nombreux concerts au Danemark, dans les pays scandinaves, en Angleterre, Allemagne, France, Italie et Australie. Elle assure, en hiver, les Concerts du vendredi après-midi. Elle a enregistré cette Intégrale Buxtehude en 6 disques principalement à l’orgue Marcussen & Son (1942) de la Soro kirke, à 3 claviers et pédale. La registration est précisée pour chacune des œuvres. Au programme, figurent des Préludes, de nombreux Préludes de chorals (dont deux versions de Gelobet seist du, Jesu Christ) et Variations chorales.  Sont également représentées des canzone, des canzonette, chaconne, toccate, fugue, Te Deum correspondant à l’éventail des formes organistiques en usage à son époque et, pour les Préludes de choral, dans les pays protestants : Danemark, Suède, Allemagne… avec, entre autres, le chant de ralliement des Luthériens : Ein Feste Burg ist unser Gott (C’est un rempart que notre Dieu).  Cette éminente organiste s’impose par ses registrations diversifiées et appropriées à l’atmosphère des chorals, par sa technique solide, son sens de la construction et sa musicalité.

 

Joseph HAYDN : Collection complète des quatuors sur instruments d’époque.  2CDs Arcana : A 414.  TT : 144’55.

En cette année Joseph Haydn, I. Kertész, E. Petöfi, P. Ligeti, R. Pertorini interprètent, sur instruments d’époque, 6 Quatuors de l’op.33 et 1 de l’op.42, comptant parmi les plus célèbres du compositeur, en raison de ses innovations (analyse thématique motivique) non dénuées d’humour, de surprise et d’audace pour l’époque…  Il met l’accent sur les contrastes entre les mouvements, l’équilibre et l’émotion ; il s’agit avant tout d’une musique de divertissement. Le Quatuor en sol majeur, op.33 n°5 illustre le nouveau style classique, et se termine par un thème et 3 variations débouchant sur un Presto varié.  Le Quatuor en mib majeur, op.33 n°2 s’impose par le premier thème cantabile de forme sonate et la notation de la « glissade à la viennoise ». Le Largo se présente sous forme de variations contrapuntiques, le Finale comme une plaisanterie, avec une reprise du thème.  Dans le Quatuor en si mineur, op.33 n°1, Haydn semble renoncer à indiquer la tonalité, le Presto conclusif fait appel à la virtuosité et au caractère passionné.  Le Quatuor en ut majeur, op.33 n°3, se distingue avec ses formules « à la turque » et « à la hongroise ». Le Quatuor en sib majeur, op.33 n°4 frappe par son invention. Le Quatuor en ré mineur, op.33 n°6 tranche sur les autres par son caractère plus léger, avec des formules romantiques.  Il illustre les préoccupations de Haydn concernant des séries de variations fondées sur l’alternance de thèmes majeurs et mineurs. L’enregistrement se termine par l’étonnant Quatuor en ré mineur, op.42, miniature, datant de 1785, « très bref » selon les termes de la commande. Excellente contribution du Quatuor Festetics à l’année Haydn.

 

Ludwig van BEETHOVEN : Bläsermusik. 2CDs Ricercar : RIC 287. TT : 120’53.

Au XIX^e siècle, les cuivres avec leur perception harmonique sont très prisés en Allemagne. Ce CD en donne un bel échantillon avec 4 pièces de Beethoven, notamment Trio, Sextuor et Quintette spéculant sur des associations timbriques variées (2 hautbois, 2 clarinettes, 2 cors, 2 bassons ; 2 hautbois et cor anglais ; 3 cors et basson…), sa Sonate, ainsi que celles de deux (toutes en trois mouvements) de ses contemporains et compatriotes : Franz Danzi (1763-1826), compositeur, chef d’orchestre, et Ferdinand Ries (1784-1838), pianiste, compositeur dont le style se rapproche de celui de son professeur de piano, Beethoven, également, en composition, élève de J. G. Albrechtsberger, à Vienne.  Le mérite de cette initiative originale revient à la Ricercar Academy qui confère à ces réalisations tout leur caractère romantique, agréable à entendre.

 

Charles-Marie WIDOR : Symphonies pour orgue, op.13.  2CDs Ricercar : RIC 286. TT : 90’04.

Charles-Marie Widor, grand représentant de l’école d’orgue symphonique française, de 1869 à 1933, successeur de J. Fr. Lefébure-Wély aux orgues de St-Sulpice. Il a été professeur d’orgue, de contrepoint, fugue et de composition au Conservatoire.  Ce créateur de la Symphonie pour orgue en a composée 6, dont Joris Verdin, en interprète 4 à l’orgue Cavaillé-Coll de l’Abbaye de Royaumont.  Les 4 Symphonies pour orgue de l’op.13, entre 5 et 7 parties, font alterner des mouvements rapides et des mouvements lents. La première, en do mineur, comporte également un Intermezzo avec un mouvement perpétuel et une marche pontificale triomphante, assez proche de celle de Lemmens ; sa Méditation, sur un rythme de barcarolle, compte parmi ses plus grands succès. Dans la deuxième, en ré majeur, après un Praeludium circulare, la Pastorale comporte également des registres d’écho ; elle se termine par un Finale brillant, avec une Toccata au grand orgue. La troisième, en mi mineur, comporte, entre autres, un Minuetto de style complexe avec double pédale (donc d’exécution difficile). La quatrième, en fa mineur, se souvient du passé et s’impose par une remarquable Toccata et Fugue ; quant au Finale de caractère martial, il n’est pas sans rappeler une Marche de R. Schumann. Excellente illustration de l’école d’orgue symphonique française de la fin du XIX^e et du début XX^e siècle.

 

Frank MARTIN : Werke mit Gitarre.  Musiques suisses (musiques-suisses@mgb.ch) : MGB 6264.  TT : 43’37.

Voici, grâce au pourcentage culturel de la Migros, un nouveau disque sortant des sentiers battus : des œuvres avec guitare du musicien suisse Frank Martin (1890-1974).  Pour commencer : 2 Poèmes de la mort et la Ballade des Pendus (1969-1971) de François Villon chantés avec gravité et réalisme, suivis de Quatre Pièces brèves pour guitare solo (1933), suggérées par Andrés Segovia, œuvre de caractère assez avant-gardiste exploitant la technique dodécaphonique (le célèbre guitariste espagnol, habitant Genève, se garda pourtant de les interpréter). Ce disque propose encore 3 Minnelieder en leur version pour soprano, flûte et guitare (1960).  La première (anonyme, XIII^e s.) aborde l’amour, la peine du cœur et la force de l’âme ; la deuxième, de Dietmar von Eist, concerne une femme seule recherchant son bien-aimé, et qui a vu un faucon, elle souhaite que son amant lui soit rendu ; la troisième chanson d’amour, de Walther von der Vogelweide, évoque aussi le tilleul si cher aux Allemands, le chant du rossignol, les roses…  Le quatrième volet comprend d’abord l’adaptation (par H. Stampa) pour deux guitares d’une Étude pour orchestre à cordes de Fr. Martin.  Et, pour terminer, un texte de Charles d’Orléans : Quant n’ont assez fait dodo / Ces petits enfançonnets…, pour guitare et clavier à 4 mains avec, en introduction instrumentale puis en citation, le thème bien connu de Dodo, l’enfant do… Heureuse association de la tradition littéraire médiévale et du langage musical du XX^e siècle.

 

Antonio VIVALDI : La Stravaganza.  Ricercar : RIC 288. TT : 56’29.

Les perfectionnements dans la facture du violon ont suscité de nombreuses compositions, de Concerti grossi et de Concerti da camera.  L’opus IV : La Stravaganza d’Antonio Vivaldi (1678-1741) comprend douze concertos.  Les musiciens en interprètent sept transcriptions (Concerti 1, 3, 4, 5, 6, 9 et 11) du meilleur effet ; elles frappent par leur diversité stylistique, sollicitant souvent le violon et la flûte à bec, très volubile, associés aux sonorités des hautbois, violoncelle, basson, orgue ou clavecin, guitare et théorbe.  En fin connaisseur, Frédéric de Roos (flûte à bec), à la tête de ses excellents musiciens, dirige, avec légèreté et aisance, ces œuvres tout à fait adaptées à l’Ensemble La Pastorella ; ils recréent l’atmosphère si typique du XVIII^e siècle et rendent aussi un éblouissant hommage à Vivaldi.

 

Nikolaï MIASKOVSKY : Sonates n°2, 3 et 4.  Le Chant du Monde (31-33, rue Vandrezanne, 75013 Paris.  pianco@chantdumonde.com) : AR RE SE 2009/2.  TT : 47’16.

Après la publication des Sonates 3 et 4 pour piano de Nikolaï Miaskovsky (cf. notre Lettre d’information, mai 2009), ce CD comprenant, en outre, la deuxième, vient à point nommé, pour permettre aux interprètes de bénéficier des critères d’interprétation retenus par Lydia Jardon.  Le compositeur, né en 1881 - l’année de la mort du tsar Alexandre II -, mobilisé en 1914, sera, après la chute du tsar, au service de l’état-major. Ce n’est qu’en 1921 qu’il sera professeur au Conservatoire du Moscou ; en 1948, il subira les persécutions et les contraintes de l’Union des compositeurs. Ses Sonates n°2, en fa# mineur (op.13) et n°3, en ut mineur (op.19), en un seul mouvement enchaîné, ne bénéficient pas d’un mouvement lent central, exploitent des registres extrêmes et tournent parfois à l’obsession, avec citations discrètes du thème du Dies irae (Sonate n°2), spéculant sur les contrastes de mouvements Lento et Allegro. Georges Hallfa les rattache à une « perspective spiritualiste sur l’Homme nouveau, que l’idéologie communiste a considéré sous l’angle matériel ».  La Sonate n°4, en ut mineur (op.27), est tripartite : Allegro…, Andante… et Allegro con brio.  L’éminente pianiste se joue de tous les traquenards de ces Sonates, grâce à une technique et une énergie à toute épreuve.

 

Clasicos cubanos del siglo XIX.  CD + DVD Roldan : 117 (CD-Diffusion : 28, route d'Eguisheim, BP 4, F-68920 Wettolsheim.  info@cddiffusion.fr).  TT : 48’.

Les enregistrements de musique cubaine sont assez rares. L’intérêt de cette production est encore rehaussé par un DVD joint au CD.  Les interprètes Niuris Narando Dorta (violon), l’Orchestre de solistes de La Havane, des musiciens invités, tous placés sous la direction précise de María Elena Mendiola, redonnent vie à des œuvres de compositeurs du XIX^e siècle : I. Cervantès, H. de Blanck, J. White, L. Jiménez, peu connus en France.  Caractérisées par une nostalgie prenante, une recherche d’expressivité, elles donnent cependant libre cours à quelques élans romantiques et à un dynamisme généralement contenu.  Le DVD permet aux mélomanes notamment de voir et d’entendre l’orchestre en pleine action.  Excellente formule.

 

Ça se fête !  Olivétan (olivetan@wanadoo.fr) : 9038-1.  69’32.

Cette réalisation est exceptionnelle car elle propose, sur un même disque, une partie audio comprenant 21 chansons de Daniel Priss, Frédéric Humber, Claude Fraysse, Jean-Marc Meyer…, portant sur le lien entre les hommes, l’Hymne de Martin Luther King, l’espoir, la joie, la vie, la misère des enfants, leurs rêves bizarres (loups, araignées, une histoire mal terminée à la télé, troubles)… Le vocabulaire et les idées sont très proches d’eux.  Chaque chant est mis en valeur par un contexte sonore adéquat (instrumentarium, bruitage, voix parlée, effectif variable).  De plus, une partie CD-Rom reproduit textes et partitions de « 12 célébrations pour parents et enfants ».  Le coffret comporte également une plaquette avec les paroles des chansons. La visée pédagogique est évidente, et les chants, très actuels, variés, rendent compte des problèmes de notre temps d’une manière accessible aux enfants. Remarquable initiative des éditions Olivétan et du studio Jazzophone.

Édith Weber

 

Felix MENDELSSOHN : Intégrale des sonates & autres pièces pour orgue.  Edouard Oganessian à l’orgue Walcker du Dôme de Riga.  2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1094.  TT : 70’45 + 75’16.

Sa découverte de J.-S. Bach est probablement à l’origine du l’intérêt que porta Mendelssohn à l’orgue - instrument qui n’avait guère alors les faveurs du public.  En témoigne le présent enregistrement d’une intégrale qui ne dure pas moins de 2h26’.  Dans la superbe interprétation d’Edouard Oganessian, officiant sur l’un des rares orgues romantiques ayant conservé leur sonorité initiale.

 

Gabriel FAURÉ : Le Jardin clos, La Chanson d’Ève, Mélodies.  Karine Deshayes, mezzo-soprano.  Hélène Lucas, piano.  Avec la participation du baryton Stéphane Degout, pour Pleurs d’or.  Livret : Jean-Michel Nectoux.  Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090902.

Aigus splendides, quelques inégalités dans les couleurs vocaliques du medium…  La grande mezzo nous offre ici des interprétations où affleure la plus vive émotion - dans les six célèbres mélodies qui ouvrent l’album : Soir, Les roses d’Ispahan, La rose, Le parfum impérissable, Arpège et Pleurs d’or, aussi bien que dans les luxuriances de La chanson d’Ève et, surtout, les admirables épures du Jardin clos, cycle qui demeure inexplicablement négligé.

 

Claude DEBUSSY : La mer.  Images.  Orchestre philharmonique du Luxembourg, dir. Emmanuel Krivine.  Livret : Harry Halbreich.  Timpani (www.timpani-records.com) : 1C1165.  TT : 58’26.

Visionnaire est Emmanuel Krivine, chef de l’excellent OPL.  Sachant admirablement dégager les contours de ces paysages.  Dans des tempi souvent inaccoutumés - fort loin, en tout cas, des rêveuses sensualités d’un Désiré-Émile Ingelbrecht…

 

Claude DEBUSSY : Sonate pour flûte, alto & harpe.  Six épigraphes antiques, pour flûte, alto & deux harpes (transcription : Fabrice Pierre).  Alain LOUVIER : Envols d’écailles, pour flûtes, alto & harpe (1986).  Patrick Gallois (flûte), Pierre-Henri Xuereb (alto), Fabrice Pierre, Francis Pierre (harpes).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1104.  TT : 57’00.

La réussite de la Sonate de Debussy a opportunément inspiré Fabrice Pierre pour sa transcription pour flûte, alto & deux harpes des diaphanes Six épigraphes antiques du même compositeur, non moins qu’Alain Louvier pour la composition de ses délicats Envols d’écailles, symboles de trois saisons : Envols légers d’un jour de juin (flûte en ut, alto & harpe), Envols furtifs d’une nuit d’été (piccolo, alto & harpe), Envols crépusculaires (flûte en sol, alto & harpe).  Dans l’interprétation d’artistes dont il n’est plus nécessaire de vanter la maîtrise.

 

James DILLON : Philomela.  Opéra en 5 actes.  Anu Komsi, soprano (Philomena), Susan Narucki, soprano (Procne), Lionel Peintre, baryton (Tereus).  Remix Ensemble, Porto, dir. Jurjen Hempel.  2CDs Aeon : AECD 0986.  TT : 91’25.

Voilà assurément l’un des ouvrages majeurs de notre temps.  De par, notamment, la brutalité d’un lyrisme en parfaite adéquation avec la tragédie de Sophocle.  Afin de se venger du viol perpétré sur sa sœur Philomèle, Procné fait manger à son époux Térée les chairs d’Itys, leur propre fils.  Tous trois étant, in fine, métamorphosés en oiseaux…  Interprétation au-dessus de tout éloge.  À quand, sur une scène française ?

 

Pierre WISSMER (1915-1992) : Le quatrième Mage.  Oratorio. Livret de William Aguet.  Judith Gauthier (soprano), Michel Fockenoy (ténor), Jean-Louis Serre (baryton). Récitant : Michael Lonsdale.  Chœur et orchestre de La Trinité, dir. Fabrice Gregorutti.  1CD + 1DVD Marcal Classics : 09 04 01. TT : 52’25.

Suite à la belle plaquette consacrée à ce compositeur par Pierrette Germain & Philippe Rayer (éditions Billaudot), les disques Marcal publient Le quatrième Mage, oratorio en un prologue & cinq chapitres - honoré en 1965 du Prix Paul Gilson -, juste hommage à un musicien qu’il serait heureux de voir sortir de ce purgatoire où l’avaient relégué les « Trente furieuses » (Cf. : www.pierrewissmer.com).

              

 

Gérard SIRACUSA : Drums Immersion.  Collection sonore : « Signature ».  Radio France (www.kiosque.radiofrance.fr) : SIG11065.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 50’18.

Il s’agit là - en jeu direct - d’une suite de sept solos dédiés à la batterie : Rouge/ Flagrance/ Monologue/ Immersion/ Émergence/ Illusion/ Hommage.  « Argumentée, enjouée aussi, une drumologie inventive est là, flagrante » écrit fort justement Christian Tarting, auteur de la notice.  Pour tout percussionniste, ce disque sera une merveilleuse source d’idées : « Selva chiara » (Forêt claire).

 

Les Archives internationales de musique populaire de Genève (www.adem.ch) & les Disques VDE-Gallo (www.vdegallo.ch) poursuivent leur heureuse collaboration.  Ainsi de leurs récentes publications en CD (assorties de livrets fort complets) :

• Bulgarie : L’art de la gadulka.  2008.  VDE : CD-1278.  TT : 69’36 (17 plages). Textes : Jérôme Cler
• Pérou : Musique des Awajún et des Wampies - Amazonie, vallée du Cenepa.  2004-2006.  VDE : CD-1279.  TT : 62’19 (36 plages).  Textes : Raúl Riol et alii
• Grèce : Musiques pour flûte – O Skáros.  1966-2007.  VDE : CD-1280.  TT : 71’08 (40 plages).  Textes : Wolf Dietrich
• Swaziland : Chants des Swazi.  2005.  VDE : CD-1283.  TT : 64’04 (16 plages).  Textes : Mark Bradshaw

        

 

Invent’Airs.  Les musiciens CMR du Val-de-Marne (Tél. : 06 63 38 03 15.  www.lescmr.asso.fr).

Délicieux ensemble de chansons imaginées & interprétées par une joyeuse équipe de CMRistes : Claire Filliard (guitare, balafon, chant), Étienne Filliard (batterie), Agnès Friberg (auteur, compositeur, flûtes, accordéon, guitare, chant), Dominique Grassart (saxophone, chant), Thierry Guérin (auteur, compositeur, guitare, banjo, percussions, chant), Dominique Jacques-Jean (auteur, compositeur), Aurélie Pongnian (claviers, chant).  Neuf titres qui feront la joie de tous publics : Le Banjo, Quatre éléments (la bande des quatre), Le clown, Le club des cinq sens, Be Bop Euloula, Le zoo music, Henri, Shéhérazade, Dis-moi Papa Dembo.

Francis Gérimont

 

Airs de differens Autheurs donnés à une Dame.  Sébastien & Charles LE CAMUS. Marc-Antoine CHARPENTIER.  Ensemble Les Meslanges.  Hortus : 062.  TT : 58’30.

Composés à la manière d’une conversation dans les salons féminins du Grand Siècle, ces airs sérieux mêlent expressivité mélodique et déclamation théâtrale, le chanteur devient acteur à part entière, voire danseur. Les « Le Camus », père et fils, étaient des maîtres du genre comme en témoigne Madame de Sévigné dans sa correspondance.  À la qualité des instrumentistes (Emmanuelle Guigues, viole de gambe ; Manuel de Grange, luth & théorbe), il convient d’adjoindre la performance de Thomas Van Essen, baryton, dans son effort pour respecter la prononciation, l’ornementation et autres artifices techniques vocaux, en accord avec le traité de Bertrand de Bacilly L’art de bien chanter (1668).

 

Peter ANDERS : Récital.  Œuvres de Lehar, Kalman, Smetana, Strauβ, Giordano, Strauss, Verdi.  Audite : 23.419.  TT : 78’50 + 64’17.

Occasion de réécouter, sur ces enregistrements radiophoniques de 1949-1951, le ténor allemand Peter Anders (1908-1954) qui bénéficia d’une grande popularité dans les années 1930-1940.  Ces deux CDs permettent d’apprécier ses interprétations dans des répertoires aussi différents que l’opérette, le lied, l’opéra.  Volontiers comparé à Fritz Wunderlich, dont il partagea la tessiture et le destin tragique, il s’en distingue toutefois par l’évolution de sa carrière qui, les années passant, lui permirent d’aborder non seulement les rôles de ténor lyrique mais également les rôles de ténors dramatiques verdiens et wagnériens. Ce disque rejoint une importante discographie menée sous la baguette des plus grands chefs, notamment  Willhem Furtwängler et Ferenc Fricsay.  Si la prise de son est un peu étriquée, la diction est excellente, la voix est belle, chargée d’une émotion donnant tout son poids à l’interprétation, ample dans l’aigu, quoiqu’un peu forcée parfois.

 

Mostly Villa-Lobos : 20^th Century Piano Music from the Americas.  Œuvres de Nazareth, Souza Lima, Barrozo Netto, Guarnieri, Cervantes, Cowell, Muczynski et Villa-Lobos.  Sergio Gallo, piano.  Eroica Classical Recordings : JDT 3425.  TT : 54’44.

Florilège de pièces pianistiques du XX^e siècle nous permettant d’entendre différents compositeurs pour la majorité sud-américains, sous les doigts de Sergio Gallo.  Son interprétation claire, parfois virtuose, s’adapte parfaitement à la variété du répertoire, aux accents tantôt romantiques, tantôt folkloriques, parfois résolument modernes où l’on sent poindre l’influence du vieux continent.  Un disque qui montre - s’il en était encore besoin - que la musique ne connaît pas de frontières.

 

Ludwig van BEETHOVEN : Bläsermusik.  Œuvres de Beethoven, Ferdinand Ries, Franz Danzi.  Ricercar Academy, Claude Maury (cor), Guy Penson (piano-forte).  RIC : 287.  TT : 66’08 + 54’39.

Ce coffret comporte deux disques : le premier nous donne à entendre plusieurs œuvres de Beethoven pour instruments à vent, le second, trois sonates pour cor naturel & piano-forte. Les œuvres de Beethoven pour instruments à vent sont des compositions de jeunesse, apparentées à la sérénade du XVIII^e siècle qui ne sont pas sans rappeler Mozart et ses œuvres maçonniques, ces « musiques à jouer », terrain d’expérimentation à de nouvelles formations instrumentales, parfois surprenantes, dégageant un climat amical et fraternel où transparaît le plaisir de jouer ensemble.  Les trois sonates, de Ries, Beethoven et Danzi, mettent en avant le thème romantique de la forêt (Waldhornsonaten), en même temps que les possibilités techniques et expressives du cor naturel qui sera bientôt supplanté par le cor à piston.  L’ensemble bénéficie, par ailleurs, d’une technique instrumentale irréprochable et d’une interprétation remarquable de justesse et de sensibilité.

Le Berger Poète. Suites & Sonates pour flûte & musette.  Les Musiciens de Saint-Julien. François Lazarevitch.  Alpha : 148.  TT : 72’07.

Cet enregistrement prouve sans conteste que la « musette » n’est pas seulement un instrument pastoral réservé aux petits airs des fêtes galantes, mais également un instrument « sérieux » associé à la flûte traversière et à la vielle à roue dans ces compositions de Jacques Hotteterre et de ses contemporains.  Un enregistrement empreint de simplicité, de sérénité, de liberté et de joie.  Un beau disque pour les amateurs de musique baroque.

Récital au Japon : Christophe Boulier (violon) Sayat Zaman (piano).  Promusica, association artistique.  Stick Music : P0902.  TT 53’12.

Ce disque est le prolongement de la tournée de concerts de ces deux artistes au Japon et particulièrement à Osaka et Yokohama, à l’occasion du 150^e anniversaire officiel des relations franco-japonaises. L’occasion d’écouter Christophe Boulier dans une interprétation remarquable du Poème de Chausson, de la Sonate de Ravel, du 23^e Caprice de Locatelli, de la Polka guerrière de Bull et de la Danse macabre de Saint-Saëns. La virtuosité du violon est tempérée par l’intelligence de l’interprétation et l’accompagnement clair et tout en sensibilité du piano. Des applaudissements mérités puisqu’il s’agit d’un enregistrement live.

 

Joseph HAYDN : Sept « London » Symphonies.  Chamber Orchestra of Europe, dir. Claudio Abbado.  4CDs DG : 4778117.  TT : 48’59 + 42’55 + 55’35 + 53’48.

Ce coffret de quatre CDs présente les sept symphonies dites « londoniennes » de Joseph Haydn, composées lors de ses deux séjours à Londres en 1791-1792 (Symphonies n°93, 96, 98 et Symphonie concertante) et 1794-1795 (Symphonies n°100, 101, 102 et 103).  Superbe interprétation de Claudio Abbado et de son Orchestre de chambre d’Europe, solennelle, contrastée, énergique, expressive et fantaisiste qui redonne à Haydn tout son entrain.  On retrouve toute l’élégance du chef et le plaisir de jouer de l’orchestre dans une symbiose jubilatoire.

 

Happy Birthday, Elliott Carter ! New Chamber Works.  Swiss Chamber Soloists.  Neos (vol.2) : 10816 .  TT : 63’28.

S’il fallait qualifier en quelques mots la musique de chambre d’Elliott Carter telle qu’elle nous apparaît dans ce disque, ce serait sans nul doute par les mots « élégance » et « profondeur ». Élégance de la composition tout en scintillements, légèreté, mobilité, jeux et contrastes, comme un mobile de Calder, mais aussi profondeur et mystère, comme un tableau de Soulages, tant il est vrai que cette musique est chargée d’images.  Se succèdent dans cet enregistrement plusieurs compositions pour harpe, alto, flûte et violoncelle, soprano, instruments à vent et quatuor à cordes - pour autant d’émotions.  Un grand disque qu’il faut écouter et réécouter, car, comme le conseille Heinz Holliger, dédicataire de plusieurs pièces : « Ne joue ou n’écoute jamais de la mauvaise musique, la vie est trop courte ». Encore une fois : Happy Birthday, Elliott Carter ! Et merci pour tout !

 

BACH, BIBER, PISENDEL, WESTHOFF : L’art du violon seul dans l’Allemagne baroque.  Mira Glodeanu.  Disques Ambronay : AMY019 (Distrib. Harmonia Mundi).  TT : 65’01.

Le violon seul de Mira Glodeanu (Groblicz, 1604), pour nous guider dans ce voyage à travers l’Allemagne baroque, de Bach, à Biber, Westhoff et Pisendel… Une indiscutable réussite qui associe une interprétation grave et lumineuse - mêlant méditation, virtuosité, élégance - à une sonorité sombre et profonde où les résonances occupent l’espace sonore dans une véritable polyphonie.  La communion entre l’artiste, l’instrument et le répertoire apparaît, ici, comme une évidence.

 

Belle Virginie : Musique pour la Nouvelle France.  Le Concert de l’Hostel Dieu, Franck-Emmanuel Comte.  Ambronay : AMY021 (Distrib. Harmonia Mundi).  TT : 50’54.

Chansons populaires et maritimes de l’ancien et du nouveau monde dans une orchestration traditionnelle et baroque... Malheureusement cette invitation au voyage reste le plus souvent sans effet, nous laissant désespérément sur le quai, loin du grand vent du large… Pour amateurs résolument optimistes, dépressifs s’abstenir !

 

Franz LISZT : « Un portrait ».  Guillaume Coppola, piano.  Calliope : CAL 9412. TT : 75’26.

Projet original et ambitieux de consacrer son premier enregistrement à un portrait de Franz Liszt. Parmi les multiples facettes du compositeur, Guillaume Coppola a choisi d’illustrer le voyageur passionné de littérature et de poésie (Vallée d’Obermann), mais également l’ami (Consolations où plane, de façon prégnante, l’ombre de Chopin), ou encore l’amoureux fervent (Rêve d’amour) ou le patriote (Funérailles et Rhapsodies) et enfin l’homme de foi et le mystique (Saint François et Méphisto). Un très beau disque où la virtuosité certaine du jeu pianistique sait s’effacer devant  la qualité de l’interprétation, inspirée, toute en clarté, finesse et sensibilité.

 

La saveur des dissonances.  Giovanni de MACQUE, Louis COUPERIN, Henry PURCELL, Georg MUFFAT, Jean-Pierre ROLLAND…  Jean-Pierre Rolland à l’orgue, Saint-Jean-de-Losne.  Hortus : 072.  TT : 69’03.

L’art de la dissonance et celui de l’ornementation constituent le dénominateur commun de ce programme, dont le but est d’élargir le cadre du style classique français.  Aux œuvres de Macque, Cabezón, Roberday, Couperin, Cabanilles, Marchand, Purcell, Bach, Froberger et Muffat, s’associent trois compositions de J.-P. Rolland, explorant la dissonance dans les domaines du timbre (Diffraction), du rythme (Polychronisme) et de la mélodie (Fulminescences). Enregistrement sur l’orgue Bénigne Boillot (1768) de l’église Saint Jean-Baptiste, à Saint-Jean-de-Losne. Un disque original.

 

Edvard GRIEG (1843-1907) : Sonate pour violon et piano n°3, en do mineur.  Nicolaï MEDTNER (1880-1951) : Sonate pour violon et piano n°3, en mi mineur.  Svetlin Roussev (violon), Frédéric d’Oria-Nicolas (piano). Fondamenta : FON-0902002. TT : 65’14.

Ce programme illustre deux univers singuliers, inspirés des folklores norvégien et russe. La Sonate de Grieg, probablement la plus connue du compositeur, est un modèle d’équilibre entre instruments, empreinte de lyrisme, de douceur, de poésie et de volupté.  Interprétation remarquable, tout en finesse, chargée d’images et d’émotions, digne de celle, enregistrée en 1928, par Kreisler & Rachmaninov.  Bien différent est le climat de la sonate monumentale « Epica » de Nicolaï Medtner.  Lyrico-épique, virtuose, poussant les deux instruments aux limites de leurs capacités, mêlant thèmes religieux et populaires dans un parfait équilibre, cette sonate et son compositeur méritent d’être redécouverts.  L’interprétation est, là encore, à la hauteur de la composition.  Une réussite.

Patrice Imbaud

 

Antonio VIVALDI : Gloria RV 589, précédé du motet Ostro picta, armata spina RV 642. Gloria RV 588.  Sara Mingardo, contralto. Concerto Italiano, dir. Rinaldo Alessandrini. Naïve : OP 30485. TT : 66'59.

Belle idée que d'avoir, sur un même CD, réuni les deux versions que Vivaldi a consacrées au Gloria. La facture des deux pièces présente des différences notables, l'opus 589 étant, selon le chef Alessandrini, « plus théâtral, plus moderne ».  Le geste est en effet éclatant, presque grandiose à l'aune du premier mouvement tout d'envolée allègre.  Admirable encore que la vivacité joyeuse du Laudamus te.  L'opus 588 est plus intérieur, tourné qu'il est vers un récent passé polyphonique. Il est fascinant de comparer un même mouvement dans chacune des deux versions, tel le Qui sedes ad dexteram Patris : ce qui est marqué largo dans la première version devient allegro dans la seconde, avec accompagnement de violon plaintif.  La fugue finale, rehaussée de trompette, ne manque pas dans les deux cas d'impressionner par ses proportions. Alors que l'opus 588 est doté d'une introduction en trois parties, directement rattachée au Gloria in excelsis Deo, le parti a été pris de faire précéder le Gloria RV 589 d'une entrée en matière empruntée à un motet dans la même tonalité.  Rinaldo Alessandrini livre des interprétations fastueuses, amples, aux tempos soutenus, dotés d'une grande vivacité d'accents. Son Concerto Italiano est chatoyant par ses instrumentistes comme par ses chœurs, d'effectifs réduits. Certains de ceux-ci deviennent solistes à l'occasion.  Sara Mingardo, de sa magnifique voix de contralto, ajoute à la réussite de cet album.

 

« Il Pianto di Maria ».  Antonio VIVALDI : Sonate pour cordes & basse continue « Al Santo Sepolcro », RV 130.  Concerto pour cordes « Madrigalesco », KV 129. Sinfonia pour cordes « Al Santo Sepolcro », KV 169.  Giovanni Battista FERRANDINI : Il Pianto di Maria.  Biaggio MARINI : Passacaille pour cordes & basse continue.  Claudio MONTEVERDI : Pianto della Madonna.  Francesco Bartolomeo CONTI : Il martirio di San Lorenzo.  Johann Georg PISENDEL : Sonate pour deux hautbois, cordes & basse continue.  Il Giardino Armonico, dir. Giovanni Antonini.  L'Oiseau-Lyre : 4781466.  TT : 60'54.

Le thème de la Passion du Christ, évoquée à travers la parole éplorée de Marie, a inspiré plus d'un compositeur de l'époque baroque. Monteverdi fut même un précurseur, dans son Lamento d'Arianna, puisqu'il y met en musique l'évocation de La plainte de la Madonne.  Ferrandini, musicien vénitien (1710-1791), presque deux siècles plus tard, reprendra le thème pour en faire une cantate sacrée : Les pleurs de Marie, dont il est précisé « à chanter devant le Saint Sépulcre ».  Cette pièce de belles proportions offre une déclamation souvent délivrée sur le ton de la confidence, culminant sur la stance « Égale à son immense amour, immense fut sa souffrance », enluminée ici par le riche timbre de Bernarda Fink.  Le programme est complété par diverses compositions vocales et purement instrumentales de Conti, dans un air avec chamuleau obligé (ancêtre de la clarinette), de Marini et encore de Vivaldi : l'étonnant concerto « Il Madrigalesco » - hommage à l'art de Monteverdi ? - qui s'inspire des œuvres de caractère sacré de l'auteur, et la sonate titrée « Al Santo Sepolcro ».  C'est encore le cas d'une sonate de Pisendel, élève et ami de Vivaldi. Toutes ces pièces sont jouées sans solution de continuité, formant une vaste et belle méditation.

 

Giovanni Battista PERGOLESI : Stabat Mater.  Concerto pour violon et orchestre.  Salve Regina.  Rachel Harnisch, soprano, Sara Mingardo, contralto, Julia Kleiter, soprano. Giuliano Carmignola, violon.  Orchestra Mozart, dir. Claudio Abbado.  Archiv Produktion : 477 8077.  TT : 65'12.

La courte carrière de Jean-Baptiste Pergolèse - quelque cinq ans - aura été fructueuse, abordant tous les genres musicaux.  Mais c'est sans doute celui de la musique sacrée qui lui vaudra la célébrité, en particulier son Stabat Mater.  Il est intéressant d'en redécouvrir la richesse dans une interprétation recueillie et d'une grande sensibilité. Claudio Abbado a réuni une quinzaine de cordes auxquelles il a ajouté un lute.  Le caractère intimiste de la pièce en ressort d'autant, comme son émouvante simplicité. L'invention mélodique constamment renouvelée, ces accents qui frôlent le domaine de l'opéra, à l'occasion presque primesautiers - si étonnants pour une Séquence de déploration – on les savoure dans cette exécution marquée au coin de la grandeur dépouillée.  Deux voix d'une exceptionnelle pureté la distinguent encore, qui vocalisent avec délicatesse, le chaud soprano de R. Harnisch s'unissant à merveille avec le sombre timbre de contralto de S. Mingardo dans les magnifiques duos.  Le Salve Regina, dont certaines tournures ne sont pas sans rappeler celles du Stabat Mater, forme un complément idéal, là où l'invocation se fait plus extérieure ; non que l'expression ne célèbre encore une tristesse contenue. Le Concerto pour violon forme un contraste bienvenu, alors que joué avec pudeur. Là encore, l'effectif réduit permet d'apporter au discours une sensible articulation.

 

Gabriel FAURÉ : Mélodies… Quatre mélodies op. 51, Deux mélodies op. 57, Cinq mélodies de Venise op. 58. Deux mélodies op. 76. Deux mélodies op. 83. Trois mélodies op. 85. Deux mélodies op. 87. Deux mélodies de 1906.  Yann Beuron, ténor.  Billy Eidi, piano.  Timpani : 1C1162.  TT : 51'41.

Dans la production de Fauré, les mélodies tiennent une place de choix, empruntant à l'esthétique symboliste, puisant chez les meilleurs auteurs, Verlaine, Baudelaire.  Si l'on devait rechercher une correspondance en peinture, c'est dans les pastels de Fantin-Latour qu'il faudrait se tourner, estime Jean-Michel Nectoux qui définit ainsi l'esthétique de l'auteur de Pénélope : « exprimer l'indicible, se libérer de la tyrannie du mot, bannir l'anecdote, le convenu, le détail platement réaliste, mépriser l'effet, fuir la couleur locale, la scène à faire, le cliché ».  Tout cela, on l'apprécie aussi bien dans ce cycle central que forment les Mélodies de Venise, où affleure la quintessence de l'art fauréen, qu'à travers la myriade de piéces réunies ici, couvrant la période 1888-1904.  Douce mélancolie y rime avec charme voluptueux.  Le timbre clair et rayonnant de Yann Beuron est une joie, comme son souci de l'articulation souple et la maîtrise des inflexions typiques, sans jamais verser dans la préciosité.  Seuls, peut-être, quelques passages aigus le trouvent moins à l'aise. Le pianiste Billy Eidi, détenteur du Prix Gerald Moore, se montre plus qu'un accompagnateur.  Les harmonies raffinées du discours fauréen, souvent à travers une grande richesse du jeu, enchâssent la ligne subtile de la voix, et font que paroles et musique participent du même élan.

 

Gabriel PIERNÉ : Cydalise et le chèvre-pied. Ballet en deux actes et trois tableaux.  Collège vocal de la cathédrale de Metz.  Orchestre philharmonique du Luxembourg, dir. David Shallon. Timpani : 1C1174. TT : 73'.

Le ballet Cydalise et le chèvre-pied de Gabriel Pierné (1863-1937) s'inscrit dans le sillage de Daphnis et Chloé de Ravel - qu'il créa d'ailleurs -, de par le sujet, emprunté à quelque antiquité idéalisée, mâtiné ici d'une action classique de ballet de cour, puisque celle-ci, imaginée par les fameux duettistes de la scène théâtrale, de Flers et Caillavet, se situe à Versailles ; un même sens de l'évocation, notamment par l'intervention de chœurs murmurés ; un art également raffiné de la fantaisie narrative alternant scènes à caractère intimiste et grands ensembles.  Les proportions de la pièce de Pierné sont vastes et l'effectif requis impressionnant ; ce qui lui permet d'enchâsser une action dans l'action, un ballet à l'intérieur du ballet, confèrant au récit tout son piquant.  Car l'humour n'est pas la moindre originalité ici, à travers les tribulations du faune Styrax.  L'écriture orchestrale est raffinée, tirant sur le mode ancien, dette à l'académisme fin de siècle, mais aussi ouvert aux idées nouvelles en matière d'harmonie et de rythme.  La mise en valeur des bois est remarquable, les flûtes en particulier qui se voient offrir des solos évocateurs. L'interprétation mise, à juste raison, sur la clarté du discours, sa fraîcheur première, son vrai charme gallique.

 

Serge RACHMANINOV : La pudeur romantique… Sonate n°2, op.36.  Six Moments musicaux, op.16.  Trois Préludes, op.23 n°5 et 6, et op.32 n°10.  Études-tableaux, op.33 n°3, et op.39 n°1 et 5.  Mikhaïl Yurkov, piano.  Hortus : 069. TT : 63'05.

Le titre du CD peut paraître excessif. Du moins cherche-t-il à atténuer cette idée fort répandue selon laquelle Serge Rachmaninov est avant tout le compositeur d'un romantisme exacerbé, d'une musique démonstrative à l'aune des dons d'interprète qui étaient les siens.  Son piano est, certes, empreint de virtuosité ; en diable parfois, exigeant beaucoup de ceux qui le pratiquent. Mais il serait réducteur de s'arrêter là.  La manière élégiaque échevelée cache une recherche de plénitude mélodieuse. Car il y a chez ce maître, qui a confié au clavier la profondeur de son être, quelque chose d'intensément lyrique. Le présent disque propose des pièces couvrant la période 1896-1917. De riches harmonies, tout en rondeur, et des tonalités recherchées distinguent des pièces comme les Moments musicaux - discret hommage à Schubert - d'une fraîcheur et d'une spontanéité vraies.  Ces qualités parent certains des Préludes aussi, tel l'op.23 n°5 qui évolue dans le registre du nocturne et du contemplatif.  Bien sûr, le grand pianisme est là, bien présent, en particulier dans la Sonate n°2 où alternent traits martelés et réminiscences de sonnerie de cloches, mais aussi tournures lyriques, climats tempétueux et assagis.  Le pianiste russe Mikhaïl Yurkov satisfait à tous ces défis avec un sens rare du phrasé et une belle habileté à débrouiller une rythmique souvent changeante.

 

DVD

W.A. MOZART : Die Zauberflöte.  Ileana Cotrubas, Peter Schreier, Edita Gruberova, Marti Talvela, Christian Boesch, Walter Berry.  Wiener Philharmoniker, dir. James Levine.  Régie : Jean-Pierre Ponnelle.  Salzburg 1982.  2DVDs TDK : DVWW-CLOPMF. TT : 189'.

Le Festival de Salzbourg a généré, au cours de son histoire récente, des productions mythiques des opéras de Mozart, dont le dénominateur commun reste la sonorité unique des Wiener Philharmoniker.  Ainsi en est-il de La Flûte enchantée, mise en scène par Jean-Pierre Ponnelle qui, à partir de 1978, fera les beaux soirs du Festival des années durant, et captée en 1982 dans ce lieu unique qu'est la Felsenreitschule (Salle du manège des rochers).  Légendaire en effet que cette présentation qui réussit le tour de force d'englober tous les aspects d'une œuvre protéiforme : sa signification maçonnique, par des références suggestives dans la décoration et les attitudes, son ancrage dans le siècle des Lumières, son caractère populaire façon théâtre de tréteaux par la gouaille d'un Papageno qui aura rarement été autant le Naturmensch voulu par ses auteurs, ou encore l'opposition, non manichéenne cependant, entre monde de la nuit et forces de la lumière.  Avec tact et suprême distinction sont dessinés des personnages qu'habitent autant la vérité que la tendresse.   On ne compte pas les morceaux d'anthologie dans les échanges, les traits finement perçus, les ensembles magistralement maîtrisés.  Une vision à placer au rang de référence stylistique, magnifiée par une exécution vocale prestigieuse comme savait alors en afficher le festival.

 

W.A. MOZART : Così fan tutte.  Margret Marshall, Ann Murray, Katleen Battle, Francesco Araiza, James Morris, Sesto Bruscantini.  Wiener Philharmoniker, dir. Riccardo Muti.  Régie : Michael Hampe.  Salzburg 1983. 2DVDs TDK : DVWW-OPCFTSF.  TT : 188'.

Così fan tutte, saisi à l'été 1983, fait nul doute figure d'interprétation classique. Michael Hampe y prône le souci de l'élégance. Un somptueux décor de palais en bord de baie de Naples forme l'écrin d'une mise en scène qui, sous une apparente sagesse, décrypte finement ce qui appartient, chez Mozart, au théâtre d'amour. Si elle cultive avantageusement les effets de symétrie, rien n'y est appuyé. Elle ne s'encombre pas de sous-entendus et de réinterpretation, mais évoque le doute subtil, les hésitations, le trouble. Les caractères sont plus suggérés que soulignés. Le cynique Alfonso tire les ficelles mais sait ne pas sombrer dans l'excès.  Despina lui donne une réplique alerte, sans le côté forcé qui encombre bien des régies actuelles. Les quatre jeunes gens amoureux seront manœuvrés, fragiles qu'ils sont dans leur entreprise de coquetterie galante. L'exécution musicale d'une alacrité toute italienne et un vrai sens de l'ensemble parachèvent un spectacle dont la qualité résiste au passage du temps.

 

W.A. MOZART : La Clemenza di Tito.  Michael Schade, Vesselina Kasarova, Dorothea Röschmann, Elina Garanca, Barbara Bonney, Luca Pisaroni.  Wiener Phillharmoniker, dir. Nicolaus Harnoncourt. Régie : Martin Kusej.  Salzburg 2003.  2DVDs TDK : DVWW-OPCLETI.  TT : 160'.

Filmée en 2003, la production de La Clémence de Titus proclame l'audace de la régie de Martin Kusej.  En vingt ans les choses ont radicalement évolué en matière de dramaturgie, comme de prise de vue. L'analyse spectrale des idées sous-tendant l'opéra a fait son apparition. Foin de premier degré, chaque nuance de l'action est passée au crible.  Les sentiments sont exacerbés, les affrontements soulignés presque au point de rupture, et les visions souvent chaotiques, tel l'incendie du Capitole.  Les jeux de pouvoir sont burinés au scalpel comme le conflit de conscience de l'empereur magnanime. Les récitatifs prennent un relief d'une rare justesse et les arias font figure de modèles de chant habité.  L'immense décor de palais délabré, sur plusieurs niveaux, emplit le plateau de la Felsenreitschule, théâtre d'un drame intense.  La caméra, qui suit au plus près la régie d'acteurs, saisit des images d'une force inouïe, gros plans expressifs, vues latérales, et d'une réelle beauté suggestive.  Un cast de rêve, choyé par un chef charismatique, enlumine cette version radicale d'un drame accompli.

Nota : Les trois opéras, disponibles séparément, sont aussi réunis en un coffret, sous le titre : Mozart at the Salzburg Festival (réf. : DVWW-GOLDBOX5).

 

Engelbert HUMPERDINCK : Hänsel und Gretel.  J. Holloway, Adriana Kucerova, Wolfgang Ablinger-Sperrhacke, I. Vilsmaier, Klaus Kuttler.  London Philharmonic Orchestra, dir. Kazushi Ono.  Régie : Laurent Pelly.  Glyndebourne 2008.  Decca : 074 3361.  TT : 108'.

Comme tout conte de fées Hänsel et Gretel recèle une face cachée sombre, voire tragique, que les mises en scènes modernes se plaisent à mettre en évidence, tournant le dos aux clichés de l'opéra pour enfants.  La régie de Laurent Pelly, créée pour le festival de Glyndebourne, renchérit sur cette tendance. L'atmosphère y est plus inquiétante que réjouissante, et ce qui passe généralement pour mauvaise farce prend ici un caractère effrayant. Dès le premier tableau, le ton est donné : la maison des enfants sera en carton mâché, rafistolé de papier collant, qu'habite une famille désœuvrée. La forêt devient un lieu glauque d'après tempête, jonché de détritus et autres sacs en plastique. Surtout, la cabane de la sorcière est un rayon de supermarché empli d'une montagne de friandises qu'offre gratis une avantageuse mégère en tailleur rose bonbon.  Elle se transformera en un inquiétant sosie de Mime, prêt à dévorer ses jeunes proies - clin d'oeil à Wagner dont les tournures sont si présentes.  La critique d'une société en mal d'éducation est sans merci, qui au happy end, alignera une ronde d'enfants obèses à force de sucreries ; lecture sans pitié qu'animent des jeux de physionomie plus vrais que nature, sur lesquels se complaît la caméra. Un vision pessimiste servie par une direction musicale fort nuancée.

Jean-Pierre Robert

 

Ludwig van BEETHOVEN : VII^e Symphonie.  Max BRUCH : 1^er Concerto pour violon.  Igor STRAVINSKY : Symphonie en trois mouvements.  Berliner Philharmoniker, dir. Sir Simon Rattle.  Vadim Repin, violon.  Medici Arts (www.medici.tv) : 2056978.  TT : 92’00.

Merveilleux Simon Rattle qui a réussi à débrider cette mécanique de haute précision qu’est le Berliner Philharmoniker, en ouvrant notamment son répertoire aux musiques baroques et contemporaines (depuis sa prise de fonctions, ont ainsi été interprétées des œuvres de 63 compositeurs).  Le 1^er mai 2008 (date anniversaire de la création de l’orchestre, le 1^er mai 1882), il dirigeait à Moscou, en la salle des concerts du Conservatoire Tchaïkovski - alliant souplesse et intensité - la 7^e Symphonie de Beethoven, la Symphonie en trois mouvements de Stravinsky et, avec en soliste le grand Vadim Repin, le 1^er Concerto pour violon de Max Bruch.  Mémorable soirée, d’autant plus que le Berliner n’était pas retourné à Moscou depuis ses concerts de 1969, lorsque Karajan dirigea - en présence du compositeur ému aux larmes - la X^e Symphonie de Chostakovitch.

 

Alfred DELLER (1912-1979) : Portrait d’une voix.  Film de Benoît Jacquot.  INA/Harmonia Mundi : HMD 9909018.  1DVD (TT : 60’05) + 1CD (TT : 79’12).

Livret assorti de fervents témoignages, signés Gustav Leonhardt, Bernard Coutaz, Nicolas Harnoncourt, René Jacobs, Paul Elliott…, voilà certes un indispensable à votre DVDthèque.  L’entretien comporte – émaillé de pièces de Thomas Campion, Philip Rosseter, Thomas Morley, Henry Purcell… – une interview de 60’05, dans laquelle Alfred Deller nous entretient (excellents sous-titrages) de la voix de contre-ténor, du parler-chanter, de son adolescence, de son travail et de ses publics, d’Henry Purcell, du Deller Consort, de nature et d’artifice, de musique et de curiosité, etc.  Passionnant ! Quant au CD, il comporte 20 titres - dont 9 pièces sur des poèmes de Shakespeare, et quelques autres signées John Blow, John Dowland, Giulio Caccini, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell…  À également conseiller à tout psychiatre dont des patients auraient à se mettre au clair avec… leur « masculinité ».

 

Jean GUILLOU (°1930) : La Révolte des Orgues op.69, pour grand orgue, huit orgues positifs, percussions & chef d’orchestre.  Film de Tomasz Cichawa : L’Alchimie de la Révolte.  Oko Films (26, rue des Rigoles, Paris XX^e. okofilms@free.fr). TT : 130’00

Du génial organiste, voilà assurément le grand œuvre.  À la console principale est, bien sûr, le compositeur, entouré de Roberto Bonetto, Winfried Bönig, Bernhard Buttmann, Silvio Celeghin, Jürgen Geiger, Franco Vito Gaiezza, Giampaolo Di Rosa & Jürgen Wolf.  Aux percussions : Hélène Colombotti.  Direction : Johannes Skudkik.  La Révolte des Orgues était enregistrée en concert, le 19 juin 2007, à Saint-Eustache (durée de la vidéo : 30’04).  Dans L’Alchimie de la Révolte, film documentaire de Tomasz Cichawa, Jean Guillou nous dévoile les origines de l’œuvre ainsi que les coulisses de l’installation du dispositif requis, puis des répétitions.  En bonus : l’Improvisation par Jean Guillou qui clôturait le concert (durée de la vidéo : 6’38) et le Concerto pour deux claviers en fa majeur de Wilhelm Friedemann Bach (interprètes : Jean Guillou & Johannes Skudlik).  Il s’agit là du premier DVD de la série « Jean Guillou : Présence(s) » que produit Oko Films.  Voir aussi : www.jeanguillou-dvd.org

Francis Gérimont

 

The Metropolitan Opera Centennial Gala.  Live from the Met, 22 October 1983 .  Met Opera Orchester, Chorus & Ballet.  Music director : James Levine.  2DVDs Deutsche Grammophon : 00440 073 4538.  TT : 231’00.

Superbe coffret de deux DVDs, enregistré en direct lors du gala du 22 octobre 1983, célébrant le centenaire du Met (1883-1983).  Ce « gala suprême » est l’occasion de voir et d’écouter les plus belles voix du moment en duos (Catherine Malfitano & Alfredo Kraus, Placido Domingo & Mirella Freni, Renato Bruson & Grace Bumbry, José Carreras & Montserrat Caballé, Luciano Pavarotti & Leontyne Price, pour n’en citer que quelques uns…) ou en solos (Kiri Te Kanawa, Eva Marton, Ruggero Raimondi, Joan Sutherland, Nicola Gedda, Anna Tomowa-Sintow, Ileana Cotrubas, Marilyn Horne, Birgit Nilsson…), et d’autres ensembles encore, sous la baguette des plus grands chefs (James Levine, Leonard Bernstein, Jeffrey Tate…), à la tête d’un orchestre à la hauteur de l’événement. Il serait mesquin d’émettre la moindre critique…  Tout simplement sublime… et indispensable !

Patrice Imbaud