François COUPERIN : Messes à l’usage des paroisses & des couvents.  Aude Heurtematte à l’Orgue historique de St. Gervais, Paris.  2CDs Zig Zag Territoires : ZZT 090403.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 52’36 + 43’38.

Le beau disque ! L’admirable enregistrement ! Si les mots vous manquent à son écoute, c’est que l’interprète, Aude Heurtematte, s’y hisse à la hauteur du compositeur François Couperin, relevant brillamment la gageure d’exalter la discrète singularité de ce géant musical du premier XVIIIe siècle.  Restituant ses deux messes de jeunesse, cette magnifique virtuose ne rend pas seulement hommage à l’un des artisans de la plus faste période de la musique française, elle donne aussi à entendre un total de pages dont l’étonnante originalité le dispute à la scintillante qualité d’écriture.  Heureuse conjonction d’un compositeur à qui l’instrument roi de l’ère baroque semble avoir livré ses plus surprenants secrets et d’une interprète en mesure d’en restituer les plus subtils échos ! La quête est parfois malaisée, mais toujours magique, dans ces pages magistrales, du fil labyrinthique qui, à l’image d’une aube estivale fuyant parmi les marbres ciselés d’une cité imaginaire, entraînerait l’auditeur aux frontières confuses d’un indicible enchantement.  Maîtresse de son art, Aude Heurtematte extrait des profondeurs de l’orgue un total expressif d’une telle variété, si approprié à son objet, si rigoureux et impeccable du double point de vue de la forme et du style, qu’on y décèle moins la marque d’une musicienne ordinairement douée que celle d’une élue pour qui le don naturel n’induit rien d’autre qu’un redoublement de maîtrise idiomatique et de vigilance artistique. Bonus inattendu, la présentation musicologique de Raphaëlle Legrand vous prouvera que l’érudition savante peut ajouter beaucoup au plaisir purement sensuel de l’écoute.

Gérard Denizeau

 

Paul HINDEMITH : Das Marien-Leben.  Danacord (CD Diffusion : BP 4 - 28, route d'Eguisheim 68920 Wettolsheim. vpc@cddiffusion.fr) : DACODC 670.  TT : 71’05.

Paul Hindemith (1895-1963), célèbre théoricien allemand, compositeur et chef d’orchestre, compte dans sa vaste production un cycle de 15 Lieder : Das Marien-Leben, op. 27, sur le texte de Rainer Maria Rilke (1875-1926), poète bien connu.  Elisabeth Meyer-Topsøe (soprano) et Per Salo (piano) ont enregistré la version de 1948, pour soprano et piano, retraçant la vie de Marie (Naissance, Annonciation, Visitation…, Mort de Marie), en liaison avec celle du Christ (Naissance, Fuite en Égypte, Noces de Cana…, Avant la Passion, Apaisement de Marie avec le Ressuscité).  Cette œuvre peut être considérée comme un digest de différents procédés compositionnels : écriture dépouillée, passacaille, développement d’un thème principal associé à un thème secondaire, variations, fugato, motifs rythmiques serrés, chromatismes oppressants ou encore transparence et statisme. L’ensemble est marqué par une certaine austérité, conformément au sujet. E. Meyer-Topsøe et Per Salo formant une excellente équipe rendent un bel hommage à l’une des meilleures œuvres de P. Hindemith.

 

Marco Enrico BOSSI : Opera omnia per organo.  Vol. I.  Tactus (CD Diffusion) : TC 862711.  TT : 77’07.

Ce CD révèle des œuvres de M. E. Bossi, né à Salo (Lombardie) en 1861 et mort en mer (entre New York et Le Havre), en 1925.  Organiste, maître de chapelle à la Cathédrale de Côme, il a enseigné l’orgue au Conservatoire de Naples, la composition à Venise, Rome et Bologne jusqu’en 1923. Il cultive les formes traditionnelles : Fantaisie, Fugue (Fuga su Fede a Bach, op.62, au riche contrepoint, à la manière de M. Reger), Scherzo, mais également une Messe pour Époux et Épouse, rend hommage à Jeanne d’Arc d’après le texte de L. Orsini : il s’agit d’une peinture d’atmosphère évoquant l’anxiété de la foule lorsque Jeanne est amenée au bûcher. Dans cette page descriptive, la puissance de l’orchestre illustre la montée des flammes, puis un soupir instrumental imite le mouvement des ailes des anges… Violence, mystère, douleur et réalisme dominent cette œuvre particulièrement originale. Ce disque se termine par Westminster Abbey-Hymn of Glory pour chœur et orgue, œuvre de jeunesse. A. Macinanti a le très grand mérite de révéler en premier enregistrement mondial ces œuvres fort attachantes de M. E. Bossi.

 

Marco Enrico BOSSI : Opera omnia per organo.  Vol. II. Tactus (CD Diffusion) : TC 862712.  TT : 64’02.

Lorenzo Perosi a transcrit pour orgue La Passion du Christ selon St. Marc (1897), oratorio de Marco Enrico Bossi (qualifié de « nouveau Bach italien »). Elle est structurée en trois parties : La Cène, La Prière sur le Mont, La Mort du Rédempteur.  La seconde œuvre, transcrite par le compositeur : La Transfiguration de Notre Seigneur Jésus Christ (1898), comprend deux parties : La Transfiguration, La Libération. Grâce à des registrations très étudiées, l’excellent organiste a tiré le meilleur parti de l’orgue Vegezzi-Bossi (1916-1932/4) à la Cathédrale de Saint-Juste (Suse).  A. Macinanti su conférer aux deux vastes fresques toute leur densité spirituelle et émotionnelle. Cette intégrale rend hommage à M. E. Bossi dont l’œuvre mériterait d’être plus largement diffusée.

 

Henri DUPARC : Complete Melodies.  Fuga Libera (Outher S. A. Rue du Chêne 27, B 1000 Bruxelles stephanie.flament@alpha-prod.com) : FUG 552.  TT : 61’44.

L’intégrale des Mélodies de Henri Duparc (1848-1933) qui peut, en quelque sorte, être considéré comme l’un des précurseurs du genre français quelque peu équivalent du Lied, est interprétée par Michèle Losier (mezzo-soprano), ayant étudié aux États-Unis et faisant une carrière internationale. Avec Daniel Blumenthal - pianiste américain, soliste et accompagnateur -, ils forment une équipe équilibrée au service des poésies bien connues de Ch. Baudelaire, Th. Gautier, Ch. Leconte de Lisle, A. Sylvestre... Les mélomanes seront ravis de réentendre Mon enfant, ma sœur, songe à la douceur… ou encore J’ai longtemps habité sous de vastes portiques… jadis gravés par l’inoubliable Gérard Souzay. Les interprètes réussissent à recréer avec bonheur 16 mélodies très diverses, tantôt langoureuses, tristes, exaltées, vives ou calmes.  Chez Duparc, le piano n’assume pas qu’un simple rôle de soutien : il doit créer constamment l’atmosphère de chaque pièce en fonction du texte.  D. Blumenthal et M. Losier s’imposent par leur technique à toute épreuve et leur musicalité.  Un excellent livret avec tous les textes des poésies françaises traduites en néerlandais et anglais facilite l’audition : un moment musical rare à ne pas manquer.

 

Matthias Weckmann : Kammermusik. Klaviermusik.  2CDs Ricercar (Outher, rue du Chêne 27, B1000 Bruxelles stephanie.flament@alpha-prod.com) : RIC 282.  TT : 73’13.

Matthias Weckmann, musicien allemand, est né en 1619 (?) à Niederdorla (Thuringe), et mort en 1674 à Hambourg. En 1630, il entre à la Chapelle de la Cour de Dresde, alors dirigée par H. Schütz. Il étudie ensuite à Hambourg, auprès de J.H. Scheidemann..., assume une carrière d’organiste à Dresde et Hambourg, où il fonde le Collegium Musicum (1660). Son œuvre est marquée à la fois par les influences italienne, française, et également par Schütz.  Le premier CD propose une sélection de Sonates à 3 et 4 interprétées par La Fenice (cornet, trombone, basson, clavecin et orgue, théorbe et, occasionnellement, violon) ; elles sont particulièrement pittoresques et descriptives (la 5e évoque une bataille), leurs mouvements lents sont de caractère plus méditatif. Le choix de Lieder allemands, chansons profanes (en l’honneur de M.A.H. Martenitz, célébrité locale ; pour le mariage de M. Müller ; pour les noces d’or de M. Blaspeil… : Chant de joie ; ou encore un chant badin Pour la douce Annabelle « Pour sa fête de noces ») prouve que cette musique était bien intégrée dans les milieux hambourgeois. Elles sont interprétées par le Ricercar Consort (Greta De Reyguere, soprano ; deux violons, basse de viole, orgue, clavecin et théorbe). Le second CD est entièrement consacré à la musique pour clavier, selon les formes traditionnelles : Suites, Toccate, Canzone et Partita « Die lieblichen Blicke » reposant sur l’alternance de mouvements lents et vifs.  Siebe Henstra interprète ces pièces au clavecin ou au clavicorde (accordés en mésotonique) avec brio et une technique à toute épreuve.

 

Jan Josef Ignac BRENTNER : Vesperae cum ordinariis Psalmis – Hymnodia Divina, op.3. Nibiru (CD Diffusion (28, Route d'Eguisheim. BP 4. 68920 Wettolsheim info@cddiffusion.fr) : Nibiru 0148 2211. TT : 53’44.

L’ouverture des frontières permet à Maurice Cialdella d’enrichir son catalogue CD Diffusion et de faire bénéficier les auditeurs français d’œuvres jusqu’alors peu diffusées. Les mélomanes curieux découvriront en Jan Josef Ignac Brentner un musicien qui, selon les vicissitudes de l’histoire, est « classé parmi les Allemands de Bohême ».  Il est né en 1689 – quatre ans après J.S. Bach - et mort en 1742, à Dobrany, près de Pilsen. Ses œuvres publiées à Prague sont essentiellement religieuses (4 recueils).  Adam Viktoria, à la tête de l’« Ensemble Inégal » et des Prague Baroque Soloists, a le mérite de révéler avec enthousiasme ses Vêpres avec des Psaumes ordinaires « sous la forme qu’elles avaient dans la collection de l’Église de la Sainte Croix à Vratislav », transcrites par Emilian Trolda.  Les textes latins sont traduits en tchèque, anglais, allemand, français. Ces pièces sans ambage, allantes et assez colorées, sont interprétées tour à tour avec finesse, énergie, lyrisme… ; les cordes confèrent un certain élan à l’ensemble.  Les Vêpres, comme l’Hymnodia Divina, op.3 (surtout Arias da capo), avec leur accompagnement instrumental, constituent une musique d’imprégnation baroque, fort agréable à entendre.

 

Maria Bethânia chante Notre-Dame des Jardins du Ciel.  Jade (43, rue de Rennes 75006 Paris. promotion@milanmusic.fr) : 699 683-2.  TT : 22’21.

Les disques Jade enregistrent souvent des voix exceptionnelles, comme celle de Divna Ljubojevic. Leur dernière réalisation est consacrée à une chanteuse charismatique : Maria Bethânia qui, au début, « symbole de la contre-culture brésilienne, est devenue la reine des ballades sentimentales ».  Cet album émouvant, avec des compositions originales de ses contemporains ou des cantiques traditionnels du Brésil, traduit sa dévotion mariale. Par sa voix grave et prenante, Maria Bethânia souhaite apporter aux hommes « la douceur, le bonheur et la paix ».  Au fil des plages, c’est toute la suavité brésilienne qui entraîne l’auditeur vers les « Jardins du ciel », grâce notamment aux talents de Gilberto Gil (Mae de Deus das Candeias).

 

Ernest BLOCH : Schelomo - Avodath Hakodesh.  Musiques suisses. Migros (musiques-suisses@mgb.ch) : MGB 6230.

Avodath Hakodesh, c’est-à-dire : le Service sacré hébraïque - mis en musique par le compositeur et pédagogue américain d'origine suisse Ernest Bloch (1880-1959) qui souhaite intégrer la musique hébraïque à ses créations, exprimer les aspirations de l’âme juive, sans retomber dans la paraphrase - est écrit entre 1930 et 1933 pour baryton, chœur mixte et orchestre.  Son atmosphère oscille entre néo-romantisme et néo-classicisme, sans oublier quelques emprunts au sérialisme, aux quarts de ton… Le CD comprend également son œuvre la plus connue : Schelomo, rhapsodie hébraïque pour violoncelle et grand orchestre (1916), en 4 mouvements, riche en évocations (timbre du shofar…) avec des envolées lyriques et un certain pessimisme.  Avec un rare sens de l’expression, l’Orchestre de la Suisse Italienne et, d’une part le Chœur de la Radio Suisse (Lugano) et le Groupe vocal Cantemus, dirigés par Diego Fasolis et, d’autre part, le même orchestre dirigé par Alexander Vedernikov, ainsi qu’avec le concours de Rocco Filippini, au violoncelle, révèlent ces deux œuvres marquantes d’Ernest Bloch.  Ce CD a sa place dans toute discothèque de musique religieuse.

Édith Weber

 

Antonio VIVALDI : Concerti per violino III « Il ballo ».  Duilio M.Galfetti, violon. I Barocchisti, dir. Diego Fasolis.  Naïve : OP 30474. TT : 70'.

L'exécution intégrale des concertos pour violon de Vivaldi – ils sont au nombre de quelque 90 – se poursuit dans le cadre de la Vivaldi Edition.  Cette fois, ont été réunies des compositions regroupées autour du thème de la danse. On ne dira jamais assez, contre les idées reçues, combien ces pièces sont profondément différentes les unes des autres. Le présent enregistrement en est encore la vibrante démonstration. Il apporte aussi des éclairages perpicaces sur le génie créateur du Prêtre Roux et sur la manière d'interpréter ses compositions concertantes. Le style dansant est ici omniprésent, ce qui n'exclut pas un certain dramatisme. L'orchestre est l'égal du soliste, à moins que celui-ci ne procède de l'ensemble orchestral. Surtout on s'étonne de la modernité de plus d'un trait, de trouvailles thématiques ou rythmiques (pizzicatos des cordes sur lesquelles surfe le soliste). L'interprétation de l'ensemble I Barocchisti, nouveau venu dans cette entreprise, est preste et énergique, presque à l'arraché dans certains traits des violons tutti et du soliste. On pense à la manière d'un Spinozi. Mais l'art du contrepoint est savant, préservant un bel équilibre, comme l'élargissement du spectre sonore dans les développements. Les mouvements lents sont expressifs, suprêmes moments d'accalmie, après et avant la tempête des passages vifs. Le jeu du soliste est démonstratif, presque théâtral, virtuose bien sûr, mais avec un phrasé imaginatif, et la sonorité toujours ensoleillée.

 

Jean-Sébastien BACH : Concertos pour violon BWV 1041 et 1042. Concerto pour deux violons BWV 1043. Concerto pour hautbois et violon BWV 1060.  Julia Fischer, violon, Alexander Sitkovetsky, violon, Andrey Rubtsov, hautbois.  Academy of St Martin in the Fields.  Decca : 4780650. TT : 58'54.

La jeune pianiste et violoniste allemande Julia Fischer, premier prix au concours Yehudi Menuhin en 1994 - à 11 ans -  et aidée des précieux conseils de celui-ci, se mesure aux concertos de Bach, cette fameuse trilogie qui enchante tout amateur.  Son approche s'affirme particulière, non baroqueuse, pas plus que romantique. Selon elle, ce sont des « concertos virtuoses destinés à divertir les violonistes », influencés qu'ils sont par les musiciens virtuoses de l'époque, Vivaldi, voire Tartini. Aussi favorise-t-elle des tempos rapides. Le concerto BWV 1041 en sort allégé, sa texture finement articulée, sans rien de mécanique. Le concerto BWV 1042 en souffre quelque peu cependant, qui ne respire pas assez au premier mouvement, trop poussé ; il en sera de même du final. Reste que l'andante est vibrant, d'une sonorité expressive, sans affect. Car pour elle, le modèle ès-Bach reste Glenn Gould. Une vie certaine adorne ces interprétations, la partie soliste bien intégrée à l'orchestre, comme procédant de celui-ci. Il en va de même du double concerto ; quoique là encore le final soit boulé. Le double concerto pour violon et hautbois forme un intéressant complément. Les tempos y sont plus modérés mettant en valeur la voix legato du hauboïste et les délicats entrelacs du violon. On a plaisir à retrouver la belle sonorité de l'Academy qui se fait rare au disque ces temps ; l'effectif réduit sied parfaitement à ces pièces.

 

George Frideric HÄNDEL : Israel in Egypt.  Two Coronation Anthems : Zodok the Priest. The King shall rejoice. Monteverdi Choir. English Baroque Soloists, dir. J.E.Gardiner. Enregistrement de 1990. 2CDs Universal/Decca : 478 1374. TT : 33'36 + 69’42.

Contemporain de Saül et de l'allegro Il Pensieroso ed il Moderato, l'oratorio Israël en Égypte ne connut de succès qu'après la mort de Händel.  La raison de son peu de succès fut attribué à la prédominance de la partie chorale, là où le public londonien de l'époque aimait entendre des arias et surtout se délecter d'une action, dans cette forme d'opéra déguisé. De fait, le récit biblique tel que mis en musique par Händel n'en comporte que bien peu ; il est plus d'ordre contemplatif au long de ses deux parties, l'Exode du peuple hébreu, le chant de Moïse.  Ce qui fut taxé de défaut est en réalité une des forces de cette pièce qui ne comporte presque pas de récitatifs et où l'intervention des solistes est réduite au minimum.  D'ailleurs, J.E.Gardiner les a choisis parmi le chœur, pour bien signifier que c'est lui qui tient le rôle central.  On distingue en particulier la voix aérienne du jeune Michael Chance, un contre-ténor qui mena depuis lors superbe carrière. Dans la veine de l'hymne plus que du récit, la grandeur épique affleure partout pour illustrer le destindu peuple élu. De grandes figures chorales élaborées et très contrastées dans la forme et la tonalité donnent un sentiment de diversité et plus d'une page préfigure Le Messie. Le Monteverdi Choir est l'artisan du succès de cet enregistrement auquel le chef anglais apporte son expertise habituelle. Deux des Coronations Anthems complètent le coffret.

 

A French Collection : Pièces de clavecin de Louis MARCHAND, Jacques DUPHLY, Armand-Louis COUPERIN, Claude-Bénigne BALBASTRE, Michel CORRETTE, Joseph Nicolas Pancrace ROYER.  Skip Sempé, clavecin.  Paradizo : PA 07. TT : 62'11.

Le claveciniste américain Skip Sempé poursuit son exploration de la vaste littérature française de son instrument. Après Rameau, voici un florilège de pièces empruntées au « répertoire du salon parisien à l'époque des Lumières » tel que Mozart put l'entendre lors de son séjour à Paris en 1763. L'art du toucher, dans le double sens de jeu sur l'instrument et d 'impression faite sur l'auditeur, est porté ici à sa plus haute expression.  Superbe kaléidoscope de morceaux virtuoses, mais pas seulement, composés par des musiciens qui ont compté comme Duphy (grandiose Chaconne, d'une extrême inventivité ), Marchand, Balbastre (pièces d'une animation incoercible et d'une formidable vie) ou Royer, lui-même compositeur d'opéra, ce que deux de ses pièces de style déclamatoire montrent à l'évidence dont une Marche des Scythes tourbillonnante. Comme à son habitude, Skip Sempé joue ces pièces enchaînées les unes aux autres, alternant mouvements vifs et lents. Le toucher est pure beauté, notamment dans les notes piquées que met en valeur la superbe résonance de l'instrument joué, dans le grave en particulier (une copie d'un modèle français du XVIIIe). L'interview de l'interprète figurant dans le livret du disque est certes fort intéressante, mais quelques notes sur les compositeurs, peu connus même si significatifs de l'art du clavecin français, eussent été les bienvenues pour aider à s'y repérer !

 

Centenaire Haydn

Joseph HAYDN : Les Saisons.  Marlis Petersen, soprano, Werner Güra, ténor, Dietrich Henschel, baryton.  RIAS Kammerchor. Freiburger Barockorchester, dir. René Jacobs. 2CDs Harmonia Mundi : HMX 2961829.30. TT : 62'24 + 62'36.

Peu après le triomphe de La Création, Haydn retourne de nouveau vers le genre de la grande œuvre chorale : Les Saisons seront créées avec tout autant de succès en 1801. Le compositeur s'inscrit là encore dans la lignée des grands oratorios de Händel. Il y décrit non pas la nature, mais l'homme au contact de la nature, elle-même expression de Dieu.  Il y fait alterner scènes de genre et épisodes dramatiques, et introduit des figures imitatives, évocations musicales souvent humoristiques ou tendres des bruits de la nature : le cri du coq éveillant le jour, le coassement d'une grenouille le soir tombant, la salve de quelque fusil, etc.  L'interprétation de René Jacobs est profonde et recueillie, emplie d'atmosphère par d'infinies nuances orchestrales et chorales - tel ce sentiment étouffant d'air raréfié précédant l'orage.  Sans verser dans le rustique, les danses paysannes de l'Automne sonnent comme classiques. L'introduction à l'Hiver procure ce sentiment de paix retrouvée, du juste labeur terminé. Le travail sur la couleur orchestrale, sur le timbre inimitable de Haydn, est perspicace, tout comme le raffinement du discours instrumental, tel trait des cordes joué sul ponticello, telle figure de vent solo. Il y a là une vraie recherche du coloris idoine pour évoquer le bruissement de la nature. Le continuo est imaginatif, auquel la sonorité du pianoforte apporte quelque chose de facétieux par endroit. L'engagement des trois solistes est saisissant : le ténor intense et élégiaque, la soprano fervente et non désincarnée, la basse, plus claire que de coutume, sensible et profonde. L'énergie contenue de la formation chorale distingue encore cette version et participe pour beaucoup de sa réussite, même si saisie d'un peu loin par moment. L'enregistrement est lui aussi plein d'atmosphère, comme lors de la scène de chasse qui voit les cors se répondre en écho des quatre coins de l'horizon.

 

Joseph HAYDN : Sonate pour piano Hob. XVI : 52.  Ludwig van BEETHOVEN : Sonate pour piano op.2 n°2. Wolfgang Amadeus MOZART : Sonate pour piano K.311.  Rafal Blechacz, piano.  Universal/DG : 477 7453. TT : 61'01.

Après un magnifique disque des Préludes de Chopin, le pianiste polonais Rafal Blechacz se tourne vers la sonate viennoise classique, terrain d'élection de son aîné Alfred Brendel.  Le meilleur compliment qu'on puisse lui faire est qu'il se mesure dignement à lui. En choisissant de rapprocher la Sonate n°52 de Haydn, une des dernières, et la Sonate n°2 de Beethoven, une des premières, il cherche à faire apparaître les liens qui les unissent, comme l'expérience acquise par les deux compositeurs dans d'autres univers musicaux (l'orchestre, la musique de chambre) mise à profit dans leur musique pour clavier. Fascinante comparaison en effet. Avec la sonate de Haydn, la faconde presque humoristique des deux mouvements extrêmes fait contraste avec la profondeur de l'adagio central. Le jeu perlé de l'interprète, la fluidité, les changements dynamiques, l'esprit surtout, sont un régal de tous les instants. Les premières mesures de la sonate de Beethoven, allegro vivace, ne sont pas éloignées du final de celle de Haydn, marquées des mêmes effets de surprise. Ce qu'on retrouve aussi dans le scherzo qui manie avec vivacité un humour certain. Le final tempétueux évoque, là aussi, un climat orchestral qui finit par s'éclairer dans son ultime épisode grazioso, aux climats presque schubertiens.  La boucle du classicisme est bouclée, ce que le jeu de Blechacz démontre à l'envi. La sonate de Mozart équilibre les deux autres, de sa perfection compositionnelle, différente de la diversité thématique et tonale d'un Haydn. Mozart est inimitable à l'heure de l'andante con espressione, cantabile qui rappelle combien il aimait le chant, l'opéra.  Le pianiste est d'une merveilleuse présence, adaptée au discours mozartien comme aux deux autres, respiration, absence de mécanique digitale, jeu direct sans afféterie, d'une limpide clarté.

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Wolfgang Amadeus MOZART : Requiem K.626.  Transcription pour quatuor à cordes d'après le manuscrit de Peter Lichtenthal (1802).  Quatuor Debussy.  Universal/Decca : 180 1938. TT : 47'25.

La transcription a toujours tenu une place importante dans la création musicale. Peter Lichtenthal (1780-1853) qui était l'ami d'un des fils de Mozart et a été l’un des premiers biographes de ce dernier, a eu accès à l'une des copies du Requiem. Le genre du quatuor à cordes était alors fort prisé - on pense aux pièces écrites par Haydn et Mozart lui-même - et il connaissait bien ce répertoire. Comme Haydn pour Les sept dernières paroles du Christ en croix, il va s'attacher à réduire pour cette formation l'œuvre ultime du maître. Une épure qui offre la quintessence du texte, et porte plus sur l'esprit que sur la lettre. Le texte a été légèrement retravaillé par les présents interprètes qui s'en expliquent, notamment pour ce qui est de la fugue finale de l'Hostias et du Domine Jesu, afin d'éviter l'effet d'appauvrissement de l'accompagnement orchestral. On se laisse surprendre par un sentiment de familiarité avec quelque chose de connu, alors même que la curiosité reste en éveil, de complicité avec une œuvre qui n'est pas tout à fait la même non plus que tout à fait autre. Au Tuba Mirum par exemple, le chant du violoncelle s'arroge un champ plus vaste que celui confié à la voix de la basse chantée, alternant avec le premier violon. La force déclamatoire du Confutatis ou du Sanctus et de sa fugue est immense, tandis que la tendresse du Recordare est rendue ici par une interprétation fluide et extrêmement chantante dans laquelle les quatre voix procèdent délicatement les unes des autres. Le Lacrimosa, page sublime s'il en est, revêt une forme de désespoir abyssal. Partout, le texte prend, grâce à l'intimité du quatuor, une force nouvelle qui ne le prive ni de sa puissance ni de sa lumière intérieure. La vision du Quatuor Debussy est réfléchie, à n'en pas douter exigeante dans sa démarche, équilibrée dans son articulation souple, pénétrante dans l'art de traduire la richesse orchestrale. Une passionnante découverte.

 

Opium.  Mélodies françaises de Reynaldo HAHN, Cécile CHAMINADE, Jules MASSENET, Gabriel FAURÉ, Ernest CHAUSSON, André CAPLET, Camille SAINT-SAËNS, Claude DEBUSSY, Paul DUKAS, Guillaume LEKEU, César FRANCK, Gabriel DUPONT et Vincent d'INDY.  Philippe Jaroussky, contre-ténor, Jérôme Ducros, piano, Renaud Capuçon, violon, Gautier Capuçon, violoncelle, Emmanuel Pahud, flûte.  Virgin : 216621 2. TT : 66'05.

Un florilège de mélodies françaises chantées par un contre-ténor, voilà qui est peu commun. Qu'il s'agisse de Philippe Jaroussky, un des grands interprètes actuels du baroque, l'est tout autant. Et pourtant, la magie opére dès le premier morceau.  Plus encore que le Lied allemand, la mélodie convoque l'esthétisme, union intime de la poésie et de la musique, celle-là puisée à Verlaine, Gautier, Bourget, mais aussi chez Ronsard, Hugo ou Bouchor.  Notre sympathique chanteur joue la simplicité, magnifiant cet art de dire, privilégiant la prononciation la plus proche de la voix parlée. Le soin donné au mot, à l'accent n'a d'égal que la pureté de la vocalité, la clarté dépourvue d'affect ou de sollicitation inutile de textes déjà si chargés de signification. Ce qui est ici en exergue est le médium de la voix, jamais mieux en évidence que dans ces volutes sublimes, et la plénitude d'un timbre ensorcelant, sensuel même. Jaroussky visite tour à tour l'élégiaque - Élégie (Massenet), d'une noble tristesse avec le concours du violoncelle, la fine musicalité - Nell (Fauré), lumineux, la gravité - Nocturne (Franck), presque mystique, la sensibilité simple - Le Colibri (Chausson) où le chant se fait d'une douceur caressante, le drame affleurant - Automne (Fauré), voire le facétieux - Sombrero de Cécile Chaminade.  Un joyau encore, et même deux : Les fêtes galantes (Hahn) avec ses amusants « effets », et plus encore Songe d'Opium (Saint-Saëns), sorte de mouvement perpétuel qui s'élève peu à peu jusqu'à l'extatique, envoûtant. Jérôme Ducros est plus qu'un accompagnateur, car il possède ce sens rare du jeu gallique. Le violon de Renaud Capuçon lors de Violons dans le soir (Saint-Saëns), sorte de grand morceau de concert, ajoute une dimension supplémentaire à cette page un peu folle d’Anna de Noailles.  À écouter pour se sortir des idées reçues.

 

Vincenzo BELLINI : I Capuleti e I Montecchi.  Anna Netrebko, Elina Garanča, Joseph Calleja, Tiziano Bracci.  Wiener Singakademie, Wiener Symphoniker, dir. Fabio Luisi. 2CDs Universal/DG : 477 8031. TT : 76'10 + 51'26.

Bellini ne s'inspire pas de Shakespeare, mais de la pièce d'un certain Scevola qui lui-même s'appuyait sur une source de 1530 à laquelle a puisé le grand Will.  L'action de ce Roméo et Juliette belcantiste est plus resserrée que celle illustrée par un Gounod par exemple. Il eut été dommage de ne pas graver une si belle affiche de concert ; à moins que ce dernier n'ait été le prétexte du présent enregistrement. Car il est difficile d'imaginer meilleure paire que celle formée par Anna Netrebko et Elina Garanča. Dans le rôle travesti du chef des Montaigus, immortalisé par la Grisi et la Malibran, Elina Garanča fait montre d'un sens éprouvé de la colorature aiguë, et de sa voix grave si bien timbrée propose une figure habitée d'ardent désir. L'étonnant air de désespoir au tombeau de Juliette, sur le contrepoint du chant des Capulets, est un moment magique.  Anna Netrebko est la plus belle des Juliette, un rôle émaillé de pages suaves et touchantes, mais aussi de désespérance de l'attente de l'aimé, de mélancolie d'une union contrainte tenant presque du sacrifice.  La romance, précédée d'une sombre introduction du cor, est envoûtante, caressant les mots avec de délicats pianos. Les colorature sont comme des « promenades » dans le registre aigu et délivrent une vraie douceur, les notes extrêmes ppp comme perlées. La cavatine est un modèle dans l'art de faire palpiter un timbre irrésistible. Les duos sont des moments de choix, d'une réelle émotion. Le ténor Joseph Calleja qui se fait rare, trop dans l'ombre de ses illustres collègues, est digne de ces dames. Fabio Luisi se montre à la hauteur de l'événement, livrant la souple rythmique, les amples mélodies de cette musique profondément vocale, ménageant des ensembles enflammés ou le lyrisme sensible de pages comme l'introduction avec clarinette solo de l'air de Roméo du IIe acte. L'ensemble choral de la Wiener Akademie n'a rien à envier à celui du Staatsoper voisin. L'enregistrement, quoique un peu sonore, est d'un beau relief.

 

Esa-Pekka SALONEN : Helix (2005) for orchestra.  Piano Concerto (2007).  Dichotomine (2000) for piano solo.  Yefim Bronfman, piano.  Los Angeles Philharmonic, dir. E.-P. Salonen.  Universal/DG : 477 8103.  TT : 60'32.

Esa-Pekka Salonen n'est pas seulement un grand chef à la jeune cinquantaine, c'est aussi un compositeur - il se dit être d'abord tel - avec lequel il faut compter : une musique parcourue de tension, qui reste lisible. Helix, pour grand orchestre, compose quelque mouvement en spirale qui va s'accélérant, comme le fonctionnement d'une hélice s'emballant dans des tutti dévastateurs, alors qu'on perçoit en chemin comme l'écume de l'eau de chaque côté, effet produit par la division des premiers violons. Le Concerto pour piano, de vastes proportions, est bâti en trois mouvements. Si le piano créé « son propre langage et sa propre grammaire », il n'en est pas moins intimement intégré à la texture symphonique. On est frappé dans le Mouvement I par la diversité des épisodes, du motorique à l'assagi, presque limpide qu'entrecoupent un bref duo piano-alto ou un solo de saxophone. Le mouvement II débute par le clavier seul, sorte de cadence, rejoint par les bois - comme dans le Concerto en sol de Ravel - puis vient une vision de cauchemar, de science-fiction, qui ne manque pas de sortilège sonore : arpèges du piano sur un lit de cordes scintillantes débouchant sur un grand tutti digne d'une pièce de Rachmaninov ! De type rondo, le Mouvement III laisse d'abord le piano broder à la main gauche, puis le débit s'accélère et s'amplifie, entrecoupé de relents de musique de chambre.  C'est peu dire que Yefim Bronfman, le dédicataire, lui rend justice, dirigé par l'auteur à la tête de « son » orchestre, capté dans le Walt Disney Concert Hall.  Dichotomie, pour piano seul, est composé de deux volets : le premier, « Mécanisme », évoquant l'un des mobiles de Tinguely et quelque bruit de machine, est là encore motorique et compulsif dans ses effets de répétitions. Au caractère extraverti de ce morceau répond le second, « Organisme », de climat plus calme, aux harmonies presque debussystes. La progression est forte, de plus en plus rapide. Bronfman livre une étourdissante performance.

Jean-Pierre Robert

 

Jean Henry D’ANGLEBERT : Suites pour clavecin. Laurent Stewart, clavecin.  Zig-zag Territoires : ZZT 090501.

Ce disque est l’occasion d’une rencontre fructueuse entre Laurent Stewart, claveciniste aux enregistrements plusieurs fois primés (Couperin, Frescobaldi), et Jean Henry D’Anglebert, musicien de la cour de Louis XIV, « le plus haut niveau de magnificence de la musique française pour clavier à l’époque classique ». L’instrument, copie d’un Rückers 1638 « petit ravalement », fait entendre sa plénitude et, notamment, la richesse de ses graves dans ces suites de danses, lumineuses et riches d’ornementations.

 

Odyssée baroque.  Œuvres de Castello, Corelli, Marini, Leclair, Marin Marais, Vitali et Vivaldi.  Gérard Poulet, Olivia & Vivien Steindler (violons), Isabelle Dumont (viole de gambe et violone), Stefano Intrieri (clavecin).  Saphir Productions : LVC 1084.  TT : 70’09.

Odyssée, voyage, voire initiation pour certains, à travers les œuvres de sept compositeurs de l’époque baroque (1600-1750), autour du violon baroque et de la sonate en trio.  Âge d’or du violon et des violonistes-compositeurs mêlant virtuosité et fantaisie créatrice, le début du XVIIe siècle marque le passage pour le violine (viole réduite) du statut d’instrument canaille des bals et fêtes populaires à celui de « roi de l’orchestre » qu’on lui connaît. Les différentes pièces permettent de mettre en avant les possibilités techniques de l’instrument et les particularités de chaque compositeur.  Gérard Poulet est entouré, ici, de remarquables interprètes spécialisés dans ce répertoire, la prise de son est excellente, un beau disque.

 

CHOPIN : 24 Préludes op.28.  LISZT : 5 Pièces.  Remi Masunaga (piano). Wild Palms Music : BR0307.  TT : 51’06.

Interprète d’un remarquable disque consacré à Debussy (L’ÉM, n°507/508), Remi Masunaga nous propose ici les 24 Préludes op.28 de Frédéric Chopin et 5 Pièces de Franz Liszt, dans un enregistrement en prise directe qui met en avant toute l’expressivité de ces pièces ainsi que la virtuosité et la fluidité du jeu de la pianiste japonaise.  Plus contrastés, les Préludes sont autant d’instantanés musicaux et poétiques, alors que les pièces de Liszt, qui explorent les limites de la tonalité, sont empreintes d’une gravité, témoignant de la maturité et des interrogations métaphysiques du compositeur, et la berceuse finale n’est pas là pour nous rassurer, laissant planer comme une menace au dessus du berceau…

 

André CAPLET : Le miroir de Jésus.  Chœur Britten, Maîtrise de Notre-Dame de Paris, Béatrice Gaucet (soprano), Fabrice Pierre (harpe), Annick Roussin et Claire Rapin (violon), Pierre-Henri Xuereb (alto), Jérome Pernoo (violoncelle), Bernard Cazauran (contrebasse), dir. Nicole Corti.  Saphir Productions : LVC 1105. TT : 70’10.

Le miroir de Jésus est sans nul doute l’une des œuvres majeures d’André Caplet, composée en 1923 d’après les poèmes d’Henri Ghéon, œuvre mystique, véritable prière, comportant trois parties : miroir de joie, miroir de peine et miroir de gloire.  Le compositeur met ici à profit l’expérience du chef d’orchestre dans cette partition pour soprane, chœur de femmes et d’enfants avec accompagnement de quintette à cordes et harpe. On est immédiatement saisi par la transcendance, l’appel de cette musique limpide mais parfois douloureuse où percent l’influence de Debussy et la voix de Mélisande. Ne résistons pas à l’appel de cette œuvre magnifique, rarement jouée et remarquablement interprétée.

Patrice Imbaud

 

Peeter CORNET (ca 1575-1633) : L’œuvre pour orgue.  Arnaud Van de Cauter, organiste.  2CDs Paraty (www.paraty.fr) : 308 107. Intégral Distribution.  TT : 61’02 + 41’24.

Magnifique intégrale de l’œuvre pour orgue de l’un des organistes de la chapelle des archiducs Albert et Isabelle à la cour espagnole de Bruxelles, où l’on peut déceler de multiples influences : italienne, espagnole, anglaise…  Bruxelles n’était-elle pas alors capitale européenne ?  Encore en manuscrit, ces œuvres au caractère imprévisible, voire fantasque, seront, gageons-le, bientôt éditées.  Elles ne déméritent nullement, en effet, aux côtés de celles de Titelouze, Scheidt, Frescobaldi, Arauxo…  Arnaud Van de Cauter touche ici les orgues flamands de Nielles-lès-Ardres (Van Belle, 1696) et de la Elzenveldkapel d’Anvers (Bremser, 1675), instruments récemment restaurés.

 

Mediterranea… « Alla francesca » en trio : Brigitte Lesne (chant, harpes, percussions), Pierre Hamon (flûtes, tambour, cornemuse), Carlo Rizzo (tammora, tamburello, chant).  Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : 090402.

Chansons de troubadours, laudes à la Vierge, tarentelles et estampies du Trecento se mêlent ici aux berceuses sépharades (célèbre Nani, nani…) et autres mélodies traditionnelles collectées en Italie.  Superbe florilège culturel inspiré de confessions chrétienne, juive, musulmane – en langues occitane, castillane, florentine, napolitaine, sarde…  Intemporel !

 

Marin MARAIS : Pièces en Trio pour les flûtes, violons et dessus de viole (Paris, 1692).  Ensemble « Aux Pieds du Roy », dir. Dirk Börner & Michael Form.  Ambronay éditions : AMY016.  Distr. Harmonia Mundi.

Direction assurée par le flûtiste Michael Form & le claveciniste Dirk Börner, l’ensemble « Aux Pieds du Roy » (fondé en 2005) s’est donné pour vocation d’étudier et de jouer la musique de chambre française autour de 1700 (en vieux français, le « pied » mesurait la longueur du pendule grâce à laquelle se fixait le tempo musical – manière de chronomètre, ancêtre du métronome).  Créé par Lully, le genre « Pièces en trio » connut une riche postérité auprès, notamment, de Marin Marais, La Barre, Philidor, Dornel, François Couperin.  Ces pièces de Marin Marais sont d’un écriture particulièrement exigeante, nécessitant – selon le compositeur, lui-même – « délicatesse » et « (apparente) facilité d’exécution » ; elles sont le chaînon manquant entre Lully et Fr. Couperin.  Un précieux enregistrement.

 

Gaspard CORRETTE (1671-1733) : Messe à l’usage d’une Abbaye royale.  Régis Allard, à l’orgue historique de Saint-Michel de Bolbec (Calvados).  Ensemble vocal Ad Limina.  Hortus (www.editionshortus.com) : 061.  TT : 61’55.

Père du fameux organiste Michel Corrette (1707-1795), Gaspard Corrette exerça lui-même son art sur les instruments de quatre grandes églises paroissiales de Rouen.  Mais ne laissa qu’une seule œuvre : Messe du VIIIe ton pour l’orgue à l’usage des dames religieuses et utile à ceux qui touchent l’orgue (1703), destinée à l’alternance entre le grand orgue et le chœur des moniales.  C’est ici son premier enregistrement, avec des inserts empruntés au Processionnal pour l’Abbaye royale de Chelles et au Graduale romano-monasticum de Guillaume-Gabriel Nivers, ainsi qu’à l’Office divin à l’usage des dames religieuses du chanoine Derey.

 

Jean-Philippe RAMEAU : Concerts mis en simphonie.  La Simphonie du Marais (www.simphonie-du-marais.org), dir. Hugo Reyne.  « Musiques à la Chabotterie » (Conseil général de Vendée) : 605 006.  Distrib. Codaex.  TT : 71’32.

Fondé par Hugo Reyne en 1987, l’ensemble La Simphonie du Marais a déjà enregistré une trentaine de CDs autour du patrimoine musical français.  Le présent disque (5e volume du label « Musique à la Chabotterie ») comporte 5 Concerts, version orchestrée des pièces de clavecin éponymes (1741), chacun d’eux ayant été repris, par le compositeur lui-même, dans différents opéras.  Il s’agissait, à l’origine de Pièces de clavecin.  Avec un Violon et une Viole, ou avec un 2e Violon.  Hugo Reyne a ici réalisé une magnifique reconstitution, bien dans l’esprit du temps, enrichissant les cordes de sonorités de flûtes, hautbois et bassons.

 

Joseph HAYDN : Die sieben letzten Worte unseres Erlösers am Kreuze.  Quatuor Terpsycordes.  Ricercar (www.ricercar.be) : RIC 281.  TT : 64’24.

Les sept dernières paroles de notre Rédempteur sur la croix ont connu quatre avatars : pour orchestre, quatuor à cordes, piano et - sous forme d’oratorio - pour solistes, chœur et orchestre.  La version pour quatuor, la plus épurée, a été réalisée par le compositeur lui-même.  Sept méditations, sept « sonates » adagio, avec une introduction également lente, telle est la gageure admirablement soutenue par Haydn, dans une extraordinaire diversité…  L’œuvre se concluant, à la mort du Christ, sur un bref tremblement de terre (Il Terremoto : Presto e con tutta la forza).  Pour ce magnifique enregistrement, les Terpsycordes ont joué des instruments signés Vuillaume (accordés à 422 Hz), prêtés par le Musée d’art et d’histoire de Genève.

 

Robert SCHUMANN (1810-1856) : Für die Jugend… Klavierwerke & Kammermusik, VII.  Éric Le Sage, Frank Braley & Denis Pascal, piano.  2CDs Alpha (www.alpha-prod.com) : 145.  TT : 62’55 + 69’56.

Le premier disque comporte des œuvres à quatre mains peu enregistrées : 12 pièces pour petits et grands enfants, op.85 (Éric Le Sage & Frank Braley) / Scènes de bal, 9 pièces caractéristiques, op.109 et Bal d’enfants op.130 (Éric Le Sage & Denis Pascal).  Le second disque comporte le célèbre Album pour la jeunesse op.68 (Éric Le Sage).  Un enregistrement de référence.  Remarquables notes de présentation signées Brigitte François-Sappey.

 

Edvard GRIEG (1843-1907) : Pièces lyriques op.65, 68 et 71.  Impressions op.73.  Daniel Propper, piano.  Skarbo (www.skarbo.fr) : DSK 1086.  TT : 79’29.

Par le pianiste Daniel Propper - viennois d’origine, suédois de naissance et français d’adoption - voici, de Grieg, le dernier volume de l’intégrale des Pièces lyriques (8e, 9e et 10e cahiers), ainsi que les Impressions (1905), ultimes pièces pour le piano du compositeur norvégien.  Interprétations d’une grande simplicité, dans le parfait respect de l’esprit du folklore, sans les ordinaires préciosités dont on a cru, si longtemps, devoir adorner ce répertoire.

 

Gabriel DUPONT (1878-1914) : Intégrale de l’œuvre pour piano.  Émile Naoumoff, piano.  2CDs Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1097.  TT : 57’31 + 45’19. 

Étonnant que ce soit, une nouvelle fois, un artiste étranger – ici le grand pianiste bulgare Émile Naoumoff – qui s’attache à la réhabilitation d’un compositeur français injustement oublié ! Gabriel Dupont, compositeur poète - à la santé fragile, qui le contraignit à s’exiler de la capitale –, s’est notamment épanché dans les deux grands cycles ici enregistrés que sont Les Heures dolentes (1905), 14 pièces brèves, et La Maison dans les dunes (1910), 10 pièces composées au grand air d’Arcachon.  Musiques intimistes et délicates, parfois poignantes, qui ne laissent pas d’évoquer un Séverac, voire un Debussy, et qui – espérons-le – permettront à nombre de nos solistes d’élargir des répertoires souvent confinés.

 

The best of Bill FRISELL, vol. 1 : Folk songs.  Nonesuch (www.nonesuch.com) : 7559-79863-3 .

Instantanément identifiable, de par la symbiose réussie de nombreuses sources d’inspiration (blues, jazz, folk, country, rock…), le compositeur et guitariste Bill Frisell (www.billfrisell.com) est en passe de devenir une légende.  Il s’agit ici de la première compilation rétrospective (15 titres) de ses enregistrements les plus populaires (22 disques enregistrés en 20 ans pour la seule firme Nonesuch).  Thèmes originaux, reprises de titres connus (I’m so lonesome I could cry, Wildwood flower) ou traditionnels (Sugar baby, Shenandoah, Sittin’on top of he world) forment ici un admirable bouquet.  Indispensable pour tout guitariste - serait-il exclusivement classique.

 

Malick DIA : Fuuta Blues.  Ensemble Boolumbal (www.boolumbal.com).  Playasound (www.playasound.com) : PS 66413.  TT : 57’30.

Malick Dia est un chanteur et guitariste mauritanien, leader du groupe Boolumbal (Oiseau de bon augure dans la vallée du fleuve Sénégal).  À l’exception de Continent noir (pièce signée Nicolas Lebault, musicien arrangeur et producteur de ce disque), tous les titres ont été composés par Malick Dia.  Album qui nous ramène, avec bonheur, aux liens de filiation séculaires qui unissent les musiques traditionnelles d’Afrique de l’Ouest au blues, au folk et au jazz.

 

POUR LES PLUS JEUNES

Peter & Lupus, conte musical d’après Pierre et le Loup de Prokofiev.  Adaptation : Jérôme Bardeau.  Ensemble Pandémonium, direction & arrangements : François Jeanneau.  2CDs Victorie Music/Universal : 301 783-0.

Relecture jazzy du célèbre conte par le saxophoniste soprano François Jeanneau (qui longtemps dirigea l’Orchestre national de jazz), entouré de 12 musiciens et 3 comédiens-chanteurs, lesquels contrepointent le tout de plaisantes improvisations.  Amusant !

 

Sophie FORTE : J’suis vert.  Musiques d’Antoine Sahler.  Victorie/Universal : 301 789-6.

Déjà populaire auprès des adultes, Sophie Forte s’est révélée – et ce, depuis son premier album Maman dit qu’il ne faut pas – une merveilleuse animatrice.  Pour ce nouvel album (10 titres), elle a écrit des textes d’une infinie délicatesse (où sont abordés les thèmes du divorce, de la religion, de l’adoption, de l’écologie…), sur des musiques et arrangements fort bien venus de son pianiste et complice Antoine Sahler.

 

DVD

Béla BARTÓK : Concerto pour orchestre.  « Les clefs de l’orchestre ».  Présentation : Jean-François Zygel.  Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Myung-Whun Chunh.  Réalisation : Philippe Béziat.  TT : 1h50.

Nouvelle production de Jean-François Zygel, merveilleux musicien-poète et communicateur qui aura inspiré tant de pédagogues.  Selon le nombre de mouvements, sa présentation de l’œuvre de Bartók comporte cinq chapitres. 1er mouvement : Introduzione e allegro vivace - Il était une fois… des personnages.  2e mouvement : Giuoco delle coppie - Des couples… et un militaire à l’église.  3e mouvement : Elegia - Bruissements de la nature… et sombre douleur.  4e mouvement : Intermezzo interrotto - Naïveté… amour et humour.  5e mouvement : Finale - Un mouvement perpétuel… avec des détours, des surprises et une fin.  En bonus : « À propos des Danses roumaines » et « Improvisation sur des thèmes du Concerto pour orchestre ».  D’une lumineuse intelligence !

Rappelons que, dans cette même collection du Scérén/CNDP « Les clefs de l’orchestre », sont déjà parus, avec un égal bonheur : Boléro (Ravel), Symphonie n°103 « Roulement de timbales » (Haydn) et Symphonie pastorale (Beethoven).

Francis Gérimont

 

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