HAYDN à Paris.  Ricercar (Outher S.A., rue du Chêne 27, B-1000 Bruxelles stephanie.flament@alpha-prod.com) : RIC 277.  TT : 68’54.

La célébration du bicentenaire de la mort de Fr. J. Haydn (1732-1809) stimule la production discographique.  L’Ensemble Les Agrémens (dir. Guy Van Waas) rend hommage au compositeur qui a été présent à Paris, au « Concert Spirituel » (institution fondée en 1725) : d’où le titre de ce CD. L’engouement pour son œuvre également à la Société « La Loge Olympique », à Paris, est célèbre. Ce CD propose la Symphonie en sib majeur (« La Reine ») et celle en fa# mineur (« Les Adieux »), œuvres accueillies avec enthousiasme dans la capitale, et la Symphonie en ré majeur de J. M. Kraus, en 3 mouvements (deux Allegro et un Andante méditatif central), de la même veine, d’ailleurs publiée sous le nom de Fr. J. Haydn. Ces trois œuvres bénéficient d’une excellente interprétation qui retiendra aussi l’attention des mélomanes du XXI^e siècle.

 

Joseph HAYDN : Les sept dernières paroles du Christ (orgue).  Hortus (Développement GIE, 2, rue Diderot, 92600 Asnières, editionshortus@wanadoo.fr) : HORTUS 057.  Distr. Codaex.  TT : 54’22.

Vincent Genvrin est l’auteur de la transcription pour orgue des Sept dernières paroles de Notre Rédempteur sur la Croix (1787). Sa version s’impose, à côté de celles pour orchestre, quatuor à cordes, piano et oratorio.  Elle est interprétée à l’orgue François Henri Clicquot de l’église Saint-Nicolas-des-Champs (Paris), bien que, selon ses propres termes : « …l’instrument choisi, un prestigieux Clicquot, se trouve aujourd’hui dans un état de déréliction préoccupant », ce qui n’empêche pas l’excellent organiste d’en tirer le meilleur parti possible. Il utilise souvent le grand chœur dans les parties massives ; des anches (flûtes, hautbois, trompettes) pour illustrer le caractère plus méditatif des Paroles ; le cornet, très expressif, sur : « Tout est accompli », ou encore la voix humaine sur : « Entre tes mains, Seigneur, je remets mon esprit ».

 

Franz SCHUBERT : Winterreise.  Hybrid’music (atelier@hybridmusic.com) : H1815. TT : 71’56.  7 € [sic].

Mario Hacquard (baryton) et Georges Dumé (piano) - animés par un solide esprit d’équipe et en pleine connivence - proposent une version discrète, avec toute la simplicité requise, du Voyage d’hiver, trop souvent galvaudé.  Aucune peinture d’atmosphère ne leur échappe : tour à tour énigmatique, espiègle, légère, volubile, mais aussi dramatique, énergique ou pesante et grave. L’excellent chanteur français s’impose par sa parfaite diction, sa prononciation allemande.  Le pianiste, par ses recherches de sonorité, son sens de la progression rythmique et du dialogue avec le chanteur, est un accompagnateur idéal. Ces « miniatures », très agréables à entendre et dont les discophiles ne se lasseront pas, brillent par la sûreté de leur goût : pour un plaisir partagé par Franz Schubert, interprètes et auditeurs.

Édith Weber

 

Charles-Marie WIDOR (1844-1937) : 3^e Symphonie (extraits), 4^e Symphonie, 5^e Symphonie (extraits).  Marie-Andrée Morisset-Balier au grand-orgue de l’abbatiale Saint-Ouen de Rouen.  ASO (8, rue de Maussion, 76000 Rouen) : 2008 M.  TT : 66’33.

C’est avec un vif plaisir que nous rendons compte de cet excellent disque, nouvelle occasion d’apprécier le superbe Cavaillé-Coll de l’abbatiale Saint-Ouen, ainsi que le talent de sa titulaire, Marie-Andrée Morisset-Balier.  Celle-ci avait déjà enregistré, à côté d’œuvres de Franck et de Vierne, la célèbre Symphonie gothique de Charles-Marie Widor, œuvre avec laquelle, justement, l’organiste de Saint-Sulpice avait inauguré, en 1890, l’orgue de Saint-Ouen.  Ce sont ici, à nouveau, des pages de trois des dix Symphonies pour orgue de Widor qui sont enregistrées.  Aux trois extraits de la 3^e Symphonie - où la pompe de la Marche initiale et la splendeur du Final encadrent un Adagio méditatif - succède la 4^e Symphonie dans son intégralité.  À une Fugue sérieuse et structurée, précédée d’une Toccata martiale, fait suite un charmant Andante Cantabile au caractère de chanson populaire, pour s’achever, après une léger Scherzo et un Adagio rêveur, sur le grand déferlement d’un pompeux Final.  Avec les deux extraits de la 5^e Symphonie, le disque s’achève en apothéose sur l’illustrissime Toccata que le bel Adagio qui la précède met encore plus en valeur.  Cette page fracassante et somptueuse où le thème, qui s’intègre d’abord dans la trame en va-et-vient continuel des claviers manuels, se déploie bientôt, après d’impérieux appels, majestueux, au pédalier, est dans toutes les mémoires… mettant à rude épreuve les qualités de virtuosité de l’interprète ! Celles-ci ne font pas faute à Marie-Andrée Morisset-Balier dont nous admirons à nouveau la maîtrise, conseillant vivement à nos lecteurs l’écoute de ce très bel enregistrement.

Francine Maillard

 

Jean-Baptiste LULLY : Proserpine, tragédie lyrique en cinq actes, d'après un livret de Quinault.  Cyril Auvity, Salomé Haller, Stéphanie d'Oustrac, Blandine Staskiewicz, Hjördis Thébault.  Le Concert Spirituel, dir. Hervé Niquet. 2CDs Glossa en livre-disque : GES 921615-F.  TT : 75’25 + 76’55.

On revient à Lully et c’est une bonne chose. Une reprise d'Atys nous est même promise à l’Opéra Comique d’ici peu. Écrite en 1680, la tragédie lyrique Proserpine, a été remontée en 2006 à l'Opéra royal de Versailles, grâce à l'opiniâtreté du chef Hervé Niquet. Moins célèbre qu'Atys ou Armide, c'est là une œuvre appartenant à la dernière manière du musicien. Il y compense une faible théâtralité par un développement musical luxueux culminant dans des divertissements dansés aussi frais que variés. Il s'agit d'une élégie amoureuse, celle de la belle Proserpine élevée par Pluton dans la campagne sicilienne au pied du mont Etna, qui se morfondra aux Champs-Élysées, et finalement devra partager son temps entre terre et royaume des ombres, tour à tour avec Pluton et Cérès sa mère, à raison d'un semestre chacun - ainsi que décidé par les dieux... Le spectacle a, bien sûr, ici une part déterminante, avec force effets de machinerie. Musicalement le récitatif est fluide, proche du parlé, naturel et extrêmement compréhensible. Les airs, bâtis sur le mode du refrain encadrant une section déclamatoire, sont initiés par une introduction instrumentale en forme de ritournelle. Ils peuvent s'inscrire dans le récitatif ou revêtir un aspect plus développé. L'interprétation est de premier ordre : un vrai ensemble de chanteurs-acteurs maniant avec facilité la prosodie lulliène par une diction qui sonne vrai, sans affectation, et juste ce ton légèrement théâtral qui donne vie à un texte un brin prosaïque. Par dessus tout, Hervé Niquet et son Concert Spirituel – fondé peu après l'explosion baroque que fut naguère la représentation d'Atys à l'Opéra-Comique – insufflent une vie irrésistible à la partition. De fines couleurs instrumentales, un continuo imaginatif, une belle vivacité des danses dont la chaconne enlevée, enluminent ce bijou de musique.  Il faut encore souligner la clarté d'énonciation du chœur et les nuances infinies avec lesquelles il est traité - que ce soit pour les réjouissances ou lorsqu'il participe directement à l'action, au point de constituer un personnage à part entière.

 

Johannes BRAHMS : Klavierstücke, op.116-119.  Nicholas Angelich, piano.  2CDs Virgin Classics : 0946 379302 29. TT : 24'20 + 60'38.

Brahms n'est pas au piano un auteur facile. Même les plus grands ne s'y attardent pas ou à peine. Les pièces op.116 à 119, conçues à Bad Ischl dans les années 1892/1893, montrent un musicien qui, au soir de sa vie, délaisse la grande forme pour des partitions à numéros où régnent une certaine nostalgie et un vrai mystère, où se mêlent tendre douceur et profondeur abyssale.  Belle idée que de les réunir en un même album ! Les Fantasien op.116 alternent Capriccios véhéments et Intermezzos profonds dans une écriture quasi orchestrale. Les Intermezzi op.117 sont d'une poésie pénétrante, «  trois paysages d'automne qui restent tous dans la demi-teinte, le clair-obscur, chers au Brahms de la vieillesse » dira Claude Rostand. Dans les Klavierstücke op.118, ce que l'on prend un peu vite pour de l'ésotérisme, voire du remplissage – on pense au « Fuyons, il va développer » de Debussy - est en réalité un procédé de composition où la modulation est reine, couplée à un art subtil de varier les climats. L'atmosphère se raréfie et tout devient pure contemplation dans les Klavierstücke op.119, ultimes pièces que Brahms livrera au piano. Derniers feux du romantisme aussi. Alors qu'un Debussy commence sa carrière de musicien pour l'instrument… La pièce avec laquelle s'achève ce cycle, Rhapsodie, marquée Allegro risoluto, résume à elle seule la manière brahmsienne, non sans faire penser aussi à Schumann. Bel instrumentiste chambriste, compagnon habituel des frères Capuçon, N. Angelich n'en est pas moins un éminent soliste, s'affirmant comme un poète de l'instrument, maîtrisant cette respiration particulière, ces climats presque antagoniques qui en ont dérouté plus d'un, faits d'un large ambitus et d'un art de moduler à satiété. On espère d'autres volumes de la part de ce digne successeur de Julius Katchen.

 

Richard WAGNER : Der Fliegende Holländer.  Theo Adam, Anja Silja, Martti Talvela, James King.  New Philharmonia Orchestra, dir. Otto Klemperer.  2CDs Testament : SBT 1423. TT : 75'03 + 76'13.

Beau trésor d'archives que ce Vaisseau Fantôme capté live à Londres, le 19 mars 1968, en prime du disque enregistré en studio pour EMI.  La distribution est à peu près la même, à l'exception notable du Erik de James King, que Deccca ne voulut pas prêter alors à son concurrent.  Doublon ? Non, car il règne ici une atmosphère spéciale, magique.  Quelle vie en effet : dès les premières mesures on est pris dans quelque chose d'immense, de survolté dramatiquement. Car Klemperer voit grand. Lui qui professait que « Der Fliegende Holländer, Tannhäuser et Lohengrin sont certainement plus attrayants » que les autres œuvres du maître de Bayreuth, car celui-ci « au fur et à mesure que les années passèrent se développa à reculons ».  Opinion paradoxale vraiment ! Ce qui n'empêcha pas cette œuvre de tenir une place particulière dans sa propre carrière. Abordée dès 1910 à Prague, il la donnera ensuite à Strasbourg, Cologne, et bien sûr à Berlin au Krolloper en 1929, et dans la version originale de 1843, ce que la critique lui reprochera.  Il ne devait plus la diriger jusqu'à ce mémorable concert de 1968, qui nous vient comme un témoignage précieux de son art, en complément de l'enregistrement studio. La version est donc celle dite originale, avec l'Ouverture détachée, et en trois actes séparés, outre quelques variantes par rapport au texte habituellement joué (passage solo de Daland dans le duo avec le Hollandais au I^er acte). Les tempos sont graves (comme dans la scène des fileuses, qui débute très mesuré) ; ce qui n'exclut pas de fulgurantes accélérations.  Klemperer privilégie une construction rigoureuse et une extrême animation du discours. Les transitions sont puissamment évocatrices, notamment en terme de couleurs avec, comme toujours chez ce chef, une emphase portée sur les cuivres ; ce qui transfigure la dramaturgie de la pièce en une formidable fresque musicale. L'épique du chœur des marins du III^e acte aura rarement atteint une telle grandeur effrayante. Sa distribution frôle l'idéal. Le Hollandais de Th.Adam, outre un timbre de baryton-basse unique et une diction pénétrante, a quelque chose d'impérieux, sans pathos cependant : tout le drame du héros hors norme condamné à l'errance, privé du bonheur domestique.  Le Daland de M.Talvela est imposant, bien sonore, jusque dans le registre élevé de la voix de basse qui se différencie bien de celle de son collègue.  A.Silja devait être le « dream cast ».  Découverte à Bayreuth l'été précédent, le vieil homme sera d'emblée subjugué par un matériau de chanteuse-actrice hors du commun déjà.  Elle confiera par la suite n'éprouver que peu d'attirance pour le rôle de Senta.  Et pourtant il est impossible de ne pas partager l'enthousiasme de Klemperer devant le magnétisme qui émane du personnage, l'intensité de la composition de cette voix tendue comme un arc, possédée d'une force irradiante.  Le duo Hollandais-Senta du II^e acte est fiévreux, en même temps d'une passion contenue, mais chauffé à blanc dans la seconde partie. Le « plus » du présent disque est J.King qui fait, des deux airs d'Erik, des moments de chant pur, parés d'une quinte aiguë toute italienne et de ces diminuendos qu'affectionnait le ténor américain. Que dire des chœurs de la BBC, si ce n'est qu'ils sont gagnés par la fièvre de la direction. Une indéniable référence.

 

Gustav MAHLER : Symphonie n°3.  Anna Larsson, Triffin Boys Choir, London Symphony Chorus.  London Symphony Orchestra, dir.Valery Gergiev.  2CDs LSO : LSO0660. TT : 92'10.

L'intégrale Mahler dirigée par Valery Gergiev se poursuit avec des fortunes diverses. La troisième symphonie qui suscita des réactions diverses à sa création, et qui selon son auteur « doit tout embrasser », explore un monde sonore très vaste. C'est peut-être, hormis l'énorme huitième, la plus excessive du lot.  Gergiev en souligne l'aspect puissament suggestif ou, au contraire, se complaît en des ralentis et des ppp extrêmes dans lesquels il semble comme s'écouter. Tout le contraire de la souple rigueur d'un Boulez ou de l'équilibre souverain d'un Abbado.  Reste que le chef russe excelle à dégager les traits grotesques qui parsèment une partition aux multiples facettes. Le climat très sombre du premier mouvement, avec ses coups de boutoir de la grosse caisse, voit les cordes graves très sollicitées, alors que les thèmes enjoués, de marche militaire, sont presque en retrait. Le discours s'animera de manière déclamatoire et énergique comme sait l'être le chef.  La sollicitation du texte est encore plus forte dans le second mouvement, tempo di menuetto, avec de rallentendos à la limite du maniérisme.  Le scherzo commodo et sa joyeuse thématique du Wunderhorn sont mieux restitués, profondeur de la forêt mystérieuse ; encore que les appels du cor de postillon soient maintenus trop éloignés, ce qui peut se concevoir au concert, plus difficilement à l'audition aveugle.  Les trois derniers mouvements voient le chef plus à l'aise avec un joyeux Bim Bam qui fait suite à un pénétrante invocation O Mensch (magnifique Anna Larsson). Le final se décline comme un vaste crescendo à la fois en tempo et en dynamique, fort bien ménagé, telle une majestueuse ascension. Une exécution tout en contrastes donc, à laquelle le LSO répond avec sa finesse et son engagement coutumiers et des nuances expressives proprement inouies.

 

Anton BRUCKNER : Symphonie n°4.  Lucerne Festival Orchestra, dir. Claudio Abbado.  Lucerne Festival : 640125 120455. Distrib. Festival de Lucerne (Hirschmattstrasse 13, PO. Box, CH-6002 Lucerne). TT : 64’15.

Voilà un disque qui sort de l’ordinaire.  Reflet des concerts donnés au festival de Lucerne l'été 2006, mais enregistré lors d'une tournée au Japon en octobre de la même année, cette exécution de la 4^e Symphonie de Bruckner est marquée au coin du génie. L'orchestre du Festival de Lucerne assemble autour du chef Claudio Abbado, depuis 2003, des musiciens du Mahler Chamber Orchestra (déjà formé à l'instigation de Abbado), des premiers pupitres de grands orchestres européens, comme le Berliner, des solistes de renom, telles Sabine Meyer, Tatiana Vassiljeva, Béatrice Muthelet, et enfin des membres de formations de chambre, tels Clemens Hagen du Quatuor du même nom, ou Valentin Erben, de feu les ABQ.  C'est dire la perfection instrumentale, le fini sonore sans pareil d'une formation ad hoc, certes, mais à la dévotion de son chef charismatique. De fait, la lecture d’Abbado est d'une profonde intériorité, puissante sans grandiloquence, d'un souverain équilibre, ménageant une balance interne cordes-petite harmonie quasi idéale, les cuivres enveloppant le tout. Une prise de son très étudiée parachève la restitution sonore.  On est subjugué par le fabuleux allant de ces magnifiques crescendos en tube d'orgue, inhérents à la pensée brucknérienne, et débouchant sur de majestueux accords.  Il y a là quelque chose d'autre que dans sa version viennoise (DG).  Et on saisit pourquoi cet orchestre apporte encore plus à celui qui a dirigé les plus grandes formations, et en dernier lieu les Berliner.  « Un rêve devenu réalité » se plaît-il à dire. Qu'ajouter ? Que le Bewegt initial est grandiose, empli de joie en sa péroraison ; que l’andante quasi allegretto se déroule comme une belle promenade à travers des paysages choisis de l'âme ; que le scherzo animé – cette marque de fabrique de Bruckner – est bien marqué sans être pesant, allégé par un trio qui se vit comme une danse retenue ; que l’immense finale et ses glorieuses envolées, entrecoupées de passages plus assagis, rappellent combien le compositeur de Saint-Florian doit à son instrument de prédilection, l'orgue. Un disque rare.

 

Serge RACHMANINOV.  Édition intégrale de l'œuvre.  Artistes variés.  31CDs.  Brillant Classics : BRIL 9013.

La vogue des coffrets intégraux à petit prix ne se tarit pas : après les longues boîtes Mozart ou Beethoven, et avant sans doute tout Haydn, voici Rachmaninov (1873-1943), le compositeur russe célébré pour sa faconde interprétative, et peut-être victime de sa prise en sandwich entre Prokofiev et Chostakovitch.  L'intérêt du coffret est de proposer l'ensemble d'une œuvre multiforme qui va du symphonique (dont l'Île des Morts) à l'opéra (la trilogie Aleko-Miserly Knight-Francesca da Rimini, mais aussi le moins connu Mona Vanna) en passant par la musique de chambre (un magistral Trio élégiaque, interprété ici par le Trio Borodine) et le piano bien sûr, auquel il a tant donné, comme interprète de talent lui-même.  On n’aurait garde d'oublier la musique vocale, religieuse en particulier, comme Les Vêpres ou La Liturgie de saint Chrysostome, et enfin les mélodies, si pénétrantes.  Les interprétations, habilement choisies, sont souvent de référence (les symphonies dirigées par G.Rosdesvenski, les concertos joués par Earl Wilde, un pianiste britannique trop peu connu ici).  On trouve, parmi les pianistes, Lugansky et Guilels. L'édition s'adorne encore de trois disques d'enregistrements historiques de première importance : le compositeur jouant le 2^e concerto, S.Richter dans les concertos n°1 et 2, et W.Horowitz, le grand ami et voisin à Beverley Hills, pour le 3^e, réputé d'une redoutable difficulté. Une somme, à consommer par petites doses, qui ne déçoit pas.

Claude DEBUSSY : Images pour piano.  Cl.Arrau, A.Benedetti Michelangeli, J.Doyen, M.-F.Gaillard, W.Gieseking, M.Meyer, I.Paderewski, A.Rubinstein, R.Vines.  Collection « in Memoriam ».  Ysaÿe Records : IM01. TT : 74’29.

Autres trésors d'archives : les Images pour piano de Debussy, jouées par les grands maîtres du clavier de la première moitié du XX^e siècle, dans des enregistrements réalisés entre 1926 et 1949.  Fascinantes comparaisons puisque, pour chacune des six pièces qui constituent le cycle, sont proposées plusieurs interprétations, de une à six selon les morceaux.  Dans son article introductif, la compositrice Betsy Jolas souligne la difficulté de bien jouer Debussy au piano : les tempos constamment fluctuants, les climats changeants, le pianisme fait d'une multitude d'indications. Et de se demander « s'il existe une véritable tradition de l'interprétation de l'œuvre pianistique de Debussy ».  Elle dit encore être frappée « de constater nombre d'inexactitudes », et des libertés que prennent les pianistes, des défauts de rigueur même.  Quoi qu'il en soit, que de prodiges ici : pour Reflets dans l'eau, on va de Paderewski (1926), à Gieseking (1936), le plus près du texte, le plus poète aussi, à Benedetti Michelangeli (1948) le plus lent, mais quelle liquidité, à Rubinstein (en 1945), qui selon Jolas, se fourvoie un peu, à Doyen (1943 ) le plus objectif.  Pour «Hommage à Rameau, il y a peu à choisir entre Doyen et Meyer, si ce n'est le même souci d'exactitude.  Mouvement confronte Doyen encore, immatériel à la fin, et Arrau, le premier à avoir enregistré une pièce intégrale, parue en 1949.  La précision légendaire de Gieseking se mesure aux climats éthérés d'un Arrau dans Cloches à travers les feuilles.  Seule interprétation historique de Et la lune descend sur le temple qui fut, celle de Marcelle Meyer, est imparfaite selon B.Jolas. Poissons d'or est exécuté tant par Viñes (1930), le dédicataire, chantre des nuances, que par Meyer (1947), comme par Gieseking (1937) et Rubinstein (1945), le plus expansif, quoique proche du créateur, très clair et articulé. Malgré le grésillement dû au report des 78 tours, les prises de son sont d’une surprenante présence. À déguster.

 

« Souvenirs ».  Airs de : Emmerich Kalman, Richard Heuberger, Franz Lehár, Gustave Charpentier, Jacques Offenbach, Richard Strauss, Edvard Grieg, André Messager, Antonin Dvořák, Nikolaï Rimsky-Korsakov, Reynaldo Hahn, Andrew Lloyd Weber, Carlos Gustavino...  Anna Netrebko, soprano. Avec Elina Garanca, mezzo-soprano, Piotr Beczala, ténor, Endrew Swait, sopraniste.  Prague Philharmonic Choir, Prague Philharmonia, dir. Emmanuel Villaume.  DG : 477 7451. TT : 62’59.

C’est un bien curieux album de souvenirs que nous offre la grande chanteuse russe.  Star system oblige, les divas aiment à livrer leurs secrètes pensées et leurs plus beaux clichés. Pourquoi pas, si le résultat est à la hauteur des espérances. Ces pièces chères à son cœur, qui lui rappelent des moments spéciaux de sa (jeune) carrière, nous font voyager à travers les genres et côtoyer les compositeurs les plus divers. Elle nous dit être décidée à se faire plaisir.  Nous fait-elle vibrer ? Rien n'est moins sûr. Un charme vocal à revendre, une technique parfaite, le challenge des différentes langues - comme Rita Streich naguère – ne peuvent cependant masquer un manque de style.  On ne passe pas si aisément d'un compositeur à l'autre, même avec une indéniable aisance et des aigus éblouissants, perlés ou glorieux, que magnifie une prise de son réverbérée en diable.  Les meilleures prestations, on les trouve dans les deux mélodies de Rimky-Korsakov où elle est à l'évidence dans son élément, en dépit de la vastitude du propos dû à l'orchestration de pièces conçues pour l'intimité de l'accompagnement au piano. Elle l'est aussi dans les Lieder de Richard Strauss où elle entre en concurrence directe avec Renée Fleming.  Mais que dire de l’air de Louise « Depuis le jour », pris trop lent et si léché dans la recherche du beau son qu'il en devient un grand air de concert. Il en va de même pour celui de Fortunio où la bluette flotte dans un si grand habit.  La Barcarolle des Contes d’Hoffmann fait mouche. La voix de E.Garanca dans la partie de Nicklausse y est pour quelque chose. Mais le court morceau de Zarzuela est comme hors de propos. Où est la patte d'uneVictoria de Los Angeles ! Si une autre chanson espagnole est sympathique, les airs d'opérettes viennoises, malgré les faveurs d'un timbre corsé dans le médium, paraissent empruntés. Bien qu'on ne puisse mettre en doute la conviction que met Netrebko, aidée en cela par les accompagnements efficaces de E.Villaume, il faut admettre que tout ici manque de simplicité pour émouvoir vraiment. Une performance, certes, mais pour laisser quelle trace ?

 

Bel Canto spectacular.  Arias de DONIZETTI (La Figlia del Regimento, La Favorite, L'Elisir d'Amore, Linda di Chamounix, Lucrezia Borgia), BELLINI (I Puritani), ROSSINI (Il Viaggio a Reims).  Juan Diego Flórez, ténor.  Avec Anna Netrebko & Patrizia Ciofi, sopranos, Daniela Barcellona, mezzo-soprano, et Martiuz Kwiecien, baryton.  Orquestra de la Communitat Valenciana, dir. Danel Oren.  Decca : 478 0135. TT : 76'.

Voilà un ténor chez lui. Si le titre reste aguichant, le résultat est là, indéniable : un vrai maître du bel canto.  Comme démontré au Royal Opera de Londres, Donizetti est un idiome qui lui va comme un gant.  L'agilité vocale dans les fioritures n'a d'égale que la facilité d'émission couronnée par une quinte aiguë rarement aussi nette, sans effet disgracieux. On peut en juger dans l'air de La Fille du régiment, donné ici dans sa version italienne, avec ses neuf contre-ut en cascade. Mais notre homme possède bien d'autres talents que celui de distiller les top notes : « Ange si pur » tiré de La Favorite compose un ardent portrait de l'aimée, tout comme l'aria de Lucrezia Borgia, dans un contexte plus sombre.  Les airs de Linda di Chamounix sont des moments de grande beauté, notamment la belle cavatine d'adieu qui s'achève dans un fil de voix.  L'air célèbre « Una furtiva lagrima » de l’Elisir d'Amore est délivré avec force ornementations.  Florez convoque d'autres stars, à commencer par A.Netrebko, pour le duo de I Puritani, échange incandescent que termine un vertigineux contre-ut lancé à la volée par deux voix d’or.  Tout comme la brillante P.Ciofi ou D.Barcellona, beau timbre grave, dans Il Viaggio a Reims - seule incursion du récital dans le répertoire rossinien - qui fait frissonner par sa faconde vocale parodique sur fond d'effets inimitables à l'orchestre. Partout, la pureté stylistique du ténor péruvien est en évidence, son timbre rayonnant sur toute l'étendue du registre, ses glorieux aigus, sa vocalité puissante et nuancée, jamais si belle que lorsqu'elle évolue dans le registre de la mélancolie, sa maîtrise du legato ; en un mot sa personnalité qui de disque en disque, comme dans ses diverses apparitions scéniques, s'affirme toujours plus nettement. La direction de D.Oren ménage à profusion l'excitation de ces pages orchestrales colorées, qui fait écho à la vaillance irrépressible du chanteur.  Bonne nouvelle : on l’annonce pour bientôt à l’Opéra de Paris.

Jean-Pierre Robert.

 

Jean-Sébastien BACH : Nun Komm’Der Heiden Heiland. Préludes, Fugues &Chorals. Edna Stern (piano).  Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com). TT : 65’42.

Pari réussi pour la pianiste Edna Stern qui veut rendre compte de la vocalité instrumentale dans l’œuvre pour clavier de J.-S. Bach.  Avec ce disque qui débute par le choral luthérien qui donne son nom à l’enregistrement, elle nous propose un parcours qui s’apparente plus à la cantate qu’à une suite abstraite de pièces (préludes et fugues) où la question de l’instrument devient secondaire pour laisser place à toute la ferveur et la transcendance de la musique du Cantor. Cette aspiration à la verticalité est attestée par la succession des différents chorals et la progression des tonalités faisant de ce disque un ensemble d’une rare cohérence. Une interprétation intelligente toute en nuances, riche en couleurs, où le piano développe toutes ses possibilités d’imitation vocale et orchestrale, avec, de plus, une remarquable prise de son qui donne à ce disque un supplément d’âme qui fait défaut dans de nombreux autres enregistrements. Puisque ce disque commence par un appel… Écoutons-le !

 

Serguei RACHMANINOV : Trios élégiaques n°1 et 2.  Régis Pasquier (violon), Roland Pidoux (violoncelle), Jean-Claude Pennetier (piano). Saphir Productions : LVC 1091. TT : 64’25.

Le label Saphir poursuit la publication de la musique de chambre de Rachmaninov.  Après l’enregistrement récent de sa sonate pour violoncelle et piano, ce sont aujourd’hui les deux trios élégiaques qui nous sont proposés dans une très belle interprétation.  Les instrumentistes, ici, s’écoutent, se répondent pour nous rendre, au mieux, ce climat d’intériorité et de mélancolie caractéristiques du compositeur. Ces deux compositions sont des œuvres de jeunesse composées respectivement en 1892 et 1893. Le premier trio, écrit en quatre jours, fut égaré pendant de nombreuses années et édité à titre posthume en 1947 ; le second, op. 9, composé à la mémoire de Tchaïkovski, de forme tripartite également, fut remanié plusieurs fois par le compositeur jusqu’à sa version définitive achevée en 1917.  Ces deux trios ont en commun l’expressivité de la ligne mélodique, un lyrisme chantant, un pessimisme hérité de l‘auteur de la Symphonie pathétique, bien rendus par la virtuosité du piano, la souplesse des cordes et la qualité de l’interprétation.

 

Andy EMLER, piano : For better times.  Distr. Harmonia Mundi.  TT : 53’49.

Personnalité atypique, catalyseur de rencontres et d’improvisations, Andy Emler est un pianiste éclectique trouvant son inspiration à des sources aussi variées que les musiques traditionnelles, folkloriques, rock, jazz ou classiques.  De formation classique, membre en 1986 de l’Orchestre national de jazz, compositeur reconnu et plusieurs fois récompensé par la critique, il nous propose, avec cet album solo, un dialogue imaginaire à plusieurs voix, solitaire et envoûtant, mêlant des mélodies évanescentes à des sonorités étonnantes parfois agressives, répétitives, mais toujours convaincantes. C’est une invitation au voyage… Laissons-nous embarquer !

Patrice Imbaud

 

Écriture du désastre.  Olivier Aude (guitare & traitements), Wilfried Wendling (électronique & traitements), Nicolas Senty (voix).  In Circum Girum : ICG 0707-1. Distr. : Socadisc Europe.  TT : 54’34.

Cet enregistrement propose un projet original : le mariage d’aphorismes philosophiques et d’improvisations autour de traitements électroniques sur des textes de Maurice Blanchot, Friedrich Nietzsche ou Sénèque. À l’inverse de la poésie, l’aphorisme philosophique permet la transmission du sens, ici source naturelle d’inspiration pour une réaction musicale spontanée. La performance d’Olivier Aude et de Wilfried Wendling est remarquable. Soutenant les textes interprétés avec force et vigueur par Nicolas Senty, la musique s’intègre dans un ensemble cohérent au sein duquel le sens émerge à tout moment.  Certes l’audition nécessite un lâcher-prise et une ouverture d’esprit indispensables pour s’autoriser à dépasser le seul niveau du langage. Mais l’expérience est convaincante et investit l’imaginaire dans un kaléidoscope sonore qui surprend à chaque instant.  À écouter et méditer.

 

Cécile CORBEL : Song Book, vol.2.  Bran Music : RSCD287. Distrib. : Keltia Music. TT : 49’06.

Légendes de Bretagne, brumes d’Écosse et fées d’Irlande sont au rendez-vous dans ce nouvel album de la harpiste-chanteuse bretonne.  Cécile Corbel, de sa voix limpide et assurée nous ouvre tout un monde de mythes et légendes dans un univers musical envoûtant et dynamisant, soutenu par des arrangements d’une grande qualité. Fruit d’un travail de deux années sur les routes, sur scène ou en studio, ce nouvel album ne décevra pas les fans de cette magicienne de la musique celtique.  Une voix expressive et bien posée, des cordes suaves et discrètes, une pointe d’orientalisme (Innocence), une harpe fluide mais présente, la musique de Cécile résonne en chaque auditeur comme si elle faisait partie de lui-même… c’est magique ! Une valeur sûre du folk celtique qui nous plonge dans un monde enchanteur.

 

Toccata Festiva : œuvres de Barber, Widor, Boëllmann, Gigout.  Jean-Pierre Ferey (piano) & Frédéric Ledroit (orgue & harmonium).  Skarbo : DSK4078.  TT : 61’08.

Piano et orgue, piano et harmonium, Jean-Pierre Ferey et Frédéric Ledroit s’investissent ici dans des duos inhabituels mais d’un intérêt incontestable. La Toccata Festiva de Samuel Barber (1960), d’un caractère festif et résolu encadrant des épisodes méditatifs, côtoie les Scènes du Moyen Âge de Léon Boëllmann (1893), signe du retour en grâce du Gothique à la fin du XIX^e siècle, toutes en élégance et en clarté structurelle.  Plus légères et gracieuses sont les pièces pour piano et harmonium de Widor et de Gigout, deux grands maîtres de l’orgue qui n’ont pas hésité à côtoyer la musique de salon.  Les Six Duos pour piano et harmonium de Widor (1891) contrastent avec ses huit premières symphonies pour orgue.  Les douces mélodies s’adaptent au goût aimable de la société bourgeoise du XIX^e siècle, toutes de charme et de sensibilité. Le duo Ferey-Ledroit nous offre dans cet enregistrement de véritables instants de bonheur dans une interprétation délicate et mesurée, sans emphase ni ostentation. De l’élégance et du savoir-faire !

 

Platero y yo, de Juan Ramón Jiménez.  Musique : Mario Castelnuovo-Tedesco.  Clément Riot (narrateur) & Miguel-Ángel Romero (guitare).  Oui’dire : ODL 665 et 666. TT : 123’.

La poésie est au rendez-vous dans cet album idéaliste et enchanteur qui met en scène le poète Juan Ramón Jiménez (1881-1958) et Platero, figure mythique de l’âne compagnon au pays andalou. On est projeté hors du temps, au fil des saisons, dans un univers où les animaux et la nature sont humanisés avec chaleur et tendresse dans le cadre d’un village espagnol. Les vingt-huit textes, interprétés avec force expression par Clément Riot, sont soutenus par une musique éloquente de Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968) en une suite de petits poèmes symphoniques aux harmonies élégantes et simples mais raffinées.  Interprétée par le jeu délicat et sensible du guitariste Miguel-Ángel Romero, la musique souligne le texte, le renforce ou le complète, sans redondance ni exagération, apportant sa touche parfois discrète mais indispensable.  Une bouffée d’air frais dans ce monde où la poésie est si souvent absente !

Gérard Moindrot

 

Abbo Abbas. Polyphonies françaises & anglaises de l’an mil.  Ensemble Dialogos (www.ensemble-dialogos.org), dir. Katarina Livljanić.  Ambronay Éditions : AMY 017.  TT : 64’08.

Ensemble de musique médiévale fondé en 1997 par Katarina Livljanić [notre photo], Dialogos aborde de manière originale les répertoires les plus archaïques.  Issues de manuscrits de Cambridge, de la Bibliothèque nationale de France, de Fleury, de la Biblioteca Apostolica Vaticana, d’Orléans ou de Dijon, les pièces de son répertoire ont été, le plus souvent, soit transcrites par Susan Rankin ou Wulf Arlt, soit mélodiquement reconstruites par le chef de chœur elle-même, Katarina Livljanić.  Pures merveilles !

©Johannes Ritter

 

SCHUBERT : Die schöne Müllerin.  Nathalie Stutzmann (contralto).  Inger Södergren (piano).  Calliope (www.calliope.tm.fr) : CAL 9379.  TT : 66’01.

Rares sont les contraltos à aborder ce cycle.  Est d’autant plus précieuse cette interprétation de la grande Nathalie Stutzmann qui sait, à point nommé, adoucir - sans jamais le détimbrer - un organe d’une puissance exceptionnelle.  Parfaite communion expressive avec l’admirable pianiste suédoise Inger Södergren.

 

SCHUBERT : Sonate en sib majeur, D 960. SCHUBERT/LISZT : Der Müller und der Bach / Der Doppelgänger / Valse-Caprice n°6.  Frédéric D’Oria-Nicolas, piano.  Fondamenta : FON 2008-01.  Integral Distribution.  TT : 62’13. 

Avec la Sonate D 960, opus posthume, achevée en 1828, Schubert enterrait définitivement l’ère du classicisme viennois et livrait, en quelque sorte, son propre testament.  Prix 2005 de la Révélation classique de l’Adami, Frédéric D’Oria-Nicolas nous en offre ici une austère lecture.  Interprétation hallucinée du terrifiant Doppelgänger… Avec la Valse-Caprice n°6, nous retrouvons, en revanche, toute l’élégance de l’esprit viennois.

 

MENDELSSOHN, JANÁČEK, R. STRAUSS : Sonates pour violon & piano.  Gérard Poulet (violon), Ludmilla Berlinskaïa (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1087.  TT : 67’32.

Voilà, heureusement regroupées, trois sonates peu connues, signées pourtant d’illustres compositeurs.  Magnifiquement servies par deux interprètes dont il n’est plus besoin de vanter les qualités lyriques.

 

Max REGER : Pièces pour violoncelle & piano.  Sonates n°1, op.5.  Sonate n°2, op.28.  Alexandre Kniazev (violoncelle), Edouard Oganessian (piano).  Saphir (www.saphirproductions.net) : LVC 1101.  TT : 74’01.

Voilà un compositeur à réhabiliter - du moins en France.  Musiques souvent aimables et élégantes, même si d’autres sont graves, voire convulsives.  C’est, bien sûr, dans des pièces de genre telles que celles-ci que transparaît son caractère avenant.  Cependant que ses sonates, notamment l’opus 28, sont plus tumultueuses.  À découvrir !

 

Hypnos.  Pierre Hamon, flûtes.  Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090101.

Entouré de vièles, cistres, luth médiéval, tambourins et guimbarde, le multi-flûtiste Pierre Hamon a ici réussi le tour de force d’allier musiques contemporaines et musiques médiévales : pièces de son cru, mais aussi de Philippe Schœller et Mario Lavista, pour flûte à bec ténor, flûte Bansuri, Kuisi femelle (sic) ou flûte double.  Pièces traditionnelles arménienne, sépharade, bretonne, italiennes, ainsi que de Guillaume de Machaut (Dame je weil endurer / Comment qu’à moy lointaine).  Bien davantage qu’une curiosité !

 

Tomaso ALBINONI : Sinfonie a Cinque, op. 2.  Ensemble 415 (violon & direction : Chiara Banchini).  Zig-Zag Territoires : ZZT 090202.

Surtout connu pour un Adagio apocryphe (composé quelque 200 ans après sa mort), Albinoni n’est pas encore sorti d’un fâcheux purgatoire.  Ainsi son œuvre immense reste-t-elle à découvrir : 10 recueils imprimés, comprenant force pièces profanes (sonate, concerti, balleti, cantate, serenate) ou sacrées, sans préjudice de… plus de 50 opéras ! Ne manquez pas le premier enregistrement de ces six Sinfonie a Cinque - à l’origine du futur concerto venexiano.

 

Night’Dream.  Marianne Piketty (violon), Pascal Contet (accordéon).  Maguelonne (www.maguelonne.com) : MAG 111.174.  Integral Distribution.  TT : 54’02.

Par deux artistes familiers des musiques d’aujourd’hui, voici rassemblées – dans une alchimie de timbres à tout le moins peu banale – des œuvres d’Astor Piazzolla (Night Club 1960), Graciane Finzi (Impression Tango), Ernest Bloch (Vidui et Nigun), Laurent Mettraux (Émergences), Bernard Cavanna (Les Disparus), Joëlle Léandre (Blue Butterfly), Renaud Gagneux (Trois nouvelles danses populaires) et… Béla Bartók (Six danses roumaines).  Tout à fait convaincant !

 

Café 1930.  Tangos. Ensemble Contraste : Geneviève Laurenceau (violon), Arnaud Thorette (alto), Raphaël Merlin (violoncelle), Johan Farjot (piano, direction musicale). Zig-Zag Territoires (www.zigzag-territoires.com) : ZZT 090103.

Pour cette merveilleuse anthologie tanguera, les solistes & le Chœur de Paris-Sorbonne (dir. Denis Rouger), Raphaël Imbert (saxophone) et André Ceccarelli (batterie) se sont joints aux virtuoses du juvénile ensemble Contraste.  Savants arrangements, par Denis Rouger (nouveau chef de l’Orchestre Paris-Sorbonne), de tangos historiques : La Paloma, La Cumparsita, Adiós Muchachos, El día que me quieras, mais aussi de plus récents, d’Astor Piazzolla : Adiós Nonino, Oblivion, Café 1930, Contraste, La Misma Pena, Milonga del ángel, Invierno Porteño, Tangata, Saint-Louis-en-l’Île…  Une réalisation qui fera date !

DVD

SCHUBERT : Die schöne Mullerin.  Christoph Prégardien (ténor), Michael Gees (piano).  Medici Arts (www.medici.tv) : 2057308.  TT : 78’ + 26’ (bonus).

Enregistré en public, à la « Liederhalle Mozartsaal Stuttgart » (août 2008), ce récital comblera les innombrables admirateurs du grand interprète de Lieder. Une réserve toutefois quant à la présence et l’expressivité souvent excessives du pianiste Michael Gees - Schubert ne saurait être accompagné comme Schumann… En bonus : « Christoph Prégardien nous entretient de Schubert et de La Belle Meunière ».

 

Ludwig van BEETHOVEN : Intégrale des Concertos pour piano.  Murray Perahia, piano.  Academy of St Martin in the Fields, dir. Sir Neville Marriner.  « Classic Archive », 2DVDs Idéale Audience / Medici Arts (www.medici.tv) : 3085298.  TT : 103’ + 73’.

Enregistrée live en 1988, au Royal Festival Hall de Londres, cette intégrale – jusqu’à présent archive de la BBC – vient d’être magnifiquement restaurée par Idéale Audience.  Qui n’aurait, à cette écoute, le sentiment d’une idéale restitution de la pensée beethovénienne ?  Simplicité sans affectation, jaillissement constant - dans une admirable communion du soliste et du chef d’orchestre…  Miraculeux !

 

SCHUBERT : Quatuor à cordes en ré mineur « La jeune fille et la mort ».  RAVEL : Quatuor à cordes en fa majeur.  Hagen Quartett : Lukas Hagen, 1^er violon / Annette Bik, 2^nd violon (Schubert) / Rainer Schmidt, 2^nd violon (Ravel) / Veronika Hagen, alto / Clemens Hagen, violoncelle.  Medici Arts : 2072338.  TT : 76’.

Dans la baroquissime bibliothèque de Varau (Autriche), les très jeunes musiciens du Quatuor Hagen enregistraient, en 1987, « La jeune fille et la mort », avec toute la profondeur tragique que nécessite une œuvre proche, parfois, de la morbidesse.  Dans le Quatuor de Ravel, en revanche, enregistré en 2000 devant le public du Mozarteum de Salzbourg, ils se jouent de la transparence versicolore de l’œuvre.  Notons que les Hagen prennent le premier mouvement (Allegro moderato) dans le tempo relativement rapide souhaité par Ravel (en témoignent les enregistrements que supervisa le compositeur), si rarement respecté par d’autres formations.

 

Romeo CASTELLUCCI : Inferno, Purgatorio, Paradiso. Musique originale : Scott Gibbons.  D’après « La Divine Comédie » de Dante.  Un film de Don Kent.  2DVDs Vidéo, Arte Éditions (www.arte.tv ou www.arteboutique.com).  TT : 3h20’.

Dans ce film (tourné, pour l’essentiel, au Festival d’Avignon), Romeo Castellucci a souhaité « être » Dante, « adopter son comportement comme au début d’un voyage vers l’inconnu ».  L’Enfer : L’artiste doit payer, mais il ne sait ce dont il est coupable… Le Purgatoire : Dans un intérieur grand-bourgeois, la routine du foyer se dilate peu à peu en tableaux oniriques… Le Paradis : Une antichambre blanche donne accès à une pièce noire, très haute, où l’on est suspendu dans une région inaccessible à l’œil humain, contraint à une métamorphose intérieure…  En bonus : Entretien avec Piersandra di Matteo / Interview de Romeo Castelluci, par Gustav Hofer.

Francis Gérimont