Hildegard von BINGEN.  Le mariage du ciel et de la terre.  Jade (43, rue de Rennes, Paris VI^e, promotion@milanmusic.fr) : 699 644-2.  TT : 47’55.

Depuis la découverte relativement récente de Hildegard von Bingen, l’intérêt pour cette abbesse du monastère Saint-Rupert, près de Bingen (Rhénanie), également musicienne, médecin, botaniste et visionnaire, n’a cessé de croître. Soliste internationale, Catherine Braslavsky, avec sa vaste expérience du chant grégorien, fait découvrir avec bonheur cette personnalité exceptionnelle, auteur de l’Ordo virtutum, genre d’oratorio et de quelque 77 autres chants pour son couvent.  Joseph Rowe (oud, percussions notamment orientales…) crée, d’entrée de jeu, l’atmosphère propice à l’écoute du texte, et soutient admirablement la voix mystérieuse et mystique de la soliste.  O Tu Illustrata, avec ornementations à la manière orientale, projette l’auditeur dans un monde quasi intemporel, encore renforcé dans la Louange à la Trinité (Laus Trinitati) par les commentaires instrumentaux.  O frondens Virga se fait plus rêveur, alors que O Ignis Spiritus est plus contemplatif.  Le rythme se fait plus présent dans O Virga ac Diadema.  L’invocation au Saint-Esprit (Spiritui Sancto) s’élance dans le recueillement, alors que le Kyrie, empreint de pureté, débute par des onomatopées très souples.  À l’Ave generosa, succèdent trois interpellations : à Jérusalem, au doigt de Dieu, au Berger des âmes.  Cet excellent duo s’impose par le calme, la sérénité et la plénitude dont notre époque a tant besoin.

 

Requiem pour Claude de Lorraine.  Le Parnasse Français (contact : Prof. Yves Ferraton, Université Nancy 2) : 005.  TT : 54’38.

La pièce la plus originale de ce disque est le Requiem pour Claude de Lorraine, deuxième fils du duc René II de Lorraine ; élevé à la cour de France, il s’est installé dans l’ancien château médiéval de Joinville.  En 1526, grâce à François I^er, il est duc et pair de France. En 1550, il meurt après une violente maladie et a droit à de fastueuses funérailles lors desquelles la Missa pro Mortuis de Pierre Cléreau (v. 1520-av. 1570), ami de la famille de Guise, a été chantée.  Cette messe-paraphrase pour le duc de Guise repose sur des mélodies grégoriennes.  Monodie et polyphonie dans le sillage de l’école dite « franco-flamande » alternent.  À côté de l’intonation grégorienne, très prenante, le contrepoint non exempt d’éléments italianisants confère toute la plénitude requise à ce Requiem.  Au programme de ce CD, figure également une sélection de Canzone et un Ricercar d’Andrea Gabrieli (c. 1532-1585) d’après des chansons profanes, du meilleur effet. Des sonorités exceptionnelles, notamment de cornets (basse de cornet : V. Hostiou), ténor de viole, basson renaissance, orgue historique… recréent parfaitement l’atmosphère spécifique de ce programme original, grâce à l’Ensemble Entheos, placé sous la direction de Benoît Damant.  Félicitations à Yves Ferraton, directeur artistique, pour avoir notamment tiré de l’oubli ce Requiem pour Claude de Lorraine.

 

Zwischen Wien und London.  Charisma Produktion (Postfach 1113, D-37001 Göttingen info@charisma-cd.de) : Clavier 01.  TT : 73’19.

Le titre, quelque peu énigmatique : Entre Vienne et Londres, regroupe en fait des musiciens qui - tels que Johann Christian Bach et Johann Christoph Friedrich Bach (fils de Jean Sébastien), Muzio Clementi, « concurrent » de Mozart, et l’élève de ce dernier : Johann Nepomuk Hummel, sans oublier Franz Joseph Haydn - ont tous voyagé et se sont illustrés dans le domaine de la sonate.  L’originalité de cette réalisation réside dans l’utilisation d’un fortepiano (1800), copie d’un instrument d’Anton Gabriel Walter (1752-1826).  Le son en est assez sombre, sec et sourd.  Gerrit Zitterbart propose ainsi un « récital de piano imaginaire à Vienne » dans la deuxième moitié du XVIII^e siècle. L’excellente plaquette présente tous ces compositeurs et leurs périples européens. La Sonate en ré majeur (1766) de J. Chr. Bach, sans ambages, frappe par la transparence, la précision et le jeu perlé de l’excellent pianiste.  Elle marque l’esprit de toute une époque, avec une certaine insouciance. Les oppositions sont très soignées ; les divers plans, bien mis en valeur. L’Allegro de la Sonate en ré majeur (1785) de J. Chr. Fr. Bach, plus énergique, contraste avec l’Andante grazioso, un tantinet romantique.  Le Rondo est plus percutant.  Avec la Sonate en sol mineur (1782) de M. Clementi - appartenant à la génération suivante -, l’atmosphère change : traits de virtuosité, accords incisifs, cadences bien marquées.  À l’Andante de la Sonate/Variations en fa mineur (1794), particulièrement développée, de Fr. J. Haydn, succède une Sonate (1807) de J. N. Hummel (troisième génération), dans la même tonalité.  Excellent parcours dans le temps et dans l’espace, grâce à un interprète hors pair.

 

Franz SCHUBERT : Sonate B-Dur D 960-Tänze.  Charisma Produktion : Clavier 02.  TT : 64’07.

Il y a quelque 30 ans, Gerritt Zitterbart a eu un coup de foudre pour la Sonate en sib majeur, op. posth. D 960 (1828) de Schubert.  Après avoir d’abord joué cette œuvre célèbre sur un beau piano Bösendorfer Impérial de 1987, il a souhaité l’enregistrer à nouveau sur un fortepiano de Nannette & Johann Baptist Streicher, construit en 1829 - soit un an après la mort du compositeur.  Il a été subjugué, non seulement par la date, mais aussi par l’instrument aux sonorités si chantantes.  Ce programme comprend - outre cette Sonate en 4 mouvements, interprétée avec infiniment de musicalité - d’autres œuvres de Schubert : deux Scherzi, trois brèves Écossaises, des Danses allemandes et des Valses.  L’ensemble se caractérise, à la fois, par la fidélité à l’instrument pour lequel ces pages ont été pensées, par le respect des intentions du compositeur et par le souci de l’expression contenue.  Ce CD doit figurer en bonne place dans toutes les discothèques de pianistes et de mélomanes avertis.

 

Léon BOËLLMANN : Suite Gothique, 2^e Suite.  Fugatto (CD Diffusion : 28, route d'Eguisheim, BP 4, 68920 Wettolsheim. info@cddiffusion.fr) : FUG 015.

Parfaite adéquation entre l’orgue symphonique alsacien de la Collégiale de Thann et les œuvres et un musicien, Léon Boëllmann (1862-1897), né à Ensisheim, en Alsace ; entre un instrument de facture romantique et des œuvres mystiques dans la mouvance postromantique proche de C. Franck, annonçant déjà L. Vierne et Ch.-M. Widor, et plus ou moins pensées pour l’orgue Cavaillé-Coll de l’église Saint-Vincent-de-Paul, à Paris.  En fin connaisseur, Philippe Delacour - élève de Marie-Claire Alain, actuellement professeur au conservatoire de Metz et titulaire de l’orgue Cavaillé-Coll de Notre-Dame dans cette même ville - interprète la fameuse Suite Gothique, op. 25 (publiée en 1895).  On y retrouve la forme du choral, l’esthétique du grand chœur de structure répétitive, mais aussi la douceur sulpicienne dans la Prière à Notre-Dame, la page la plus connue étant la Toccata en ut mineur avec son motif caractéristique et son rythme pointé.  Composée un an plus tard, la Deuxième Suite, op. 27, comporte le Prélude pastoral, l’Allegro con moto particulièrement bien registré, suivi de l’Andantino avec de nombreuses modulations et, enfin, du Final-Marche dans le sillage de Charles-Marie Widor.  Grâce à Philippe Delacour, justice est rendue à un musicien français dont l’existence a été trop brève et dont les œuvres gagneraient à être jouées plus souvent.

 

Chants polyphoniques basques (Ametz Bat / Rêve).  Jade (43, rue de Rennes, Paris VI^e. promotion@milanmusic.fr) : 699 645-2.  TT : 55’19.

Nouvelle initiative sortant des sentiers battus : les éditions Jade proposent une sélection de chants polyphoniques basques interprétés par un chœur d’hommes : Otxote (c’est-à-dire : 8, octuor).  Le programme comprend des chants sacrés : Je vous salue, Marie (Agur Maria)… et des chansons traditionnelles a cappella : La fête du village (Herriko Festa), Nous sommes les fils du Pays basque (Chanton Piperri), Chanson du vieux poète (Cancion del viejo poeta).  Les voix profondes et homogènes, naturelles et parfois mystérieuses, une harmonisation assez classique, des onomatopées, une volubilité certaine, des progressions dynamiques, des effets d’écho, de longues tenues sur lesquelles plane une mélodie très prenante, une gravité saisissante ou un entrain exubérant, des tessitures contrastées : autant de caractéristiques émanant de cette musique vivante et authentique, obtenue grâce à la discipline des huit chanteurs dirigés avec autorité et compétence par Jordi Freixa.  Ils proposent « Un voyage au cœur d’Euskadi, terre du Pays basque » et cela, dans le respect de la tradition.

 

Par les tendres soirs de lune.  Polymnie (49bis, route de Maisons-Blanches, 10800 Buchères. contact@polymnie.net) : POL 160 650.  TT : 58’.

Mario Hacquard, baryton, lié à Germaine Tailleferre - « la » dame du Groupe des Six disparue en 1983 - après avoir chanté le Requiem de G. Fauré à ses obsèques, lui rend ici hommage avec une sélection de mélodies pour la plupart inédites - sur des textes de G. Apollinaire : L’Adieu du cavalier, si prenant / de J. Prévert : Chasse à l’enfant, si poignante / de M. Lacloche : Paris sentimental, goguenard et pittoresque / de R. Pinget : Pancarte pour une porte d’entrée.  Il s’agit de miniatures quelque peu mystérieuses, discrètement accompagnées, dans le prolongement de l’esthétique de H. Duparc, G. Fauré, M. Ravel...  Ces mélodies de Germaine Tailleferre sont encadrées par les Proses des mortes d’Eugène Vial, mises en musique par Valentin Neuville (1863-1941), et par les Chants laotiens écrits par Louis Laloy et Joseph Trillat, et composés par Henri Tomasi (1901-1971).  Belle défense et illustration des mélodies de Germaine Tailleferre à redécouvrir, grâce aux talents de Claude Collet (piano) qui, tour à tour, crée l’atmosphère, assure les transitions et soutient la voix si convaincante de Mario Hacquard.  On ne pouvait rendre meilleur hommage à la dame du Groupe des Six.

Édith Weber

 

Ballade pour Edvard GRIEG : Concerto pour piano, Pièces lyriques (extraits), Ballade op.24, par Leif Olf Andsnes.  EMI Classics : 3 94399 2.  TT : 71'44.

Pour célébrer le centenaire de Grieg (2007), le pianiste L.O. Andsnes rapproche, sur un même CD, le Concerto pour piano d'une sélection de pièces pour piano solo.  Prototype du grand concerto romantique, celui de Grieg qui vit au disque injustement dans l'ombre de celui de Schumann, doit entre les mains du pianiste norvégien autant à la virtuosité puissante qu'à l'expressivité contrôlée.  Le subtil mélange de vitalité irrépressible et de lyrisme modulant est mis en exergue dans des cadences emplies de bravoure lisztienne.  La palette sonore grandiose dans laquelle baigne l'œuvre ne doit pas faire oublier que l'harmonie puise ses couleurs dans la tradition folklorique nordique.  Conduits par M. Jansons, les Berliner Philharmoniker forment un écrin de choix à une exécution de haut vol.  Outre un bouquet de Pièces lyriques, jouées sur l'instrument du compositeur dans sa maison natale, aujourd'hui musée, ou l’art de créer un climat dans une miniature, le pianiste offre une exécution pénétrante de la Ballade op. 24.  Basée sur un thème de chant populaire norvégien, elle se compose d'une suite de variations d'intensités différentes conçues par Grieg « comme une série de tableaux dont les climats mouvants se font l’écho de son état d'esprit du moment », selon le pianiste qui souligne ce que l'écriture a ici d'exigeant.  Son caractère intimiste et sombre est à l'image des paysages intérieurs.

 

Felix MENDELSSOHN : Concerto pour violon et orchestre ; Octuor à cordes.  D.Hope, Chamber Orchestra of Europe, dir. Th.Hengelbrock.  DG/Universal : 477 6634.  TT : 64'36. 

Le violoniste Daniel Hope, de feu le Beaux Arts Trio, signe un CD original consacré à Mendelssohn.  Qui plus est, il apporte un nouvel éclairage sur des partitions qu'on croyait bien connaître.  Du Concerto, nous entendons la version de 1844 qui s'ouvre sur un allegro con fuoco et offre une cadence plus courte que dans la version habituellement jouée. L'interprétation de Hope est d'une musicalité distinguée, puisée auprès de son maître Menuhin, poignante à l'andante, d'une suave mélodie.  Elle se pare au final de grâce aérienne et espiègle.  Sous la conduite toute en finesse de Th. Hengelbrock, le Chamber Orchestra of Europe, procure un accompagnement fluide et transparent.  L'Octuor à cordes appartient au vaste vivier des œuvres de jeunesse.  On ne sait qu'admirer le plus ici : la vitalité débordante de l’allegro initial presque enivrant dans son développement, la gravité nimbée d'une pointe de mélancolie de l'andante, le mode aérien du scherzo leggierissimo pris à vive allure, sorte de danse des elfes où tout est effleuré, avec d'extraordinaires dégradés sonores sur lesquels se détachent, fantomatiques, les arabesques du premier violon, l’envergure du presto final, où l'écriture s'élargit à la dimension symphonique.

 

Dimitri CHOSTAKOVITCH : Concerto pour piano n°1 ; Concertino pour deux pianos ; Quintette pour piano et cordes.  Martha Argerich, M. Maisky, R. Capuçon, L. Chen, L. Zilberstein.  EMI Classics : 5 04504 2.  TT : 66'21.

Le Progetto Argerich est chaque début d'été, au festival de Lugano, un formidable creuset de musique de chambre.  Car la grande pianiste y convie ses amis musiciens l'instant de concerts mémorables.  En juin 2006, ils interprétaient, entre autres, plusieurs pièces de Chostakovitch, heureusement saisies sur CD.  Le Concerto pour piano n°1 (1933) qui confronte le clavier à un orchestre à cordes et une trompette solo, combinaison pour le moins insolite, a quelque chose d'exubérant, de génial décousu, de par ses ruptures de rythmes, de style aussi, où des lambeaux de mélodies voisinent avec des bribes de marches militaires.  On pense à Prokofiev, mais aussi à Poulenc ; encore que cette verve ironique, annonciatrice de bien des pages de l'auteur, n'appartienne qu'à lui.  La valse lente du largo qui fait dialoguer la trompette avec le piano, développe une grave mélancolie.  M.Argerich, qui semble comme improviser, excelle ici par un style percussif de bon aloi.  Le Quintette pour piano et cordes (1940), de facture néoclassique, compte parmi les œuvres majeures du compositeur.  D'une écriture très serrée pour les cordes, elle déploie une inventivité sans limite.  Des cinq mouvements, le scherzo forme l'axe médian.  Il départage une première partie qui comprend une fugue d'une douleur résignée, le piano, souvent dans le registre grave, évoluant au milieu des cordes en sourdine, et une deuxième partie non moins sombre à l’intermezzo que conclut une marche funèbre rythmée par le clavier.  L'allegretto final laisse enfin percer quelque sérénité.  Entourée de musiciens d'élite, M.Argerich livre une exécution de référence d'une pièce exigeante, assurément une pierre blanche pour ce type de formation.

 

Carl NIELSEN : Concerto pour flûte ; Concerto pour clarinette ; Quintette à vents.  E.Pahud, S.Meyer.  Berliner Philharmoniker, dir. Simon Rattle.  EMI Classics : 3 94421 2.  TT : 69'23.

Carl Nielsen est peu représenté au disque – pour ne pas dire inconnu au concert.  Un CD prestigieux propose trois pièces passionnantes.  En fait, tout procède du Quintette (1922) où le compositeur danois montre son attrait pour les vents et le dialogue intime léger et simple d'instruments modulant aisément.  L'atmosphère est pastorale et harmonieuse, qu'interrompent de brefs instants des accents mélancoliques.  Dans le final, suite de courtes variations sur un thème d'hymne luthérien, Nielsen met en valeur chacun de ses solistes, flûte, clarinette, basson, hautbois et cor, et décline tour à tour l'animé, l'humoristique ou l'intense.  De son projet d'écrire un concerto pour chacun de ces instruments, il ne réalisera que ceux pour la flûte et pour la clarinette.  Dans le premier, en deux mouvements, on relève le discours pépiant du soliste qui dialogue à l'occasion avec les autres vents d'un orchestre fourni, le raffinement presque gallique du traitement des solos, outre un onirisme tenté de poésie.  Le Concerto pour clarinette enchaîne quatre mouvemnts. Le soliste est soumis à un redoutable challenge, tel un troll nordique, c'est-à-dire quelque chose d'extrêmement changeant.  Il devise avec une caisse claire, compagnon de fredaine, dans une joute espiègle et parfois grave.  Car la composition alterne classicisme et audace.  Les deux solistes, premiers pupitres dans l'orchestre, sont accompagnés par leurs pairs du Berliner Philharmoniker que dirige avec flair Simon Rattle.

Jean-Pierre Robert

 

Jean-Sébastien BACH : Sonate n°1 en sol mineur BWV 1001 / Sonate n°2 en la mineur BWV 1003 / Sonate n° 3 en ut majeur BWV 1005.  Jean Geoffroy, marimba solo.  Skarbo (www.skarbo.fr) : DSK-1072.  TT : 53’36.

Universalité de la musique de Bach ! Après les premiers instants de surprise à l’audition de ces musiques auxquelles les cinq octaves du marimba confèrent la mate liquidité de leur sonorité, nous sommes bientôt séduits, sinon… ensorcelés.  Par le même interprète, écouter aussi les Suites BWV 1008, 1010, 1012 (réf. DSK-1015).

 

Emmanuel de FONSCOLOMBE (1810-1875) : Mélodies, duos et pièces religieuses.  Anna-Maria Panzarella, soprano.  Mario Hacquard, baryton.  Maria Beleoousova, piano.  Frédéric Deville, violoncelle.  Hybrid Music (www.hybridmusic.com) : H1810. 

Arrière-grand-père d’Antoine de Saint-Exupéry, Emmanuel de Fonscolombe, baron de La Môle (né et mort à Aix-en-Provence), fut un compositeur dont il n’est certes pas indifférent de (re)découvrir le talent naturel, sans nulle affectation… Esprit éminemment français, il est ici servi par deux admirables interprètes – clarté du timbre, diction parfaite et… humour distancié ! On peut toutefois préférer ici les morceaux profanes aux pièces religieuses.

 

Echoes of Spring.  François Raulin & Stéphan Oliva (piano, arrangements), Laurent Dehors (clarinettes), Christophe Monniot (saxophones), Sébastien Boisseau (contrebasse).  Disques Melisse Music (www.melisse.fr) : MEL666003. Distr. Abeille Musique.

Revival ? Pas vraiment…  Avec ce Tribute to Harlem Piano Stride, François Raulin & Stéphan Oliva nous proposent une relecture - dans leurs propres arrangements pour deux pianos, clarinettes, saxophones et contrebasse (flirtant parfois avec le free jazz) - de thèmes qui leur sont chers.  Signés Willie Smith « the Lion », Duke Ellington, W. C. Handy, James P. Johnson, Fats Waller, Bix Beiderbecke, Zez Confrey...  Un original et stimulant ensemble.  [CD à paraître le 21 mars 2008]

 

DVD

Carl NIELSEN (1865-1931) : 2^e Symphonie, dite « Les quatre tempéraments ».  Orchestre national du Danemark, dir. Leopold Stokowski.  1967.  VAI (www.vaimusic.com)  : Video 4437.  TT : 37’ + 8’ (bonus).

Quatre tempéraments, soit : Allegro colerico, Allegro commodo e flemmatico, Andante malinconico et Allegro sanguineo, composent cette deuxième symphonie de Nielsen (il en écrira six), encadrée de deux mouvements pour le moins éruptifs.  Et quel bonheur de voir un pétulant vieillard de 85 ans entraîner à mains nues, à la joie d’un public assurément divers (reine de Danemark, mais aussi jeunes Copenhaguois au look improbable), une phalange enthousiaste qu’il dirigeait pour la première fois.  Bonus : Leopold Stokowski s’entretient, en anglais, avec Hans Hansen.

 

W. A. MOZART : Requiem, K626.  Mass in C Minor, K427.  Barbara Bonney, Anne Sofie von Otter, Anthony Rolfe Johnson, Alastair Miles.  Monteverdi Choir & English Baroque Soloists, dir John Eliot Gardiner.  Philips/Universal : 074 3121.  TT : 101’.

À la tête des deux phalanges qu’il a lui-même créées : le « Monteverdi Choir » (en 1964) et les « English Baroque Soloists » (en 1978), John Eliot Gardiner donnait, le 20 décembre 1991, en le « Palau de la Música Catalana » de Barcelone (architecture emblématique du très baroquisant Modernismo), deux chefs-d’œuvre de Mozart : le Requiem (version complétée par Joseph Eybler & Franz Xaver Süssmayr) et la Messe en ut mineur (version complétée par Alois Schmitt & John Eliot Gardiner).  Dans une interprétation d’une parfaite sobriété - fort éloignée, en tout cas, de l’indécent dramatisme dont sont ordinairement affligés ces ouvrages. Tout aussi admirable est l’extraordinaire cohésion du chœur, de l’orchestre et des solistes.  Sublimes sont notamment Barbara Bonney et Anne Sofie von Otter…

Francis Gérimont

 

Serge PROKOFIEV : L'Amour des trois oranges.  Ch. Workman, B. Banks, Ph. Rouillon, A. Zalmojska, J. van Dam, B. Uria-Monzon.  Orchestre et chœurs de l'Opéra national de Paris, dir. S. Cambreling.  TDK : DWW-OPORANG. TT : 116'.

La rencontre de l'univers de comedia dell'arte de Carlo Gozzi et de la faconde musicale de Serge Prokofiev a donné naissance à un opéra d'une verve rare, l'Amour des trois oranges.  Fidèle reflet de la mise en scène festive de Gilbert Deflo à l’Opéra Bastille, le DVD est pur enchantement qui nous transporte dans le monde merveilleux et poétique du théaâtre de tréteaux. L'utilisation pour décor d'une arène de cirque ajoute un élément de légèreté.  La magie théâtrale opère ici à plein, dans une succession de courtes scènes en fondu enchaîné.  L'imagination est reine pour raconter la pérégrination d'un Prince en quête de joie et d'amour, beau Pierrot triste, flanqué d'un clown poltron, Trouffaldino.  Moult péripéties plus cocasses les unes que les autres auront raison de l'hypocondrie du personnage qui, au cœur d'une immense orange, découvre sa bien-aimée et le bonheur de vivre.  Une prise de vue habile restitue la dynamique haletante d'un spectacle qui regorge d'effets de surprise et dont la régie est, avec humour, traitée comme une chorégraphie.  Les couleurs chatoyantes des costumes, les éclairages imaginatifs le parent d'un esthétisme candide qui épouse à merveille le narquois du discours musical illustré par ce thème de marche de soldats de plomb qui revient en boucle.  La virtuosité que Prokofiev lui confère est défendue par une superbe distribution.

 

P. I. TCHAIKOVSKI : La Dame de Pique.  V.Galouzine, H.Papian, I.Bogatcheva, L.Tézier, N.Pulitin.  Orchestre et chœurs de l'Opéra national de Paris, dir. Gennadi Rozhdestvensky.  2DVD TDK : DWW-OPPIQUE.  TT : 178'.

La Dame de Pique dans la captation live de l’Opéra Bastille développe un formidable impact. C'est que le parti pris dramaturgique adopté par le régisseur Lev Dodin est aussi puissant qu’il est osé : un long flash-back par lequel l'officier Hermann cherche à se remémorer ce qui l'a conduit à la folie.  Le drame commence et se déroule là où il est censé s'achever : dans l’asile psychiatrique où Hermann est enfermé, condamné à revivre le drame de sa vie, la passion pour le jeu, la poursuite d'un impossible amour.  Les scènes s'enchaînent selon un continuum rigoureux, déroulement d'un immense rêve morbide qui ne devient réalité que lors du court échange entre Hermann et la comtesse durant lequel il tente de lui arracher le secret des trois cartes gagnantes.  Cette vision sans concession laisse de côté le faste qu'on associe d'habitude à la pièce.  La fête du III^e acte devient ici une partie de colin-maillard dans l'hôpital, à laquelle prennent part tous les protagonistes.  C'est en fait la prégnance du drame de Pouchkine qui affleure ici.  La réalisation vidéo est exemplaire, qui traque une inexorable descente aux enfers et scrute les visages, celui de Hermann en particulier, ravagé par le fol espoir de la richesse et l'obscure jouissance de l'échec.  Elle magnifie même la conception dramatique d'une vraie cohérence qui, loin de verser dans l'excès, reste un modèle de sobriété allusive et d'authentique expression des sentiments.  L’interprétation musicale confiée à un grand maître russe, scelle le succès d’une version d’une rare efficacité théâtrale.

 

P. I. TCHAÏKOVSKI : Symphonies n°4, 5 et 6 « Pathétique ».  Berliner Philharmoniker, dir. Herbert von Karajan (enregistrements de 1973).  DG/Universal : 00440 073 4384.  TT : 126’.

Pour lancer les célébrations du centenaire de la naissance du chef d’orchestre Herbert von Karajan, un DVD réédite les trois dernières symphonies de Tchaïkovski dans des interprétations désormais légendaires.  Saisies en concert à la Philharmonie de Berlin, en décembre 1973, ces versions sont caractéristiques de la manière du chef : battue ample qui sculpte la matière musicale, son chaud d’un superbe poli que ponctuent d’irrésistibles bouffées dramatiques, exaltation de la construction sonore que traduisent des tempos plutôt rapides.  La caméra donne généreusement à voir l’engagement de celui qui, paupières baissées, façonne la partition, et à quel point est palpable la concentration de ses musiciens.  De belles images vous habitent : ce visage tendu modelant les premières mesures de la V^e Symphonie, cette main gauche marquant souplement telle inflexion du lamentoso final de la « Pathétique », empreint de sérénité.  Au-delà, on est gagné par la force intérieure qui irradie vers l’orchestre.  C’est d’émotion sublimée qu’il faut parler ici.

Jean-Pierre Robert

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