à l’égard des écoles et conservatoires de musique, de danse et d’art dramatique

Ces quelques lignes représentent la volonté d’évoquer les problèmes d’un univers particulier – l’enseignement artistique spécialisé (les écoles et conservatoires de musique, de danse et d’art dramatique) – pour les acteurs d’un autre univers artistique, parfaitement complémentaire, celui de l’éducation musicale (au sein de l’enseignement général). Le présent texte s’adresse à tout lecteur intéressé par l’enseignement artistique, mais surtout à ce qu’il est convenu d’appeler de nos jours, en matière de système culturel, les médiateurs et les décideur : il ambitionne de braver l’inquiétant constat qu’une grande partie du personnel politique, tellement occupée à cimenter son empreinte dans les médias, ne consacre pas – ou plus – de son temps à se cultiver.

 

Quelques mots d’introduction

 

À cause du « Yalta » historique qui sépare les mondes de l’éducation musicale (ministère de l'Éducation Nationale) et de l’enseignement artistique spécialisé (ministères de la Culture et, en partie, de la fonction publique territoriale), il nous est apparu utile de rappeler d’abord aux acteurs du premier la situation et les différents problèmes qui frappent le second. Les propos qui suivent ne nous permettant pas de traiter de la totalité de ces aspects en un seul article, avons-nous décidé de nous centrer déjà sur la confusion qui marque la réflexion politique à propos de quelques-uns de ces aspects seulement.

Mozart et la France à travers la correspondance familiale

« Cet acte conférera à Son Excellence Monsieur le Comte von Podstatsky un grand honneur dans la biographie de notre enfant que je ferai imprimer en son temps, car ici commence en quelque sorte une nouvelle ère de sa vie

 

Ces lignes écrites à Olmütz par Léopold Mozart à son propriétaire de la Getreidegasse, Lorenz Hagenauer, le 10 novembre 1767, alors que Wolfgang venait de vaincre la variole, dévoile la prise de conscience précoce du père devant le génie de son fils dont il envisageait déjà de publier une biographie alors que l’enfant n’était pas encore âgé de douze ans...

 

Sans doute n’existe-t-il pas d’autre personnage au monde dont la vie soit couverte presque intégralement par des témoignages épistolaires directs: à peine deux semaines après la naissance de l’enfant, le 9 février 1756, Léopold Mozart écrit à son éditeur Johann Jakob Lotter à Augsbourg: «Par ailleurs, je vous annonce que le 27 janvier, à 8 heures du soir, ma femme a heureusement accouché d’un garçon. [...] Notre fils s’appelle Joannes Chrisostomus, Wolfgang, Gottlieb.» Et la dernière lettre de Mozart à sa «Très chére, excellente petite épouse» est datée 14 octobre 1791, à peine deux mois avant sa mort. Il la termine par les mots: « Porte-toi bien, à jamais, ton Mozart.»

Les phénomènes onomatopéiques du jazz vocal

La naissance officielle du scat-singing, attribuée à un instrumentiste à vent (Louis Armstrong, 1926), permet de rendre lisible l’interaction qui unit dès l’origine les sonorités instrumentales et vocales. Ce lien se retrouve dans le style même des chanteurs les plus importants :

 

 

 

« Ella [Fitzgerald(1)] a probablement été influencée par son environnement instrumental constitué de cuivres et de saxophones. L’emploi qu’elle fit des consonnes occlusives bilabiales lui permit d’utiliser sa voix à la manière d’un instrument à vent(2) ».

 

 

 

Dans la conclusion de cet article, consacré à l’étude des styles de scat-singing usités par Sarah Vaughan et Ella Fitzgerald, Milton Stewart écrit :

 

 

 

« Ella Fitzgerald et Sarah Vaughan introduisirent avec succès les styles instrumentaux de leur époque dans leurs scats. La perfection avec laquelle elles les glissèrent dans leurs chants dénote l’effort qu’elles ont dû accomplir pour y parvenir. Ella Fitzgerald incarne à la fois la section à vents d’un big band et le solo be-bop d’un cuivre. Sarah Vaughan, quant à elle, personnifie à la fois un cuivre soliste et un percussionniste de l’école « cool ». Ella Fitzgerald et Sarah Vaughan semblent démontrer aux instrumentistes et aux auditeurs que les chanteurs de jazz peuvent interpréter les mêmes airs que ceux joués par leurs partenaires instrumentistes. Par conséquent, l’un des moyens les plus efficaces pour étudier le style instrumental d’une période est peut-être d’étudier ses chanteurs de scat(3) ».

Wojciech Kilar, compositeur de l'esprit

Depuis plus d’un demi-siècle déjà, la musique polonaise vit son Âge d’Or. Mais les grands s’en vont les uns après les autres, telle est l’implacable loi de la nature… D’abord Witold Lutosławski, puis Henryk Mikołaj Górecki, et dernièrement, le 29 décembre 2013, Wojciech Kilar. Né le 17 juillet 1932 à Lwów (aujourd'hui Lviv en Ukraine), élève de Artur Malawski et de Bolesław Woytowicz, puis de Nadia Boulanger à Paris, cet excellent compositeur a créé son propre univers musical, tout à fait à part et non moins fascinant. Comment le qualifier en peu de mots ? La ferveur. Celle-ci apparaît également chez Penderecki et chez Górecki, mais on pourrait dire que chez Kilar elle se manifeste à l’état „pur”, de la plus intense des manières. Des œuvres telles qu’Exodus, Choralvorspiel, Kościelec 1909, Angelus s’avèrent être exceptionnelles dans la musique du XXème siècle. Chaque son, chaque note, chaque accord y sont réduits à leur forme préétablie, primitive et comme purifiée de tous les apports et influences des époques et des styles ; ils sont amenés à une tension suprême, une densité maximale pour revêtir une dimension sacrée, métaphysique et devenir une seule, grande prière musicale. Sûrement pas par hasard car ce compositeur était un homme très religieux, auteur de plusieurs œuvres imprégnées d’une grande spiritualité : Missa pro pace, Requiem pour le père Kolbe, Te Deum, Magnificat, Lamentation... Il est en même temps très polonais (comme Szymanowski et Malawski, il puise dans la musique des montagnards) quant à la température et au tempérament de sa musique. N’étaient-ils pas déjà caractéristiques de la musique de Chopin ?

LE TRICENTENAIRE  DE L’OPERA COMIQUE  Patrimoine et archives d’une institution

Tout au long de la saison 2014-2015, l’Opéra Comique célèbrera son tricentenaire. Cet anniversaire important est inscrit au calendrier des Commémorations Nationales pour l’année 2015. Il donnera lieu à plusieurs événements majeurs dont certains concernent les archives de l’institution, un axe que son directeur Jérôme Deschamps a souhaité valoriser au cours de son mandat.

 

La programmation artistique qu’il conduit depuis 2007 s’efforce en effet de renouer avec la mémoire de l’institution, en particulier en remettant au goût du jour les ouvrages anciens du répertoire historique de l’Opéra Comique, parfois simplement oubliés après d’immenses succès populaires, parfois déconsidérés par des décennies de mauvaises pratiques.

 

Cette démarche, pour être conduite avec rigueur, s’est appuyée sur les travaux produits par le monde de la recherche, raison qui a motivé la programmation de colloques scientifiques réguliers et l’édition de programmes de salle exigeants.

 

Elle nécessitait également de pouvoir utiliser régulièrement les archives de l’institution, ambition plus difficile à mettre en œuvre, on va le voir. À l’occasion de son tricentenaire, l’Opéra Comique a donc conçu différentes manifestations qui favoriseront l’accès de tous, spectateurs, chercheurs et artistes, à l’ensemble de ses archives, c’est-à-dire à sa mémoire et à un pan important de notre histoire culturelle.

Thomas Hewitt Jones

Ce jeune compositeur, organiste et chef de chœur londonien né en 1984 est, aujourd’hui, l’une des figures emblématiques de la musique sacrée de Grande-Bretagne(1). Pour autant, son art est également dédié, avec autant de talent et d’inspiration, à la musique instrumentale et de ballet. Ses partitions destinées au théâtre et à la télévision attestent de sa capacité à la diversité quant à sa maîtrise du métier de compositeur. Ce faisant, par son ouverture d’esprit, il témoigne d’une disposition à considérer le langage musical comme une expression homogène, non compartimentée de manière arbitraire. Ainsi, Thomas a-t-il également travaillé pour Hollywood en tant qu’assistant du compositeur de musique de film David Buckley. J’ai eu le privilège de le rencontrer récemment au British Museum de Londres. Au cours de notre entretien, il a évoqué son travail en toute simplicité et enthousiasme.

Une pédagogie française d'éducation par l'art : la pédagogie Martenot

Un peu d’histoire

 

 

 

Quand on parle de Maurice Martenot (1898-1980), on pense d’abord à l’instrument de musique électronique qui porte son nom. Les « Ondes Martenot » ont inspiré de nombreux compositeurs, de Darius Milhaud à Henri Dutilleux en passant par André Jolivet et Olivier Messiaen ainsi que des compositeurs contemporains.

 

 

 

Mais il est aussi l’un des cinq grands pédagogues qui, avec Émile-Jacques Dalcroze (1865-1950), Edgar Willems (1890-1978), Carl Orff (1895-1982) et Zoltán Kodály (1882-1967), ont marqué le XX ème siècle par leurs recherches en pédagogie musicale. Tous les cinq ont élaboré des méthodes d’enseignement musical destinées à renouveler profondément l’enseignement de ce qu’on appelle habituellement le solfège. Ces recherches s’inscrivent dans tout un mouvement pédagogique plus général marqué par les travaux de Maria Montessori, Célestin Freinet et de tous les autres pédagogues des « méthodes nouvelles ».

 

 

 

C’est dans ce courant de l'Éducation Nouvelle que s’inscrit la recherche de la famille Martenot, car cette recherche est celle de toute une famille. Au commencement, il y a Madeleine (1887-1982), la sœur aînée, devenue l’éducatrice de ses deux jeunes frères et sœurs, Maurice et Ginette. Passionnée de pédagogie, Madeleine fonde un cours privé de piano dès 1912. 

  JEAN-JACQUES ROUSSEAU ET LA MUSIQUE  LE DEVIN DU VILLAGE

Alors qu'on vient de célébrer en 2012 le tricentenaire de Jean-Jacques Rousseau né à Genève le 16 juin 1712, nous ne saurions oublier que l’auteur du Contrat Social, de l’Émile, de La Nouvelle Héloïse était aussi musicien. Son apport dans ce domaine où il s'estimait très compétent – même si la postérité voire certains de ses contemporains n'en étaient pas toujours tellement convaincus ! –  est relativement important, aussi bien en ce qui concerne les écrits théoriques ou littéraires que la composition proprement dite.

 

 

 

Autodidacte, il étudie seul les règles de l'harmonie dans le Traité de Rameau et il avouera lui-même avoir eu longtemps quelque peine à lire et à déchiffrer la musique.

 

 

 

 

 

L’adolescence, la Jeunesse

 

 

 

Nous savons que le jeune Jean-Jacques, après avoir quitté sa Suisse natale à l'âge de seize ans, fut recueilli par Madame de Warrens, d'abord chez elle à Annecy, puis aux Charmettes, près de Chambéry. Sa bienfaitrice (qu'il appelait "Maman", lui qui avait perdu la sienne à la naissance) veille à son éducation pendant plusieurs années, ce qui lui permit de parfaire ses connaissances générales et musicales.

La pratique de l’improvisation est souvent confondue avec celle du jazz. Ce raccourci a le double inconvénient de réduire le jazz à l’improvisation et d’oublier que la spontanéité existe dans beaucoup d’autres musiques. Bien avant que l’écriture fige partiellement la musique occidentale, l’oralité permettait la diffusion de l’art musical. Les premiers essais d’écriture musicale étaient avant tout des aides mémoires et n’étaient guère utilisables sans l’accompagnement d’une tradition orale. Tout comme les premières tentatives d’écriture, les supports utilisés pour codifier les accords des chansons de variétés laissent une grande part de liberté à l’interprète. De cette écriture empirique naît un état d’improvisation constant.

 

 

         L’objet de notre étude étant l’accompagnement des chansons au piano, nous nous attacherons plus particulièrement aux éléments qui précèdent la performance musicale. L’oralité absolue n’existant pas dans ce genre musical, de nombreux choix et indications préétablies précèdent l’interprétation d’une chanson. Même si une grande marge de liberté est accordée aux musiciens, un souci de permanence, inhérent à l’art occidental, oblige à fixer les idées musicales et plus particulièrement l’harmonie.

La Femme sans ombre, dernier opéra romantique

Indifférent aux modes, mais connaissant toute la musique de son temps, Richard Strauss apparaît comme l’ultime héritier du grand génie lyrique allemand, au même titre que Puccini l’avait été de son pendant italien. Ayant fait sensation en 1905 avec Salomé, d’après la pièce d’Oscar Wilde, puis avec Elektra en 1908, le grand compositeur s’est tôt attaché à transposer sur scène les désordres et les délires millénaires de l’homme et de la femme, sans craindre de se tourner vers une esthétique apparemment anachronique avec Le Chevalier à la rose de 1910, prélude à de nombreuses partitions lyriques (La Femme sans ombre, Intermezzo, Hélène d'Égypte, Arabella, la Femme silencieuse, Jour de paix, Daphné, L'Amour de Danaé, Capriccio) où la mélodie affirme ses droits sans que l’harmonie en soit affadie, la splendeur instrumentale restant à une hauteur inégalée - il n’est pas indifférent que Strauss ait salué plus que tout autre compositeur allemand le Traité d’instrumentation et d’orchestration de Berlioz - et la prosodie d’un étincelant naturel.

Le compositeur Fabian Müller

Le compositeur et violoncelliste suisse alémanique Fabian Müller, né à Zurich en 1964, est une personnalité très attachante que j’ai eu le plaisir de rencontrer très récemment à Berne. Sa pensée et sa création en font l’une des figures emblématiques de sa génération dans son pays. J’avais été très intéressé par ses travaux en ethnomusicologie. Mes recherches le concernant ont abouti à son œuvre de musique dite « savante » profondément marquée par l’environnement qui a été le sien depuis son enfance. Le paysage mystérieux, imposant, parfois menaçant, des Alpes bernoises féconde son imagination de compositeur libéré de tout dogme esthétique en la matière.

 

  Fabian Müller a d’abord pratiqué le violoncelle au Conservatoire de Zurich auprès de l’éminent professeur Claude Starck. Il s’est ensuite consacré à l’apprentissage théorique, dans la même institution, chez le Saint-Gallois Josef Haselbach (1936-2002), un ancien élève de Klaus Huber (*1924) très intéressé par la relation entre le langage musical, la philosophie et la psychologie. Après cette période initiale, Fabian Müller a poursuivi son parcours aux États-Unis avec les compositeurs George Tsontakis (*1951), Jacob Druckman (1928-1996) et Bernard Rands (*1934).

FRANCIS POULENC ET L'IDÉAL DE LA MUSIQUE DE CHAMBRE

LES ULTIMES SONATES POUR INSTRUMENTS A VENT ET PIANO

   

 

 « Je viens de finir deux sublimes (naturellement) sonates venteuses, l’une pour clarinette et piano, l’autre for oboe and piano. »(1) Ainsi Francis Poulenc annonce-t-il en 1962, quelques semaines avant son décès, la prochaine création de deux sonates pour instrument à vent et piano. Cinq ans après une première sonate pour bois – la flûte – et piano, ces deux pièces constituent l’aboutissement stylistique d’un compositeur revenu, comme aux premiers temps, au répertoire intimiste de la musique de chambre, après trente-cinq ans d’une production plus tournée vers la voix et la scène. Pièces majeures de sa production, ancrées depuis plus d’un demi-siècle dans le répertoire des instrumentistes à qui elles sont destinées, ces ultimes compositions de Poulenc forment un groupe homogène, d’une richesse et d’une profondeur stylistique aussi touchantes qu’accessibles, véritable fierté de leur créateur. Attiré dès ses premières compositions par les instruments à vent, en témoignent la Sonate pour deux clarinettes (1918), la Sonate pour clarinette et basson (1922) ou la Sonate pour cor, trompette et trombone (1922) qui n’ont pas leur pendant chez les cordes, Poulenc referme la boucle quatre décennies plus tard en une sorte de triptyque, qu’aurait probablement complété, si une crise cardiaque n’avait pas terrassé l’artiste en plein élan, une Sonate pour basson et piano dont il avait esquissé les premiers traits à la fin de l’été 1957.

FOCUS SUR LA MUSIQUE NOUVELLE

Luciano BERIO : Transcription et réécriture. D’une œuvre à l’autre

 

 

 

« La musique se trouve traduite seulement quand nous nous trouvons obligés, pour une raison ou une autre, de passer d’une expérience musicale spécifique à sa description verbale, du son d’un instrument au son d’un autre, de la lecture silencieuse d’un texte musical à son exécution. En réalité ce besoin est si diffus, présent et permanent que nous sommes tentés de penser que l’histoire de la musique est en effet une histoire de traductions. Mais peut-être toute notre histoire, et le devenir de notre culture, est une histoire de traductions. C’est une culture qui veut posséder tout et donc traduit tout : toutes les langues, les choses, les concepts, les faits, les émotions, l’argent, le passé, le futur et, naturellement, la musique. La traduction implique interprétation. Les soixante-dix sages d’Alexandrie qui ont traduit la Bible en grec ' ont inventé ' l’herméneutique. » (L. Berio)(1).

 

 

 

La traduction d’une expérience humaine en une autre, d’un texte musical à un autre, d’un instrument à un autre, d’un contexte à un autre - ce sont les versions multiples de la transcription qui définissent l’essence même de l’art de composer pour Berio. A l’exemple de quelques œuvres-clés de son catalogue, précisons trois aspects importants de sa démarche de transcription(2) :

L'enseignement universitaire du jazz vocal polyphonique aux U.S.A.

Il apparaît aujourd’hui clairement que les structures d’enseignement jouent un rôle important dans l’essor des groupes polyphoniques, tant en ce qui concerne leur nombre que leur qualité. Dans ce contexte, nous pouvons constater que chaque pays a développé, à partir de sa culture et de son identité, des modalités qui lui sont propres pour accompagner ou promouvoir l’enseignement vocal polyphonique. Le modèle américain, qui a fait preuve de tant de richesse et de vitalité, démontre l'importance du lien qui relie formation universitaire et pratique professionnelle.

Le centenaire du Théâtre des Champs-Elysées : L’histoire d’une fabuleuse aventure…

Comme le Sacre du Printemps qui y est né, le Théâtre des Champs-Elysées fête en cette année 2013 le centenaire de sa naissance, le 31 mars 1913. Une naissance née du rêve d’un entrepreneur visionnaire Gabriel Astruc qui sut faire appel, sur les conseils de Gabriel Thomas, grand amateur d’art, aux plus grands artistes de son temps - les frères Perret, Antoine Bourdelle, Edouard Vuillard et Maurice Denis, pour ne citer que les principaux - afin de construire son « palais philharmonique » où se trouveront réunis le goût français, le confortable anglais et la technique allemande. Un lieu unique dans son architecture et sa programmation qui se donna comme but d’accueillir tous les genres musicaux, de l’opéra au ballet, de la musique classique à la variété, tous réunis sous la bannière conjointe de l’excellence et de la modernité. Après une saison inaugurale en forme de feu d’artifice, c’est la banqueroute qui obligera Astruc à fermer le théâtre de l’avenue Montaigne avant que la belle endormie ne se réveille quelques années plus tard pour accueillir, parfois de façon tumultueuse, les gloires et les avant gardes que chaque époque vit passer. Une histoire vieille de cent ans qui est d’abord la formidable épopée d’une construction révolutionnaire, avant de se confondre avec l’histoire de la musique et de la création artistique du XXe siècle.

Actualité de la méthode Kodály

« Que devons-nous faire ? Enseigner à l’école le chant et la musique de telle façon que l’enfant les considère comme une source de joie et non pas de peines, joie qui l’accompagnera durant toute sa vie, suscitant en lui la soif de musique. On ne peut pas saisir la musique par l’intellect, aussi ne doit-elle pas apparaître devant l’enfant comme une notation algébrique, comme une écriture chiffrée, un langage qui lui est indifférent. Il faut que nous préparions pour l’enfant la voie d’une perception directe et intuitive ».(1)
Zoltán Kodály

 

La méthode de Zoltán Kodály (1882-1967) continue à être enseignée dès le plus jeune âge en Hongrie, et ce depuis plus de six décennies. Unique au monde, ce procédé explique en partie l’excellence de nombreux musiciens issus de ce pays, mais aussi la culture musicale particulière des Hongrois. Il nous a semblé utile de revenir sur les origines, la philosophie, la technique et la portée de cet enseignement qui n’a suscité que de rares ouvrages approfondis en France, et qui reste encore peu diffusé dans les pays francophones.

L'Enchantement du Vendredi Saint, Parsifal

Pour le compositeur lyrique Alvaro Legido (né en 1952), l’épisode dit de L’enchantement du Vendredi Saint(Karfreitagszauber en allemand), au cœur du troisième acte de Parsifal, ne constitue rien de moins que « l’absolu musical ». Et il reste vrai que même les détracteurs de Richard Wagner ne contestent pas la nature envoûtante de cette page étrange, dont l’analyse scrupuleuse ne fait pourtant surgir aucun effet qui la situerait en marge du grand œuvre wagnérien. Pour tenter de saisir (à défaut de le comprendre) ce qui fait de l’Enchantement une réussite si singulière, tout à la fois unique et exemplaire, démonstrative et inimitable, le plus efficient est peut-être d’en revenir aux conditions particulières d’écriture de l’ultime chef-d’œuvre du maître de Bayreuth (précision incidente, le Porazzi-Thema de 1882, présenté dans certains catalogues comme la toute dernière page du compositeur, n’est jamais que la reprise d’un thème écrit en 1858 pour Tristan et finalement non utilisé).

Peter Grimes et le retour de Benjamin Britten en Angleterre

En 1810, le poète et pasteur anglais George Crabbe (1754-1832) publie son poème descriptif The Borough, vingt-quatre lettres formées de distiques rimés en pentamètres ïambiques (heroic couplets) dont la vingt-deuxième sera la source d’inspiration pour l’opéra Peter Grimes, opus 33, de Benjamin Britten (1913-1976). Les deux hommes sont natifs de la côte du Suffolk ; le petit port d’Aldeburgh, pour le poète et, tout près, Lowestoft, port de pêche, pour le compositeur. Le paysage et la psychologie des êtres qui l’habitent ont singulièrement marqué et influencé ces deux auteurs quoique de façon différente. La mer, de même, et ses tragédies importent si l’on veut comprendre l’essence de leurs expressions respectives. Proche du grand philosophe Edmund Burke (1729-1797), Crabbe s’est opposé à la vision poétique, idyllique et bucolique, d’un Thomas Gray (1716-1771), par exemple. Sa vision de la campagne et de la nature était singulièrement sombre et pessimiste. Ce faisant, il reconstituait une enfance lugubre, dépourvue d’espoir. Crabbe créait, dans cet esprit et dans ce contexte, la figure de Peter Grimes, un patron pêcheur qui traite avec la plus grande dureté ses trois jeunes apprentis « achetés » à la workhouse locale. Ils mourront à la suite des épreuves infligées par leur maître. Ce dernier sera confronté à la violence des habitants du bourg et finira par se suicider. Les quelques vers suivants témoignent de ce drame :

Górecki et Penderecki : Éléments de comparaison

Henryk Górecki et Krysztof Penderecki sont nés la même année, en 1933. C'est simultanément qu'ils se sont fait connaître du public très spécialisé des concerts d'avant-garde. En 1958, sont écrites deux œuvres de Penderecki et Górecki portant le même titre : Epitafium. Puis 1961 voit la création des Trois Diagrams pour flûte solo de Górecki1 et de Thrène de Penderecki2. Enfin, tous deux ont composé en 1963 des œuvres intitulées Trois Pièces dans le style ancien. Quoique frappantes, ces coïncidences ne révèlent pas grand chose d'essentiel. Le sens que Penderecki donne à "ancien" dans ses Trois Pièces renvoie à une période baroquisante regorgeant d'artifices, là où Górecki puise son inspiration dans une Renaissance beaucoup plus épurée.

Marie-Jeanne Serero, compositrice

C’est salle 233 du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. (CNSMDP), porte de Pantin, dans le 19ème arrondissement de Paris, que j’ai rencontré Marie-Jeanne Serero, une des rares femmes qui travaillent la musique pour l’image en France. C’est une belle jeune femme assez réservée, qui a passé trente cinq ans de sa vie au Conservatoire.

Un chef d'œuvre à connaître : Mârouf de Henri Rabaud

« Le succès de Mârouf sera durable. Il le sera grâce à sa qualité essentielle musicale, à l'abondance, à la variété, à la solidité du style, aux charmes de la couleur » (Gabriel Fauré )  

  Au début du XXe siècle, les empires coloniaux atteignent leur expansion maximale et sont célébrés dans les expositions universelles et coloniales. Au cours du siècle écoulé, la vogue orientaliste n’a cessé de se propager pour gagner tous les arts. C’est alors que paraît, entre 1899 et 1904, une nouvelle version des Mille et Une Nuits, dans La Revue blanche puis chez Fasquelle. La traduction de l’arabe par Joseph-Charles Mardrus (1868-1949) enthousiasme le public lettré. Poétique, drôle, coloré, le récit, présenté comme enfin intégral, est aussi plus érotique que l’ancienne version d’Antoine Galland, qui remontait au début du Siècle des Lumières. Marcel Proust, André Gide et bien d’autres vont louer cette traduction que Mardrus a dédiée à Stéphane Mallarmé, tout récemment disparu.

Introduction au prix de Rome de musique (1803-1968)

« Ce serait bien le moins que la collection complète des cantates couronnées

 

fût soigneusement rangée dans un rayon spécial de bibliothèque de temps

 

en temps épousseté, et que les très-rares curieux qui se présenteraient pour la

 

visiter pussent au moins satisfaire leur innocente curiosité ». [i]

 

 

 

Par son prestige, le prix de Rome fut, entre 1803 et 1968, l’objet de toutes les convoitises et de toutes les cabales. Taxé d’académisme, dénigré voire moqué, il est aujourd’hui devenu le synonyme du mauvais goût d’un « romantisme » jugé décadent. Pourtant, un constat s’impose : au lieu d’être borné à la répétition annuelle d’un processus immuable, le prix de Rome s’adapte en fait souplement à des contingences pédagogiques, politiques et esthétiques remises en question de façon permanente. Et si l’impression première qu’il ne consiste qu’en l’éternelle réécriture d’une cantate sur livret imposée perdure, c’est seulement par complète méconnaissance de l’histoire de cette institution.