Jonathan Bell

This paper discusses recent uses of bach automated composer’s helper), a Max library for algorithmic composition. In the context of the author’s own works, audiovisual musical scores are (pre)-composed in bach (bach.score). In performance, the scores are sent to performers and synchronised to a shared common clock, in local networked music performances (npm), with the help of the SmartVox score distribution system. The 0.8.1 version of bach presents two major improvements which will articulate the structure of this article: on the lower level, bach now exposes an expr-like small language (bell: bach evaluation language for lllls), which greatly simplifies algorithmic processes in Max. The case study of an algorithm for automatic cueing system for singers will be given as exemple. On the higher level, bach.roll now supports dynamics, thus revealing promising user-friendly playback possibilities, exemplified here with Ableton and the ConTimbre library.

1.1 Technology for Notation and Representation The present research situates itself within the realm of “Technologies for Notation and Representation (TENOR)”, which emerged in France around 2014 under the initiative of Dominique Fober (GRAME-CNCM). The first conference of the same name took place at IRCAM in 2015, and enjoys ever since a growing community of researchers, developers, scholars, and composers. Amongst the latter (composers), the “slow but steady shift away from textualization in digital media” [1] inspires very diverse avenues of research, encompassing live generated scores [2] and their link to “comprovisation” [3] [4], realtime notation/algorithmic composition [5] [6], animated notation [7] [8], audio-scores [9] [10], augmented reality notation [11] [12] and distributed notation [13], to name a few.

1.2 Distributed Notation with SmartVox
Smartvox is web application dedicated to score distribution. Amongst the aforementioned categories, SmartVox best situates itself under the categories of audio-scores [14], distributed notation [15], and more recently augmented reality notation [16]. Obtaining best results with choirs (with or without instruments), it consists in distributing audiovisual mp4 scores (i.e. pre-composed audio and animated notation), and synchronising them to a shared common clock, through the browser of the singer’s own Smartphones. Developed by Benjamin Matuszewski and the author at IRCAM in 2015, in the SoundWorks framework [17], SmartVox is based on a node.js server communicating with clients (smartphones) through the WebSocket protocol. The great majority of the scores sent and synchronised by SmartVox are composed by the author in the bach environment. Whilst bach is perhaps more often used for live-generated scores than for more traditional algorithmic composition, such live or ephemeral scores [18] have nevertheless endured criticism, which encourages the author to carry on writing fixed scores (i.e. the same score each time, although animated).

1.3 Algorithmic composition with bach
bach [19] is a library of external objects for real-time CAC (Computer-Aided Composition) and musical notation in Max. Providing Max with a large set of tools for the manipulation of musical scores, it has later been expanded with the higher-level Cage [20] and Dada [21] libraries. bach inherits from softwares such as Open Music or PWGL a lisp-like organisation of data, albeit with its own syntax called lllls (Lisp-Like Linked Lists). The latest version of bach (version 0.8.1 released in 2019) exposes the bell language [22] [23], conceived specifically for llll (lists) manipulation.

2.1 General presentation
The bell language in bach arose from an observation that the Max patching environment can be cumbersome when formalising algorithmic compositional processes: “It has been clear since the beginning of bach that non trivial tasks - in algorithmic composition - require the implementation of potentially complex algorithms and processes, something that the graphical, data-flow programming paradigm of Max [...], is notoriously not well-suited to.” [22]. Indeed, while the Max GUI can be extremely intuitive and efficient for many DSP processes, its data-flow paradigm can make list (llll) formatting inefficient. As will be exemplified with the help of Fig.1, 2 and 3, bach.eval now allows for a single line of code to centralize list formatting, which would have formerly required dozens of objects, themselves most often bringing priority issues.

2.2 Writing notes and playing them
In some cases, composing with bach essentially comes down to formatting “addchord” messages (i.e. adding note on the score) containing all necessary information about where/how each note should be inscribed and displayed, and what Max should do when retrieving that information later during playback. Lisp inherited lllls (lisp-like linked lists) can be represented as trees (see Fig. 1).

Figure 1. A tree representation of the following list:
“addchord 2 [ 1000 [ 6000 4641 127 [ slots [ speed 24 ] [ seek 1954 ] [ respect 109 ] [ file be.aif] [ size 12 ] [ volume 1. ] ] ] ]”

Before the existence of the bell language (mainly exposed in Max with the bach.eval object, the formatting of such list messages typically required the user to build that tree “from the ground up” (see Fig. 2, reading the patch from top to bottom, and Fig.1 from bottom to the top). The process implied for instance: 1/ appending together all slot content 2/ wrapping it together (adding a level of parenthesis) 3/ appending pitch, duration, and velocity 4/ wrap again 5/ prepend onset 6/wrap again 7/ prepend addchord and voicenumber....

Figure 2. The object bach.wrap add a level of parenthesis around a list. Bach.append appends lists together. Formatting complex lists in this way was cumbersome and errorprone.

Such a process was often prompt to error, and now gives evidence of the fact that a single bach.eval expression makes the process much easier and versatile (see Fig. 3).

Figure 3. The bell language (mainly exposed through the bach.eval object) was conceived for lisp-inherited lisp-like structured messages. $x1, $x2. . . correspond to the different inlets of the object. bach.eval makes the construction of lisp-inherited parenthesis structures much easier than with the data-flow bach.wrap system.

The implementation of variables in the bell language constitutes another major improvement of bach. The ability to name variables in Max in this way (such as ONSET, or DUREE, as in the loop expressed in Fig. 4) helps again centralising information within simple expressions, which the message-driven send-receive Max functionality would have made cumbersome.

Figure 4. A loop calculates the onset of each syllable of a vocal line according to a starting onset (the variable “ONSET”), a given duration/tempo (“DUREE”), and prosodic accentuation (2 1 1 2 1 for long short short long short - 0 is used for initialisation).

2.3 Use cases in compositions for voices According to the performer’s feedback, and in comparison with the author’s previous artistic output and experience with composing in bach (since 2015), the use of algorithmic processes (such as the ones exposed below) demonstrated much better results than “hand-made” former methods. Although in germ in Common Ground 1 (Fig. 5), a more systematic approach to algorithmic polyphony generation was used in a Deliciae 2 (Fig. 6), while discovering the new bell language. Most polyphonic passages in Deliciae were generated inside a poly˜ in Max, with each instance (i.e. each voice) receiving the same types of information (i.e. text, prosody, melodic contour and harmonic material) but only differing by vocal range (sopranos for instance cannot sing below middle C and so forth). Contrast in Renaissance polyphony often consist in alternation between homophonic passages and contrapuntal ones. Contrast therefore mainly consisted in opposing textures in which singers articulate and move from one pitch to the next at the same time (homophonic) or not (contrapuntal). This consideration highly influenced the parameters chosen at the foreground of the “composer’s interface” 3 . ONSET is in milliseconds and correspond to

Figure 5. Common Ground. Photography: Simon Strong.

the position in the timeline where the generation is happening: as exemplified in the video 747618 ms correspond to 12’28”. The term DUREE (French for duration) represents the duration of notes: the tempo speeds up when durations diminished. RANDUR sets the degree of randomness in durations, RANDOMONSET sets the degree of randomness in the onset of the first note of the phrase, DECAL sets the duration of delay between voices, positive value goes from low register to high, negative values from high (sopranos) to low (basses). STAGGER, finally, imitates a behaviour typical of the renaissance where two groups of voices are staggered or delayed by a given value. When the variables RANDUR, RANDOMONSET, DECAL, and STAGGER are set to 0, the algorithm generates a homophony. If only RANDUR increases, voices will start at the same time, but their duration will differ between each other. If only RANDOMONSET increases, they will all have the same duration but start at different times. If only DECAL increase, voice will enter at regular intervals from the bottom-up (and inversely if DECAL is negative).

Figure 6. Deliciae (Madrid version). Photograpy: Enrique Muñoz

2.3.1 Automatic cueing system
Since the beginning of SmartVox (see [24]), cueing the singers with what comes next appeared one of the main advantages of the system.
To identify appropriate moments for page turns and in order

Figure 7. The script above adds markers only when two notes are separated by more than 600ms.


Figure 8. The first note (with lyrics “dia”) has a duration that lasts until the beginning of the following note, (with lyrics “blo”). The distance between the two (ECART1, highlighted in yellow) is almost null.

to cue the singers accordingly, the first step consisted in identifying the start and end of each phrase (see Fig. 7): with iterations on each note of the score two by two, we evaluate if the distance between two notes is superior to 600 ms or not. Fig. 8 and Fig. 9 illustrate how the decision is taken: in the first case it isn’t (see Fig. 8, the two notes are close to one another) and nothing happens. On the following iteration however, the gap between two notes is wider than 600ms (see Fig. 9), so the messages “addmarker fin” and “addmarker debut” are sent to the end of the phrase and to the beginning of the next phrase respectively, resulting in adding green marker named debut and fin at the beginning and the end of the phrase respectively (see Fig. 8 and Fig. 9).
When a performer has nothing to sing, this precious time is systematically used in the score to provide cues feeding the perfomer’s headphone with what is coming next: using the markers previously generated to retrieve their onsets, if the pause is longer than the phrase to sing, (i.e. if the DURANTICIP is greater than DUR (see Fig. 10, and the “then” stance of the “if” statement in the code displayed in Fig. 12), then the cue will need to start at the onset corresponding to the difference between entrance of the singer (START) and the end of his phrase (END), with a 300ms break between the two. If on the other hand, the pause is shorter than the phrase to sing (see Fig. 11, and the “else” stance of the if statement in the code displayed in Fig. 12),

Figure 9. The two notes (with lyrics “blo” and “ho” respectively) are separated by a silence longer than 600 ms (ECART1 lasts a bit more than two seconds), therefore two markers are generated.

then the cue needs to start as soon as possible, i.e. as soon as the singers has finished the previous phrase (PREV):

Figure 10. When the pause is long (or very long....) the cue needs to be provided as late as possible i.e. just before the singer’s entrance. The corresponding onset value is 0’46” because START*2 - END = 48,5*2 - 51 = 46


Figure 11. When the pause is short, the cue needs to be provided as soon as possible i.e. just after the previous singer’s phrase (see the PREV variable).


Figure 12. Coding example in bell

Finally, the ’end’ markers (the ones named ’fin’, as in Fig. 8 at 0’16”200”’) are used for score display: the domain to be displayed on the playing staff and on the preview staff of the bach.roll(i.e. the staff-line that is coming next, as for page turns). Fig. 13 shows a coding example for formatting messages aimed at displaying the right portion of the score at the right time on both staves. Each time the cursor hits one of these markers, the domain display of both ’playing’ and ’preview’ staves are updated, provoking at the same time an alternation up and down between the position of those staves, so that the passive (or ’preview’) roll looks like an anticipation of the active (or ’playing’) one, resulting on a 2-staves display with constant preview. 4

Figure 13. Message formatting for maker generation in bell.

It is often a danger for a composer to write only what he can hear on his computer, rather than from his imagination directly. First he will limit his palette to what his virtual instruments can do, but also these instruments will always draw his attention to how they sound best, rather than how the instrument they are emulating would sound. However, the simulations of a sample library like ConTimbre 5 slightly undermine this statement because of the infinity of timbre combinations it makes available to composers today. Taking advantage of bach 0.8.1 dynamics support, the following proposes an overview of some mockup strategies for instrumental writing, showing how bach may be particularly handy in the context of musique mixte (instrumental/ vocal music with electronics), notably thanks the control of Ableton Live and/or ConTimbre.

3.1 bach-Ableton
The bach.roll object displays notation in proportional time (as opposed to bach.score in mensural notation), and outputs notifications of its playback status in real-time. These notifications can be interpreted in Max For Live in order to synchronize the notation for human players in bach with the electronic tape in Ableton Live. Figure 14 shows how Ableton’s playback controls can be accessed through the live-set path of the live object model (LOM), which makes constant back and forth playbacks possible between composition of the vocal/instrumental lines in the score and electronic tape (fixed media) in Ableton, during the compositional process. Here bach (“master”) sends playback notifications to Ableton (“slave”) though the live.object.

Figure 14. Max For Live device syncing bach and Ableton.

3.2 Controlling VSTs in Ableton via bach: the drawbacks of MIDI
We’ll examine here the case where bach (the fullscore) is used within Max-for-live to control synthesisers or VSTs. One way to do this consists in hosting the score in one track (e.g. the master track), and adding one track per instrument e.g. violin on track 1, cello track 2...). Max-for-live devices can send messages to each other (but not signal), so the full-score track can send control data to various instruments (interpreted as MIDI by VSTs). Numerous strategies can be used in bach to map symbolic data to dynamic change. The most common way will consist in using a function stored as slot 6 content, for instance dB function of time (see Fig. 15), to be retrieved during playback with the help of bach.slot2curve, thus mimicking the behaviour of automation lines in a DAW.

Figure 15. bach.slot2curve allows for automation curve retrieval.

Very similar results can be achieved by mapping the thickness or opacity of the duration line of the note to dynamic change, using this time bach.dl2curve. In this case the volume of the sound increases if the duration line gets thicker over time. Whilst the MIDI control data of the instrument (noteon pitch velocity noteoff...) is sent to the entry of the VST, such automation-like gain/volume control must be placed at its output. Some difficulties then emerge with this approach to MIDI-to-VST-instrument communication: - MIDI velocity and volume/automation data tend to contradict each other (e.g. what is the velocity of a crescendo dal niente?) - crescendos and diminuendo merely multiply the signal’s value without changing its spectral content (Risset famously evidenced the correlation between loudness and brightness in his trumpet study [25]) - pitch-wise, MIDI communication needs to rely on pitch bend, which is relatively easy when dealing with finite values such as semi/quarter or eighth of tones. Pitch bend can however be more error prone than straightforward MIDIcent communication (supported by contimbre through OSC communication) when dealing with non-approximated pitch value (e.g. making sure that 59.99 sounds “C” etc...).

3.3 bach Controlling ConTimbre via OSC
ConTimbre is a large database of orchestral sounds (87000 samples, 4000 playing techniques). Its use in conjunction with bach promisses being of interest for plausible mockups using instrumental extended technique, with clear possibilities in the realm of algorithmic composition. Considering one instrument (e.g. flute), each playing technique can be considered in bach as a list of slot information describing note-head, articulation, textual information to display on the score, and control data assigning that note to a specific playing technique of the ConTimbre library. The lisp-inherited data structure of bach allows to represent all this information as a tree. 7 The OSC syntax of ConTimbre also allows for precise control over dynamic change. Dynamic changes will therefore simulate true crescendi or diminuendi by sample interpolation. In a trumpet crescendo for instance, the timbre or harmonic content of the sound will transform over time, from low to high regions of the spectrum. To do so directly from notation information retrieval, the dynamic of the note is treated differently whether it is stable (i.e. if the dynamics list contains only one symbol e.g. f as “forte”), or if it changes over time (e.g. if the dynamics list contains 3 symbols e.g. o
Figure 16. Dynamic information is routed according to the length of its list: “fff >o” contains 3 symbols.

If the dynamic information contains 3 symbols, it will send to ConTimbre a noteon message with its initial dynamic, followed by a “dynamic” message containing the duration of the note and the target value.

Figure 17. The message ’dynamic “from max 1” 8400. 1 2742’ demands ConTimbre to reach velocity 1 in 2742ms”

3.4 bach, dada and attempts at using AI-inspired techniques
A playback engine such as the one described above (bachcontimbre could lead to interesting research in timbre combination and computer-aided composition, using techniques borrowed from AI in particular. Attempts are currently undertaken at classifying data with the help of the dada [21] library. 8

Recent improvements of the bach library for Max open promising perspectives in the realm of algorithmic composition, with the implementation of the bell language in particular. The seemingly anecdotal support of dynamics offers musical and intuitive playback control possibilities, and re-inforcing the link between historically-inherited musical notation and forward-looking algorithmic processes, which make bach an invaluable tool for composers today.

The author would like to thank Andrea Agostini, Daniele Ghisi, and Jean-Louis Giavitto from the latest improvements of bach. In memoriam Eric Daubresse who highly supported Cage, the first extention of the bach library.

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[21] D. Ghisi and C. Agon, “dada: Non-standard user interfaces for computer-aided composition in max,” in Proceedings of the International Conference on Technologies for Music Notation and Representation – TENOR’18, S. Bhagwati and J. Bresson, Eds. Montreal, Canada: Concordia University, 2018, pp. 147– 156.
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[23] A. Agostini, D. Ghisi, and J.-L. Giavitto, “Programming in style with bach,” in 14th International Symposium on Computer Music Multidisciplinary Research. Marseille, France: Mitsuko Aramaki, Richard Kronland-Martinet , Sølvi Ystad, Oct. 2019. [Online]. Available: https: //
[24] J. Bell and B. Matuszewski, “SMARTVOX - A Web-Based Distributed Media Player as Notation Tool For Choral Practices,” in TENOR 2017, Coru˜na, Spain, May 2017. [Online]. Available: https://hal.
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1 Video of the performance:
2 Video of Sevilla’s performance:
3 See parameters tweaks on the right hand side for demonstration here:
4 See for instance the tenor part: OpFcTs
6 The concept of slot in bach consists in attaching various kinds of metadata to a single note.
7 See for demonstration.
8 See for demonstration : and

"Cet article est issu des proceedings SMC2020

Jonathan Bell





La sonate secrète d'Ysaÿe: le violoniste Philippe Graffin raconte l'histoire d'un chef-d'œuvre compositeur belge récemment découvert

Caché dans un carnet de croquis
La plupart des violonistes reconnaissent Eugène Ysaÿe comme une figure légendaire. Son influence sur le jeu de violon moderne et les institutions musicales perdure encore aujourd'hui. Des œuvres telles que le quatuor à cordes de Debussy, le Concert et le Poème de Chausson, ou la Sonate pour violon de Franck font partie de la musique définie par l'ampleur du personnage d'Ysaÿe. Dans les Sonates pour violon solo d'Ysaÿe, inspirées incontestablement des six œuvres pour violon solo de Bach, les musiciens trouveront une histoire plus profonde d'intrigue et de connexion humaine. Ces pièces rappellent la fin des anciennes traditions romantiques, lorsque la musique visait à capturer les traces d'un esprit. Chacune des six sonates pour violon solo d'Ysaÿe est dédiée à un violoniste spécifique. Le caractère de chaque œuvre imprègne à la fois le style de jeu et la personnalité de cet artiste particulier.

La source de ces sonates est un carnet de croquis dans lequel Ysaÿe détaille les plans de projets musicaux. Il s'agit notamment de programmes de concerts, de collaborateurs et de projets de composition. Les sonates Opus 27 sont incluses, chacune étant dédiée à un violoniste exemplaire de la génération à venir, dont certains étaient ses élèves. Les six œuvres ont été rédigées de 1923 à 1924 à Knokke, une station balnéaire sur la côte belge du nord-est. Le carnet de croquis a été découvert parmi la collection de papiers et objets qui appartenaient au violoniste britannique Philip Newman qui, avant sa mort, les a offerts à son amie, la violoniste belge Josette Lavergne. Lavergne a ensuite fait don de l'intégralité de la collection à la bibliothèque du Koninklijke Conservatorium Brussels. Ce mystérieux carnet de croquis ne semblait pas déranger.

Bien que des holographes aient finalement été créés pour des publications - celles des deuxième et troisième sonates appartiennent à la Juilliard Manuscript Collection de New York - ce carnet de croquis est une source préliminaire importante contenant des ébauches et des corrections pour l'ensemble de l'opus. À l'intérieur de la couverture ornée, Ysaÿe griffonne «Six Sonates» avec une liste de noms cachés sous des gribouillis furieux. Juste en dessous, il ré-énumère chaque œuvre, intitulée avec tonalité et dédicataire correspondant. Par rapport aux publications modernes, les deuxième et quatrième sonates ont été initialement commutées. Une liste d'autres dédicaces aux violoncellistes et aux violistes est écrite en marge, y compris les noms Casals et Tertis.

En 2018, près d'un siècle après la conception des sonates de l'Opus 27, le violoniste français Philippe Graffin a examiné le carnet de croquis, tombant sur une septième sonate presque complète pour violon solo. Ces pages intitulées «6ème Sonate» comprennent une œuvre en do majeur qui ne ressemble en rien à la sonate en mi majeur connue aujourd'hui sous le nom de Sixième. Les premières pages sont des ébauches illustrant un processus de composition désordonné. Des extraits sont notés sur toutes les pages accompagnés de notes presque indéchiffrables dans les marges. Un système d'étiquetage intéressant des noms de compositeurs divisés syllabiquement organise ces extraits disjoints. La fin de l'un, intitulé Bee, se connecte à un autre en bas de la page, intitulé «-toven». «Mo-» se connecte à «-zart», «Schu-» à «-bert», etc. Certains passages sont parallèles à des échafaudages de notes décrivant une progression harmonique. Certains croquis calculent la position des doigts pour l'exécution technique. Quelques mesures sont «bouclées» avec un crayon pour l'insertion. La transparence du projet est stupéfiante. On voit le talent artistique intérieur du maître derrière le crayon.

Des pages supplémentaires montrent que le processus de composition de cette sixième sonate originale était bien avancé. Après les croquis d'une sonate pour alto et du Poème Nocturne, l'œuvre complète en do à trois mouvements réapparaît dans un script plus propre comme si elle avait été soigneusement imprimée pour un graveur ou un copiste. Le titre dédie l'œuvre au violoniste espagnol Manuel Quiroga. Peu de corrections éditoriales sont marquées à l'encre violette. «C'est une grande découverte pour les violonistes», explique Graffin. «Lorsque vous trouvez quelque chose qui n'est pas connu sous forme manuscrite, il n'est généralement pas en bon état, mais c'est rare - c'est très bien. Il possède l'un des meilleurs mouvements lents qu’Ysaÿe ait jamais écrit. Clairement écrit, [il] commence par une belle longue mélodie - c'est aussi très agréable à jouer. C'est très étrange pour moi que la sonate n'ait pas été terminée. »

Le mouvement final s'achève après la première portée de sa deuxième page. Selon Graffin, la matière fait le lien avec le premier thème. Les pages suivantes étant vides, la question de savoir comment la sonate en mi majeur a remplacé celle en do majeur puisque cette sixième sonate est intrigante. La sonate en Mi majeur, rédigée dans la même sketchbook, a été achevée le 10 mai 1924.

Esprit de Quiroga dans la musique
Comme les instrumentistes comptent de plus en plus sur le travail d’édition de spécialistes, l'examen direct des sources comme les manuscrits et les carnets de notes n'est pas aussi nécessaire ou commun aujourd'hui. Alors que chaque artiste a sa démarche personnelle, la grande quantité de musique que l'on prépare interdit souvent ce type d'exploration en profondeur. Selon Graffin, on peut donc être facilement trompé par le type de source. «Parce que c'est un carnet de croquis, les gens pensent que ce sont des croquis en cours de montage. Ce n'est pas le cas. C'est un premier projet très clair. Il y a des croquis pour d'autres œuvres tout autour. C'est le bazard. Vous avez une idée ici ou là de ce qui va être combiné - mais pour ce travail, ce n'est pas un casse-tête. » Le véritable puzzle consiste à reconstituer le récit: comment cette sonate originale s'intègre-t-elle dans le concept entier de l'Opus 27? Quel était le contexte de sa conception originale? En quoi cette découverte est-elle pertinente pour les interprètes de ces sonates visionnaires?

Le nouveau documentaire de Graffin intitulé Ysaÿe's Secret Sonata se concentre précisément sur ces sujets. Le film détaille la découverte de la sonate en do majeur inconnue, construisant une compréhension de l'héritage musical d'Ysaÿe à partir de ses compositions. La plus grande partie du film met en lumière Knokke, également appelé Le Zoute en français, comme un centre important pour Ysaÿe et ses étudiants en violon. Des interviews d'archives avec Nathan Milstein et Maurice Solway illustrent l'atmosphère musicale vibrante de la résidence d'Ysaÿe, pleine d'histoires sur les cours de violon et les soirées de musique de chambre avec le maestro et la reine de Belgique. Josef Gingold, avec qui Graffin a étudié en Amérique, a souligné une relation directe entre les sonates pour violon solo et ses souvenirs personnels de Knokke pendant les cours.

Alors que les autres dédicataire des sonates comme Jacques Thibaud, Joseph Szigeti et Fritz Kreisler sont largement connus aujourd'hui, Manuel Quiroga reste le plus obscur. Le film suit Graffin lors d'un voyage à Pontevedra, la ville natale de Quiroga sur la péninsule ibérique. En conversation avec la grande nièce de Quiroga, Milagros Bará, le film plonge dans la volonté d'Ysaÿe de capturer la personnalité et le style de jeu d'un dédicataire. Avec la découverte de la sonate inconnue, Quiroga est la seule à présenter deux œuvres. «Ysaÿe avait probablement perçu dans [Quiroga] deux personnalités très différentes», note Graffin. «Un, très fier, très virtuose, très brillant, plus jovial, aimé de tous. Et un autre, plus sombre et probablement plus profond. C'est à cette dernière que cette Sonate [inconnue] ressemble. »

Manuel Quiroga était considéré comme l'héritier spirituel de Pablo Sarasate. Sa carrière de concertiste s'est terminée brutalement lorsqu'un accident de la circulation à New York a causé une blessure irrémédiable au bras en 1937. Les talents de Quiroga en tant qu'artiste visuel l'ont soutenu; il a réalisé une série de portraits caricaturaux d'amis musiciens dans les années 40. Il était également compositeur, bien qu'il ne puisse pas continuer avec l'apparition de la maladie de Parkinson. Le film enregistre Graffin apportant une copie de la sixième sonate originale sur une place de la ville où se dresse une statue de Quiroga, jouant du violon pour des amis assis autour de lui. À Pontevedra où il est décédé, Quiroga est connu comme un violoniste. La sonate, analogue à un message dans une bouteille jetée à la mer, contient des traces de quelqu'un qu’Ysaÿe considérait comme très important pour le monde musical. Alors que Quiroga réalisé une caricature de Ysaÿe, le portrait musical par Ysaÿe de Quiroga continue comme une expérience performative. Ce documentaire est un hommage puissant et poignant à l'héritage d'Ysaÿe. Interprète, compositeur, mentor et ami, il est toujours connu comme l'un des plus grands violonistes de tous les temps.

Une histoire du passé à la publication
Ysaÿe appartenait à l'une des dernières et merveilleuses générations d'interprètes-compositeurs. Bien que les sonates de l'Opus 27 soient largement connues des violonistes, nombre de ses œuvres font encore l'objet de recherches approfondies et sont introduites dans la littérature musicale. La sixième sonate originale, éditée par Graffin, est terminée pour publication prochaine par Schott. Graffin a achevé le mouvement final inachevé en utilisant des fragments de matériel issus du premier mouvement. Il affirme: «L'idée n'était pas de finir la fin comme la mienne, personne ne veut ça. Il était important d'avoir autant d'Ysaÿe que possible sans changer ce qu'il avait écrit. »

L'édition prévue comprendra des notes ​​supplémentaires. Comme les six autres sonates sont marquées de symboles concernant l'utilisation de l'archet, la sonate en do majeur sera annotée par Graffin dans le même style. «Ces [annotations] doivent être traitées comme des marques expressives», explique-t-il. «Ces notes (coups d’archets) ​​sont assez spécifiques, comme l'utilisation de beaucoup d'archet sur certaines notes. Je pense que c'est pour s'assurer que ces notes particulières sont importantes pour l'harmonie. Normalement, vous sentez que ces notes sont très importantes mais manquantes sur le violon, comme une pédale. » Graffin s'attend à ce que la septième sonate devienne rapidement une partie importante du répertoire de violon.

Un enregistrement complet de la sonate est déjà sorti sur l'album 2019 Fiddler's Blues d'Avie Records, avec Graffin avec la pianiste Claire Désert.

Le film documentaire, Ysaÿe’s Secret Sonata, peut être visionnée sur YouTube.

Fiddler’s Blues peut être entendu sur Amazon, iTunes, et Spotify.

La septième sonate sera publiée par Schott sous le titre Sonate posthume pour violon seul, Op. 27bis.

Les Feuilles blessées de Reynaldo Hahn
Sylvain P. Labartette

Figure 1 : Première de couverture du recueil – Heugel, 1907

Un troisième enregistrement1 de la totalité du recueil des Feuilles blessées nous est proposé dans l’intégrale des mélodies de Reynaldo Hahn par le baryton Tassis Christoyannis, avec au piano Jeff Cohen, produit superbement par Bru Zane (octobre 2019). Profitons de cette circonstance pour présenter ces onze mélodies, moins connues que bien d’autres, composées sur des textes de Jean Moréas, les appréhender plus justement et comprendre la démarche artistique de Reynaldo Hahn, ce compositeur qui a su chanter les vers des poètes contemporains auprès desquels il se sentait proche : Paul Verlaine, Sully Prudhomme, Jean Moréas, Leconte de Lisle entre autres. La date de composition (1901-1906) suit de très près la parution des poèmes de Jean Moréas (1895-1905). Une même lecture sensible des deux artistes qui nous dévoile une vision plus ombrageuse en ce début du XXe…Une désespérance du Temps se décline ici : nous sommes loin des couleurs irisées d’une certaine Belle Époque…

Les ExposiSONS
Katyt’aya Catitu Tayassu

... C’était un soir d’avril en 2018. L’historien de l’art et commissaire du Musée de l’Invention & Subtil Collection se présentait à l’autre bout du fil. La voix de Pascal Pique dégageait quelque chose de familier. Je l’ai entendu en écoutant ses petites fréquences qui composent le corps sonore dans le timbre de la voix. Ses minuscules sonorités qui soufflent avec les mots, les pauses et entre les respirations une cadence dans la vocalisation des syllabes qui deviennent phrases.

Je suis particulièrement intéressée aux sons et très concernée par les effets des fréquences et harmoniques dans l’inventaire sensoriel présent (aussi) chez les humains. Depuis toujours je suis en interprétation quant aux mimétismes et modes d’interaction pratiqués par ces ancêtres incroyables que sont les plantes sauvages: arbres et fleurs médicinales. Ainsi, avec Pascal Pique j’ai donc porté une deuxième attention à notre communication. Un paysage sonore étendu comme un fil à linge rempli par une palette des couleurs - couleurs des mots - et par des tonalités entre ses sons et son silence.

L’anthropologue française Barbara Glowczewski avait indiqué mon nom, afin d’intégrer la liste des artistes conviés à la nouvelle exposition du Musée de l’Invisible. Barbara est aussi une sorte de passeuse. Elle met toujours en relation les électrons: trop libres pour se rencontrer par eux-mêmes. Elle pressentait, bien évidemment, qu’un tel musée ne pouvait pas passer inaperçu à mes autres sens cachés... Tout mon corps répondait, phrase après phrase, puisque Pascal Pique avait une idée bien à lui pour l’exposition de la toute première « Subtil-e Collection » dans un musée hors norme: un musée sans murs. Un musée nomade. Un musée de l’invisible, pour l’invisible et à propos des invisibles... Aussitôt mon âmezonie était toute ouïe puisque mon esprit sauvage se réjouissait des possibles mystères dans le parcours à entamer auprès des artistes, plus ou moins visionnaires quant aux défis rêvés par le commissaire de l’exposition.

Chapitre I Une histoire de la musique enregistrée
Laurent Worms

Aujourd'hui, il suffit, sur son smartphone, d'appuyer sur la fonction désirée pour qu'un flot de musique s'écoule dans vos oreilles à travers casque ou écouteurs. Effort à minima et médiocrité sonore assurés.
Mais tout n'a pas été aussi simple. La musique enregistrée est une longue histoire de cent soixante ans qui débute, en France en 1857
Le 9 avril de cette même année, l'ingénieur Leon Scott de Mantinville grave "Au clair de la lune", sur une membrane noircie à la fumée d'une lampe à huile. Il nomme son invention, cette toute première machine à enregistrer un son, le "phonotographe". L'expérience s'arrêta là, car il ne put mettre au point une technique de lecture apte à écouter ce qu'il avait enregistré. Cette invention, tombée dans l'oubli, est redécouverte en 2008 par une équipe de chercheurs en informatique qui parvient à lire ce message enregistré, plus que centenaire, grâce à une technologie dernier cri.
L'aventure rebondit grâce à Charles Cros, un professeur de chimie, poète à ses heures, qui se consacre à la recherche scientifique. En avril 1877, il adresse à l''Académie des sciences un mémoire décrivant le principe d'un appareil de reproduction des sons qu'il nomme paléophone et réussit un enregistrement mais comme son prédécesseur bute à son tour sur le problème de la reproduction de ces sons, visiblement enregistrés mais que l'on ne peut écouter.

Le Manuscrit de Chantilly
Énigmes dans l’énigme ou le reflet du peintre dans le miroir...
Laurence Brisset

écouter ce disque sur spotify

Un manuscrit énigmatique quant à sa provenance et sa destination,  celant en son sein des énigmes musicales et poétiques, parfaite illustration d’un art dit Subtilior... le Codex Chantilly, MS. 564 de la bibliothèque du château de Chantilly, constitue l'une des plus riches collections de musique française de la fin du Moyen Age. Parfaitement conservé, il témoigne de l’imagination et de la virtuosité des musiciens qui explorèrent les limites de la notation musicale récemment établie. Les « subtilités » concernent à la fois la musique -rythme et polyphonie- et le texte, son sens, sa forme, la façon d’user du langage.  Les compositeurs parsemèrent habilement leurs oeuvres de rébus, d’acrostiches, de jeux de mots, de citations, d’allusions mythologiques, politiques ou amoureuses. Ils rivalisèrent d’intelligence mais aussi et surtout de sensibilité, car la dimension intellectuelle de cet art reste au service d’une indéniable beauté.

Jonathan Bell, Aaron Wyatt

This paper describes Common Ground, a piece for six dancing singers and electronics, in which the coordination between performers is ensured by a RaspberryPi-embedded node.js web application. The singers received synchronised scores in the browser of their phone, which they wore in head-mounted display in order to free their hands and enhance their scenic presence. After a description of the artistic project, the elaboration of the score is examined under the categories of movement notation (how trajectories are embedded in musical notation), spectral composition (microtonal tuning between synthesised sounds and human voices), algorithmic processes (how the recent bell coding language facilitates processes for which Max patching is ill-suited). The article finally describes the Raspberry implementation, outlining potential ameliorations of the current system, including dns support and unnecessary dependance on a dedicated router.

Common Ground, by the Spanish artist Keke Vilabelda, is an immersive installation with large paintings, videos, and three tons of salt covering the ground (see Fig. 1). Commissioned by the Grau Projekt art gallery in Melbourne 1 , it reflects on the common features of landscapes (salt lakes) situated at antipodes of one another (Spain Australia). The initial idea of the musical piece of the same name was to take advantage of this beautiful immersive space, and use it as set design for the performance of six female voices accompanied by electronics. The poems chosen for the piece, by the English poet Robert bell, take the sea as source inspiration - the horizon, natural elements, treated as points of departure for meditation upon everyday life.
From the beginning, the visual aspect of the piece revealed itself to be of primary importance, which is why the performative part had to integrate movements/dance, costumes, and find a way for the score to be part of this ecosystem without disturbing it. Indeed after more than ten

Dans la tête d’un compositeur
Essai d’introduction à la musique contemporaine
Première partie
Étienne Haan

Introduction à la musique contemporaine

Comment aborder la musique contemporaine? Pourquoi peut-elle nous paraitre étrange, voir repoussante? Nombreuses sont les interrogations soulevés par les auditeurs confrontés à cette musique. Cette série de courts textes propose à un public non-initié de se familiariser avec cette étrange musique aux multiples facettes.

Émotion et énergie
Il est rare de ressentir des émotions à l’écoute de musique contemporaine. La façon dont nous réagissons émotionnellement à une situation est le fruit d’expériences personnelles. Or notre société occidentale est „envahie” par certains codes musicaux, qui font que certaines musiques sont ressenties à peu près par tou·tes de la même façon.
Ce n’est rien d’inhérent à la musique, c’est une habitude. Nous avons une idée de comment sonne une musique joyeuse, triste, angoissante. Et c’est la maîtrise de ces habitudes par les compositeur·rices qui nous fait ressentir des émotions au cinéma, et ceci indépendamment des images que nous voyons sur l’écran.
Si nous regardons „les dents de la mer”, nous voyons un paysage avec une mer calme, bleue, très belle…mais la musique est „angoissante”, ce qui nous permet d’anticiper le malheur. Nos automatismes d’écoutes permettent l’utilisation de la musique comme levier dramaturgique.
Or, si nous composons une musique qui ne correspond pas à ses codes, elle ne peut engendrer chez nous d’émotions car elle est nouvelle. Elle ne rappelle aucun souvenir, elle est vierge de tout vécu. Elle peut alors être désagréable, étrange, comme tout ce qui est inconnu.

Les compositrices polonaises : sept siècles d'histoire,
Michèle Tosi

Où sont les compositrices? C'est la question qui nous préoccupe à un moment de l'Histoire où le ministère de la Culture, en France, s'engage officiellement à faire progresser l'accès des femmes aux programmations et aux directions des institutions culturelles pour amorcer une transformation effective de la situation. La place des femmes dans le domaine des arts est devenue un sujet d'étude légitime (1), devancé par des musicologues et chercheuses comme Florence Launay (2) ou Hyacinthe Ravet (3) dont les ouvrages ont très tôt alerté les consciences. Les artistes, créatrices, compositrices, ont toujours existé mais les conditions dans lesquelles elles ont travaillé n'ont pas toujours favorisé le plein épanouissement de leur art.
Cet essai succinct sur les compositrices polonaises balaie sept siècles d'histoire, et donne un coup de projecteur sur la jeune génération, engagée sur la scène internationale et formée aux nouvelles technologies grâce aux développements des studios, à Varsovie, mais aussi Cracovie, Gdansk, Wroclaw, Poznan, etc., et leur vitalité à fédérer les autres arts (littérature, théâtre, danse, vidéo, etc.) pour favoriser les projets interdisciplinaires que les compositeurs-trices appellent aujourd'hui de leur vœux.

Comme dans toute l'Europe chrétienne, que la Pologne rejoint en 966, l'activité musicale polonaise, au Moyen-âge se concentre autour des monastères et des cathédrales (4). Un document iconographique de 1418 nous montre un groupe de nonnes chantant sous la direction de leur supérieure St. Clare. C'est à cette époque que l'on relève le premier nom de femme, celui de la religieuse Duchna Jankowska, impliquée dans la vie musicale de sa congrégation. Est-elle compositrice, instrumentiste ou simplement copiste, rien ne l'indique précisément, le manuscrit conservé à Varsovie ayant été détruit durant la seconde guerre mondiale. La présence de chanteuses, musiciennes et compositrices est attestée durant les siècles suivants, telles Zofia Kamiroska et Teresa Fabianska, toutes deux appartenant à l'ordre de St Clare, dont les messes ont été conservées. Au 18ème siècle, alors que la Pologne accueille bon nombre de musiciens venus d'Allemagne et d'Italie, la musique devient un art de divertissement souvent réservé aux femmes de l'aristocratie.
Formées par ces artistes étrangers, elles chantent, jouent du piano et écrivent de la musique. Citons, parmi ces « grandes dames », la Princesse Franciszka Urszula Radziwill qui compose la musique de scène de plusieurs comédies. Ses arias, dialogues et pièces chorales sont chantés en polonais quelques trente ans avant la naissance d'un opéra national. La Princesse Izabela Czartoryska (1744-1835) écrit, quant à elle, des mélodies qui seront publiées en France en 1780. La vie musicale reste très active dans les couvents où les nonnes chantent et composent. Parmi les partitions des 17ème et 18ème siècles préservées dans les sept Livres de musique provenant du Monastère bénédictin de Staniatki apparaissent les noms d'Anna Kiernicka (compositrice) et Zuzanna Niwiarowska (organiste). Celui d'Henriette Jacobson, ayant résidé à Varsovie, est mentionné dans les collections de la Bibliothèque nationale de cette même ville.
C'est au tout début du 19ème siècle que l'école de chant polonais prend son essor et acquiert une spécificité nationale. En 1814 est fondée à Varsovie la Société de Musique religieuse et nationale à laquelle adhèrent bon nombre de femmes polonaises de l'aristocratie : citons parmi celles-ci, Zofia Zamoyska (1779-1837), Cecilia Beydal (décédée en 1854), Franciszka Kochanowska (1787-1821), Konstancja Narbut et Laura Potocka.

 Après un brillant parcours en composition au Conservatoire central de Pékin,Huihui Cheng a poursuivi ses études à l'Académie de musique de Stuttgart. Elle n'était cependant pas "une bonne élève", comme elle l'affirme dans une conversation - certainement pas sans ironie: "Je ne pouvais pas accepter grand-chose de mes professeurs; j'essayais pourtant avec insistance, mais les méthodes proposées me convenaient rarement. J'ai beaucoup étudié le grand répertoire et ses compositeurs, mais je n'ai pas vraiment appris en les imitant non plus. Au lieu de cela, je cherche toujours des techniques de composition qui correspond à ma personnalité et à mon intuition: pour chaque nouvelle situation, je dois trouver une nouvelle manière appropriée. "

Le fait que Cheng ait trouvé son langage est mis en évidence par les nombreuses compositions interprétées dans des festivals tels que Rainy Days au Luxembourg et à Vienne. Les récompenses de Cheng incluent le Grand Prix du Concours international de composition Isang Yun en Corée, ainsi que des bourses de "Academy Music Theatre Today" à Casa Baldi, de la SWR Vocal Ensemble Academy et du Kunststiftung BadenWürttemberg.


Pour sa pièce Me Du Ça pour soprano et électronique live (2016), Cheng a reçu de l'Institut de musique et d'acoustique du ZKM et du Studio expérimental de SWR Freiburg le prix Giga Hertz pour la musique électronique. Dans cette pièce sombre, la chanteuse interprète un éventail de techniques allant des syllabes chantées ou parlées de manière conventionnelle aux hurlements et sifflements réverbérés électroniquement ou à la production de sons à l’aide de minces tuyaux en caoutchouc: ces derniers sont soufflés, grattés et sifflés avec les ongles ou des même les dents comme avec un "Guiro", mais surtout, ils forment le costume (design: Marc Socié) et l'interprète se trouve coiffée des tentacules attachés, imités de la Méduse .

"L'élément théâtral" est particulièrement important dans cette pièce, dit Cheng; cependant, cette théâtralité se déroule dans un espace extrêmement réduit, car la soprano ne bouge pas d'un millimètre du lieu. Néanmoins - ou tout simplement parce que - ce jeu avec des moyens scéniques minimes et des musiques variées est extrêmement séduisant et amusant par sa sophistication fine. Le jury du Giga-HertzProduktionspreis a loué le fait que Cheng "compose le traitement vocal ainsi que des costumes, l'électronique live, dans une grande virtuosité d’écriture [...]". Souvent, Cheng plaisante, le "devenir un" de l’interprète et de l’instrument rappelle le clip de la chanson Moon de la chanteuse islandaise Björk, dans lequel la harpe est incrustée dans sa robe.


Cette association d'une harpe jouant n'est pas loin dans Messenger (2017) pour "String Piano", un piano préparé dans lequel la mécanique des marteaux a été retirée. Ici, l’interprète joue à l’aide de fils de nylon qui, une fois enroulés autour des cordes du piano, forment une sorte d'interface entre l'artiste interprète-exécutant et le piano droit.

Au début de la pièce, l’interprète doit «revêtir» l’instrument en quelque sorte: comme une robe à laquelle les fils de nylon sont attachés, le costume traduit (transforme ?) tout effort physique en production du son. C'est une image forte qui peut également être vue sur YouTube dans une performance avec Claudia Chan. On voit également voir comment Chan - à la manière d'un marionnettiste - peut mettre individuellement chaque corde de piano en résonance en tirant finement sur celles-ci. Au moyen de ces fils "Messagers", elle envoie des signaux, qui sont immédiatement traduits en son: en plus des aspects sonores, c’est encore une fois l’effet visuel qui est intéressant. Heureusement, Cheng ne se contente pas de la démonstration de cette technique de jeu intelligente, mais crée une composition dense et expressive dans laquelle le spectre technique est enrichi de possibilités supplémentaires, telles que l'arraché et le glissé avec les doigts directement sur les cordes ou le “jeté” de billes de bois, toujours attachées aux fils de nylon -. Malgré des vidéos réussies, le compositeur souligne que vivre en direct la pièce est une expérience particulière, surtout dans le cas de Messenger: "Lorsque vous entendez la pièce en concert, vous percevez très clairement les vibrations de l’instrument."

HOMO LUDENS Une autre caractéristique du travail de Huihui Cheng est son aspect ludique fondamental: on peut même découvrir sur le site Web de Cheng un ongle intitulé "Jeu". Dans Your Turn, pour ensemble vocal et audience (2018), commande de création du festival ECLAT 2019 à Stuttgart, Cheng s’adonne à l’un des jeux les plus populaires: le jeu de cartes: "Il crée une situation de jeu authentique et toujours inattendue [...] une collection de cartes à jouer toujours flexible doit faire réagir les interprètes de façon authentique dans leur rôle de joueur », révèle le commentaire de travail. Cheng combine alors ces réactions avec des gestes musicaux.

Dans ses dernières oeuvres, la compositrice demande une participation des spectateurs, de sorte que ces derniers ne voient pas seulement le jeu de cartes se développer sous leurs yeux, mais en font activement partie - ergo: "jouez avec nous" -. Pour le public, il y a des cartes à jouer séparées, qui doivent également recevoir une "réponse" spontanée par des actions. La nature incalculable de cette situation de jeu dans ce que Cheng décrit comme une "écoute active" crée en quelque sorte un chaos contrôlé, qui implique une certaine théâtralité: le jeu, apparemment inoffensif sur un écran de projection devient un espace idéal pour faire émerger des comportements humains, dans le champ de l’adversité, du rire et de la convivialité ».

Les graphiques sur les cartes à jouer nécessaires à la représentation ont été conçus par Karin Kraemer; elles sont divisées en cartes texte, vocales, gestuelles et d’audience. Ils contiennent des instructions claires: par exemple, il faut lire les décalages de texte, imiter certains sons ou exécuter des gestes caractéristiques. En même temps, un score complexe régule au moins partiellement le déroulement de la partie. Il est à noter que cela inclut également les "erreurs de jeu"; Les instructions disent même: "Faites des erreurs souvent!" Ergo est appelé à un "fair-play" avec des erreurs calculées, ce qui en termes de pièce humoristique (et en fait tout à fait) représente à nouveau un résultat très inattendu - et en même temps très excitant - Dialectique révélée.

L'ouvrage Your Smartest Choice, écrit deux ans plus tôt, est également une pièce de théâtre - une performance pour quatre musiciens, électroniciens et participants, également une mission de l'ECLA. Ici aussi, les visiteurs du concert sont autorisés à "s'impliquer": cette fois, toutefois, avec l'aide de leurs smartphones, avec lesquels ils se font concurrence dans une sorte de jeu vidéo. Dans le sens d'une "situation de performance dynamique", le jeu est même modifié individuellement au cours de la performance et adapté à la partition actuelle, tant musicale que technique. En plus de Compass et de Evitez la pluie, le public a également le jeu Kill the Balloon, dans lequel les joueurs à l'écran sont supposés pour faire exploser des ballons numériques; Vers la fin de la pièce, les musiciens transpercent alors des ballons de la vie réelle sous forme d'effets sonores criards. L’aspect provocateur où Cheng divise finalement le public du concert en "gagnants" et "perdants", ajoute une dimension sociale que Cheng communique subtilement à l’œuvre plutôt ludique-humoristique. Your Smartest Choice a été réalisé en collaboration avec les collaborateurs du projet de recherche "CoSiMa" (Média localisé collaboratif) de l'Ircam de Paris.

Dans une autre de ses œuvres récentes, Echo & Narcissus, pour soprano, alto, ensemble et électronique (2018), Cheng revient à une forme narrative presque conventionnelle, tout en restant dans l’univers ludique des œuvres citées ci-dessus. Le texte utilisé est un collage de poèmes de Wolfgang Denkel, Bernd Schmitt et Ovide. La compositrice montre ici un sens aigu de l’exploration des possibilités timbriques du violoncelle et de la clarinette basse: leurs parties oscillent entre des fragments mélodiques et divers éléments de bruit qui se perdent dans le silence. Pendant ce temps, les percussions - supportées électroniquement - un kalimba microtonal (un "piano à pouce" africain), un waterphone (dont la sonnerie coulissante métallique est très caractéristique) et un Waldteufel, des instruments très singuliers pour "Produire des sons très sensibles" explique Cheng.

La soprano vêtue de façon sombre (création du costume: Rebekka Stange) se dresse au premier plan de la scène, êeclairée par un projecteur vidéo dont les figures géométriques suivent les changements musicaux et, selon Cheng, «agrandit le monde intérieur de Narcisse» (conception vidéo: Lukas Novok). Le tissu qui se cache derrière elle ne sert d’abord que de toile de fond aux projections; mais bientôt quand le corps de la contralto commence à briller à travers le textile, la "toile" devient le symbole du miroir (de l'eau) dans lequel Narcisse jouit de son propre reflet. Musicalement, cette réflexion n’est que suggérée: la partie vocale fragmentaire de la contralto "ne reflète pas directement" celle de la soprano, mais les deux chanteuses évoluent généralement en parallèle selon les passages respectifs du texte, de sorte que, musicalement, une impression d’image ou d’ombre prédomine.

À la toute fin, la soprano quitte son siège et, à travers la toile, se rapproche de la vieille femme, maintenant complètement silencieuse, qui, par la grâce d’un seul cône de lumière, devient alors visible, portant une couronne d'épines: «la touche finale»


Martin Tchiba (traduction Jonathan Bell)





Studio Report: MTT at the Orpheus Institute
Juan PARRA et Jonathan IMPETT
(traduction Jonathan BELL)


Cet article vise à servir de rapport de studio (studio report) de recherche du groupe “Musique, pensée et technologie en performance (Music, Thought and Technology in Performance-MTT)”récemment lancé à l’Institut Orpheus de Gand, en Belgique. Le groupe se concentre sur le rôle des concepts technologiques pour définir plus généralement la musique, sa création et sa réception. Cette présentation est illustrée d’exemples audio et vidéo issus du répertoire, ainsi que de nos propres créations.

TN_CC*JI&JP: A Timbre-Networks Performance (cf. Chapitre, iteration #2)

par Katy’taya CATITU TAYASSU


À la pochette du CD je propose un premier récit sonore issue d’une relation plus lointaine et personnelle entre moi et les peuples du ciel: les nuages. Voici une brève considération à propos des compositions proposées dans cette album.

KUTE MYNA HAKE – Signifie la rescapée ou la femme sans peuple, autrement dit, la survivante. Cette première composition s’inspire de l’histoire que m’a été raconté en 1986, durant mon déplacement dans la partie oueste de la forêt amazonienne. A ce moment là, je n’étais pas assez mûre pour compreendre l’enseignement que m’a été transmis à cette époque. Toutefois, je me souviens des amérindiens rencontrés entre la frontière oueste-brésilienne avec le sud de la Colombie et le nord-est du Pérou. KUTE MYNA HAKE fait alors référence a une poignée de gens que autrefois communiquèrent tout naturellement avec la “genia”, c’est à dire, les gens des nuages. KUTE MYNA HAKE appartenait à ce tout petit groupe des nomades qui parleaient aux peuples du ciel. Cette survivante nommée KUTE MYNA HAKE indiqua avec ses petits doigts amérindiens les noms des nuages et pourquoi ils ont été ainsi désignés. Elle déclina un certain nombre de récits à propos de son peuple et, plus particulièrement les variations de la lumière bleue... Une lumière absolument singulière entre 4 et 5 heures du matin, selon les saisons sèches et les saisons des pluies. Ainsi, à chaque jour, durant une minute ou deux avant le lever du soleil les oiseaux si taisent juste avant cette lumière légèrement bleutée. Pour les Gens des Nuages la lumière bleue jallit constamment une sorte de fluidification cosmique apperçue et absorbée tantôt par les oiseaux et les arbres et les autres plantes sauvages. Cet titre est un hommage à ma mère amérindienne.

Le développement de cours de computer musique aux USA

(Developing Curricula for Electronic Music Degree Programs)
McGregor BOYLE, Johanna DEVANEY, Lainie FEFFERMAN, Douglas GEERS, Eric HONOUR


Lors de la conférence ICMC (International Computer Music Conference), qui avait lieu cette année à New-York, plusieurs professeurs se sont réunis autour d’une “table ronde”, pour comparer leur différentes approches de conception de programmes de master et licence (undergrad), dans le domaine de la musique electronique.

Lainnie Feffermann : Dans un sens, le département dans lequel j’enseigne est à la fois très récent et très ancien… Je suis donc le nouveau professeur au Steven’s Institute of Technology , dans le Music and Technology Program , qui a plusieurs dizaines d’années. Il a été pendant longtemps orienté vers la music production, mais nous essayons actuellement de le redéfinir. Nous avions quatre matières principales, incluant par exemple sound recording, obligatoire pour tous, et seulement un semestre dédié à la composition. Je fais partie des quelques nouveaux arrivants dans l’institut, qui tendent avant tout à favoriser la création, l’aspect compositionnel du cursus.

Il y avait dans le passé de très bons producteurs , mais l’enseignement de Max, Supercollider, les environnements de programmation, et les installations sonores liées à ça étaient peu représentées. C’est à mon avis pour ça que j’ai été recrutée, de la même façon que mes collègues. Cependant, l’orientation du programme reste une question ouverte. Les connaissances et intérêts de l’équipe sont très variées. Chacun des professeurs à une identité propre. Nous aimerions tous que le curriculum (programme) soit le plus interdisciplinaire et ouvert possible, mais qu’est-ce que cela signifie en termes de crédits et de diplômes? Nous sommes donc en pleine phase de questionnement…

Johanna Devaney : Je suis professeur au Brooklyn College , je commence cette année. J’étais auparavant à Ohio State University , où l’on essayait de définir un nouveau cours en music technology. Le but était d’avoir deux parcours, le premier plus créatif, et le second plus computer science. Et l’une des choses que cela nous a fait réaliser, c’est que, surtout pour les institution moins renommées, il peut être extrêmement difficile d’obtenir la flexibilité que nous partageons probablement tous autour de cette table, à savoir rompre avec ce que l’on décrit traditionnellement comme “l’éducation musicale”, qui consiste en quatre semestres de music theory (solfège), quatre semestres d’histoire de la musique (et plus particulièrement celle qui a peu d'intérêt pour la musique électronique). Au Brooklyn College , aussi, on développe une nouvelle spécialité en music technology. Là-bas nous n’avons pas ces restrictions, ce qui est une bonne chose. J’aimerais beaucoup y développer un cours de notions fondamentales de programmation, car je pense que les étudiants développent de nombreux outils, qui pourraient avoir beaucoup plus de sens s’ils pouvaient les exprimer en langage de programmation. Cependant ce cours ne doit pas ressembler à ce que le département d’informatique enseigne, sinon ils ne nous laisseraient pas l’enseigner… C’est donc assez problématique. Une autre difficulté vient du fait qu’on demande beaucoup de résultats aux étudiants dans leur discipline principale, et que leur bourse dépend également de principalement de cette discipline, c’est difficile pour eux d’avoir deux majors (disciplines principales), ou de s’investir dans leur minor. C’est donc souvent difficile pour les étudiant qui sont “musiciens électroniques” de faire valider leurs acquis.

Bonjour, j’enseigne au Peabody Conservatory , donc à priori ce que je fais est très différent de vous... Nous avons un master of music de deux ans en computer music, il a maintenant 30 ans. Nous avons eu beaucoup d’étudiants, et je suis certains que beaucoup d’entre eux vous sont familiers. Nous avons également ajouté un cursus de licence il y a 15 ans je crois. L’une des choses qui nous distingue, c’est qu’on est un “conservatoire”, (pas une université) donc la musique est notre dominante principale, nous sommes moins orientés music technology . Nous avons un programme séparé pour l’enregistrement qui est plus technique… Nous sommes plutôt “musique”.

On a donc une spécialité composition musicale, ce que font la plupart des étudiants, mais on a aussi une spécialité performance , assez unique, qui permet par exemple d’obtenir un master en performance de musique électronique, et nous avons aussi une spécialité “recherche”, pour ceux qui sont essentiellement intéressés par la programmation/recherche… Et la seule grande différence entre les trois spécialité c’est le projet final : pour les performers, c’est un récital, pour les compositeurs c’est un portfolio , pour les chercheurs c’est une thèse.

Au niveau undergraduate (licence), c’est possible d’être diplômé en composition ou en performance, mais on a pas encore accepté d’étudiants en computer music performance . Une chose spéciale, c’est qu’il n’est pas requis de savoir jouer d’un instrument pour être accepté dans ce cursus. Il faut donc faire assez attention avec certain de ces étudiants qui ne jouent d’aucun instruments… Mais encore une fois, dans un conservatoire, l’accent est mis sur la musique, et sur la composition, et les étudiants voient chaque semaine leur professeur en cours individuel, et c’est là que se situe le référent central de leurs études.

(propos transcrits lors de la conférence ICMC, grâce à l'aimable authorisation de Douglas Geers)

McGregor Boyle, Johanna Devaney, Lainie Fefferman, Douglas Geers, Eric Honour

Le Laptop Orchestra,
ou l’apprentissage de l’informatique par le son et la musique
par Dr. Ivica ICO BUKVIC, traduction par Jonathan BELL



Ascent de Brian Eno, interprêté par le L2Ork Raspberry Pi Orchestra

Reanimating the Readymade
par Peter BUSSIGEL, Stephan MOORE, Scott SMALLWOOD
traduction Jonathan BELL



Peter Bussigel
Emily Carr University
520 East 1st Avenue
Vancouver, Canada V5T1G5
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Stephan Moore
Northwestern University
Dept. of Radio, Television & Film
1920 Campus Drive
Evanston, IL 60208 USA
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Scott Smallwood
University of Alberta
Fine Arts Building 3-82
Edmonton, AB T6E0T4
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Il existe une riche tradition d'utilisation d'objets trouvés ou “readymade” dans les performances musicales et les installations sonores. Water Walk de John Cage, Noise Bodies de Carolee Schneeman et Rainforest de David Tudor s’appuient tous sur les propriétés sonores et culturelles des objets trouvés. Aujourd'hui, compositeurs et artistes sonores continuent à observer le quotidien, combinant des readymades avec des microcontrôleurs et des composants électroniques de fabrication artisanale, réutilisant des interfaces connues pour leur potentiel sonore. Cet article donne un aperçu historique du travail au croisement de la musique et du readymade, puis décrit trois installations / performances sonores récentes des auteurs qui explorent cet espace plus en profondeur. L'accent est mis sur les processus impliqués dans le travail avec des objets trouvés - les explorations complexes, pratiques et ludiques de la culture sonore et matérielle.

L’esthétique de l’erreur;
Rupture dans le code,
une chance pour comprendre un système
par Alexender SCHUBERT
traduction de Thomas BEISENHERZ

Die Ästhetik des Fehlers
Bruch der Kodierung als Chance ein System zu verstehen


Ce que l’on nomme aujourd’hui “musique contemporaine” reste ancré dans un sérieux, une rigueur scientifique, héritée des compositeurs sériels des années 1950 comme Boulez ou Stockhausen, qui se réunissaient l’été à Darmstadt pour débattre de l'avancée de leurs recherches. Mais Darmstadt a bien changé, et Alexander Schubert est assez représentatif de ce que les jeunes compositeurs du monde entier viennent y chercher : de nouvelles formes d’expression musicales, dans lesquelles la technologie prend souvent une place importante. Schubert nous explique ici comment l’erreur, le bug informatique, ou le “glitch” constituent le centre de son projet esthétique.
L'éducation musicale propose ici les traductions françaises et anglaises du texte original en allemand.

Arnold SCHOENEBERG (1874-1951), compositeur religieux et mystique
par Michel THIOLAT


Arnold Schoenberg (1874-1951), un nom qui évoque le créateur d'un mode de composition nouveau qu'il appela lui-même “musique de douze sons”1 - connu aujourd'hui sous le terme de dodécaphonisme -, ainsi que quelques titres de ses oeuvres les plus célèbres : le Pierrot lunaire, La Nuit transfigurée, les Gurre Lieder, ou encore l'un de ses opéras, Moïse et Aaron.
L'homme présente une personnalité extrêmement riche, déployant une incessante activité, puisqu'on sait que, doué d'un réel talent, il cultivait également l'art de la peinture, qu'il aimait inventer des jouets qu'il façonnait pour ses enfants, ou des outils pédagogiques pour enseigner la musique, qu'il fut aussi passionné de photographie, et, dans le domaine de la musique, compositeur, théoricien et pédagogue : ces diverses activités firent l'objet de plusieurs expositions à travers l'Europe.
Les ouvrages et articles sur la vie et l'oeuvre d'Arnold Schoenberg, biographies ou commentaires historiques ou analytiques, se chiffrent par centaines, dans toutes les langues, mais principalement en allemand, anglais et français, tant cet artiste marque une révolution dans l'histoire de la musique. Aussi le propos des lignes qui vont suivre n'est pas de tracer le parcours de sa vie et de sa carrière, mais de présenter un aspect de sa vie, moins connu, bien qu'important, voire fondamental : la profonde conviction religieuse qui anima toute son existence, et le soutint à travers les terribles épreuves qu'il dut surmonter à diverses époques. Bien que, comme chez tout homme, sa pensée ait connu des phases différentes, il déclara dans une lettre à Marya Freund, du 30 décembre 1922 : «  … à aucun moment de ma vie je n'ai été antireligieux, ni même jamais irréligieux  ». Ses convictions en matière de religion s'expriment soit directement par la voix d'un de ses personnages, comme dans Der biblische Weg (“La Voie biblique”) , Un survivant de Varsovie op. 46, Die Jakobsleiter (L'Échelle de Jacob), Moïse et Aaron, soit sous forme poétique, dans les Quatre Lieder op. 22, le Kol Nidre op. 39 ou encore le Psaume moderne op. 50.
Nous n'envisagerons dans cet article que les plus importants parmi les écrits et compositions musicales faisant référence au domaine religieux.


par Jonathan BELL
Aix Marseille Univ, CNRS, PRISM
Perception, Representations, Image, Sound, Music


Le cycle de compositions "In memoriam Jean-Claude Risset" marque un tournant important dans l’évolution du dispositif SmartVox: initialement conçu exclusivement comme un outil d’apprentissage et de performance pour choeurs, au moyen duquel des chanteurs reçoivent leur partition et leurs audio-guides par le navigateur de leur smartphone, SmartVox est désormais utilisé dans des configurations plus diverses: pour de grands ensembles avec choeur et orchestre, en petites formations de musique de chambre (grâce à un système dédié embarqué sur Raspberry Pi), comme support pour partitions synchronisées sur casque (head-mounted display), lors de concerts participatifs en interaction avec le public, ou enfin dans le contexte de production d’opéras. Cet article situe d’abord SmartVox parmi l’ensemble des technologies aujourd’hui disponibles dans le domaine de la notation musicale distribuée, puis aborde quatre compositions extraites du « Cycle Risset » , toutes réalisées au moyen de ce dispositif (une forme de performance assistée par ordinateur sans chef d’orchestre). D’un point de vue compositionnel, ces oeuvres ont été conçues comme des transcriptions spectrales mimétiques de sons synthétisés, en hommage au compositeur français pionnier de la synthèse sonore numérique et cofondateur de l’école spectrale. En tant qu’esthétique, la musique spectrale est à peu près contemporaine de la naissance de l’ère numérique dans les années 1970. Par une approche « néo-spectrale  » , cet article cherche à défendre un archétype compositionel (le transfert mimétique d’un son naturel/synthétisé dans le domaine instrumental/vocal) que les technologies d’aujourd’hui ont rendu moins utopiques.

Victimae paschali laudes
par Bernard PATARY

Le 21 avril dernier, jour de Pâques, retentissait, sous les hautes voûtes de l’église Saint-Eustache, la séquence grégorienne Victimae paschali laudes. Thomas Ospital, le jeune organiste de cette vaste église d’un gothique tardif, accompagnait au grand orgue la maîtrise et les chœurs de Notre-Dame, exilés sur la rive droite pour les affligeantes raisons que l’on sait, et que dirigeait Henri Chalet. Les habitués des liturgies de Notre-Dame eurent assurément un pincement au cœur, tant ce chant est lié à l’histoire récente de la cathédrale parisienne. Récente, puisqu’elle concerne seulement les dernières décennies d’un édifice qui avait, jusqu’à maintenant, traversé presque sans encombre huit cent cinquante années. L’un des prédécesseurs de M. Henri Chalet se nommait Jehan Revert. Né en 1920, décédé en 2015, Jehan Revert, ordonné prêtre en 1944, succéda trois ans plus tard à Jacques Delarue (le futur premier évêque de Nanterre) au poste de maître de chapelle de la cathédrale et fut bientôt nommé directeur de l’École de la maîtrise où lui-même avait étudié pendant l’enfance. Il ne quitta cette fonction que trente ans plus tard. Or, l’on doit au chanoine Revert une version harmonisée du Victimae paschali laudes pour grand orgue et chœur, créée par Pierre Cochereau et chantée depuis lors chaque année à Notre-Dame, le jour de Pâques. La vénérable monodie grégorienne cède ici la place à une œuvre conçue pour emplir une vaste nef ; le rythme ternaire est plein d’entrain, les orgues et les chœurs dialoguent avec vivacité. C’est cette version moderne que la maîtrise et les chœurs de Notre-Dame interprétèrent en ce dimanche si particulier, seuls : car les chanteurs de Saint-Eustache eurent l’élégance de s’effacer, reconnaissant ainsi à leurs camarades comme une préséance, rendant hommage aussi à cette maîtrise plusieurs fois centenaire et désormais sans toit.

Jakob Lenz ou la pluralité des mondes mémoriels
(Extrait de Nicolas Darbon, Wolfgang Rihm et la Nouvelle Simplicité, Lillebonne, Millénaire III, distribution : Symétrie, 2007,p. 135-139)
par Nicolas DARBON

Jakob Lenz, opéra du compositeur allemand Wofgang Rihm, sera donné au Festival d'Aix du 5 au 12 juillet 2019 dans la mise en scène de la célèbre Andrea Breth. Créé en 1979 à Hambourg, quand Rihm n'avait que 27 ans, l'opéra est depuis devenu un chef-d'oeuvre du XXème siècle. Nicolas Darbon, maître de conférence HDR en musicologie à l'université d'Aix-en-Provence, nous présente l'opéra, et plus particulièrement la complexité de son livret, entre folie et réalité.

Jakob Lenz ou la pluralité des mondes mémoriels
(Extrait de Nicolas Darbon, Wolfgang Rihm et la Nouvelle Simplicité, Lillebonne, Millénaire III, distribution : Symétrie, 2007,p. 135-139)
par Nicolas DARBON

Jakob Lenz, opéra du compositeur allemand Wofgang Rihm, sera donné au Festival d'Aix du 5 au 12 juillet 2019 dans la mise en scène de la célèbre Andrea Breth. Créé en 1979 à Hambourg, quand Rihm n'avait que 27 ans, l'opéra est depuis devenu un chef-d'oeuvre du XXème siècle. Nicolas Darbon, maître de conférence HDR en musicologie à l'université d'Aix-en-Provence, nous présente l'opéra, et plus particulièrement la complexité de son livret, entre folie et réalité.

Jakob Lenz de Wolgang Rihm est représenté cet été au festival d’Art international d’art lyrique d’Aix-en-Provence ; cet opéra fait l’objet d’un numéro de la revue Avant-Scène Opéra en 2019. Jakob Lenz, créé en 1978, est un opéra de chambre sur un livret de Michael Fröhling d’après la nouvelle du même nom de Georg Büchner. Il faut rappeler que Büchner n’est autre que l’auteur de Wozzeck mis en musique par Alban Berg et que Jakob Michael Reinhold Lenz (1751-1792) n’est autre que l’auteur des Soldats qui a, quant à lui, inspiré l’opéra du même nom de Bernd Alois Zimmermann, créé à Cologne en 1965. Wozzeck, Les Soldats, Jakob Lenz… trois opéras majeurs du XXe siècle aux liens généalogiques profonds.
L’espace immatériel et symbolique de la mémoire et les errances hallucinées des corps se déploient dans cet opéra. Cependant, la surécriture n’est pas nouvelle ; elle plonge ses racines dans une terre ancienne, bien avant Luciano Berio (Sinfonia, 1968) et d’autres «  contemporains  ». Le Jakob Lenz de Rihm est plutôt une condensation, ce que renforce le genre utilisé – entre opéra et théâtre musical -, harcelé par l’histoire, ainsi que le courant esthétique occupé par le compositeur : on confère à la Nouvelle Simplicité, dont Rihm serait la figure emblématique, une place entre tradition et modernité. Quant à l’écrivain Lenz, il a donc bel et bien existé ; après avoir écrit Die Soldaten (1776), l’artiste sombre dans la folie, la misère et l’oubli. Il meurt à Moscou, à la suite d’une crise d’éthylisme ; on ignore où se trouve sa tombe ; c’est la vie de cet écrivain tourmenté que reprendra Büchner.
Lenz, partition et livret, est entièrement remanié par le Rihm, lequel y intègre de nombreuses références à l’histoire. La pièce inachevée de Büchner était déjà très dense et ambiguë, tournant autour du thème de la folie. Des personnages, Rihm se plaît à intensifier la subjectivité et les contours psychologiques. Il use du pastiche : récitatif, Lied, et de la citation : choral, chanson à boire. La pièce de théâtre reposait sur les notes d’Oberlin, pasteur, médecin philanthrope, mais le livret de Fröhling mêle, à un pseudo-récit documentaire, un ton poétique sturm und drang assez déconcertant. Nouveau pastiche? Altération de la logique historique? Cette perturbation stylistique sert les thèmes de la folie et de la mort. On a pu parler ainsi d’un Lenz mythique, exemplaire, d’une Passion contemporaine. En plus des références temporelles multiples, Rihm se plaît à édifier son opéra sur des formes musicales baroques ou traditionnelles telles que le motet, le madrigal, la parodie, le rondeau, l’ostinato, la danse. Ce qui n’est pas sans rappeler les opéras de Berg et Zimmermann ! Sans parler des propos du héros illuminé : « Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m’as-tu abandonné ? »
Le tout sur le mode semi-parlé, le plus souvent ; une heure de conversation entre Lenz, Oberlin et Kaufmann. L’espace intérieur – les émotions, la psyché - est rendu par les voix de soprani en contrepoint ; transposé à l’espace scénique, cela donne, vers la fin, une camisole de force. Les soprani unissent par ailleurs intériorité (psychologie) et extériorité (Nature) ; elles sont la personnification de la Nature, ce qui est tout à fait de tradition allemande : que l’on songe notammant aux Hymnes à la Nuit de Novalis. Le livret repose sur la force centripète de la folie de Lenz ; or ce « personnage principal », nous précise Rihm, est lui- même « surface d’action à plusieurs niveaux1 ». Sa tessiture, par exemple, entre dans celles utilisées par ses deux compagnons, l’un ténor, l’autre basse (limites supérieure et inférieure). De même, l’instrumentarium restreint, avec clavecin, et les voix d’enfants, à la Wozzeck, resserrent l’espace acoustique autour de Lenz : complicité, intimité, intériorité. La rigidité, le confinement psychologique sont rendus par d’insistantes figures rythmiques et harmoniques.
La complexité du personnage en proie à la folie se manifeste par jaillissements ; les contrastes apparaissent comme des « strates », des atmosphères chargées d’électricité somatique ; la musique doit prendre le plus direct, le plus simple chemin vers le coeur de l’auditeur, le plonger dans le même trouble, d’un état intérieur à un autre. C’est pourquoi réalité et dé-réalité – comme le souligne Maurice Merleau-Ponty, « l’hallucination n’est pas une perception, mais elle vaut comme réalité2 » –, sont en concurrence perpétuelle, l’une tentant de tuer l’autre, prisonnière d’une mémoire vacillante et d’un présent étouffant. Rappelons que cette mémoire fictive est tout à l’image du compositeur lui-même ; l’opéra de Rihm, à l’instar de son héros, n’est qu’une manifestation de son magma intérieur, toujours in progress, authentique libération d’une personnalité diffractée, émergeant comme telle à chaque œuvre.
La scène musicale est pour moi le lieu du fabuleux et de l’humain exacerbés. Dans Jakob Lenz, l’humain glisse souvent dans le fabuleux, car le réalisme d’un esprit dérangé qui s’exhorte lui-même prend un visage irréel – à moins que nous soyons incapables de le comprendre autrement que comme tel. Sur scène, un personnage comme Jakob Lenz est complexe parce qu’il cache simultanément plusieurs scènes que la musique doit représenter. J’ai essayé la manière la plus directe : les strates musicales ne sont pas soigneusement séparées, mais omniprésentes, jusqu’à ce que – régies par leur propre dramaturgie – elles jaillissent impétueusement. La forme musicale est celle d’un rondo qui aurait plusieurs strates, une sorte de « relief »; la proximité et l’éloignement psycho- logiques sont mis en musique de façon perspectiviste, comme des courants d’atmosphère. Le fil auquel Jakob Lenz est suspendu doit être le courant qui pénètre le cœur des auditeurs. (Rihm3)
La structure dramaturgique est éclaircie par la musique. Dans un premier temps, intensification, crises de folie, conversations nourries et refus de guérir, de rejoindre les vertes prairies de la sagesse. La simplicité harmonique n’a d’égale que la linéarité du tissu motivique. Après le septième tableau, sommet de l’œuvre, le salut prend les traits de l’enfermement. La musique se fragmente, se dramatise, se raréfie au profit du parlé, murmuré, des voix intériorisées, confie plus de force aux instruments, plus de présence aux rythmes et aux motifs dont les jaillissements se font plus spontanément encore.
Il ne s’agit donc pas d’une histoire à rebondissements ; le décorum est totalement exclu. Dans l’opéra, pas de spatialisation, encore moins de spatialisation musicale ; on ne décrit pas l’errance sur la scène. On opère par court-circuits ; on va droit à l’essentiel ; la logique des conventions en est bien sûr affectée. Il est loin, le wanderer arpentant la montagne ; le réalisme du voyage, fût-il initiatique, apparaît autrement que dans le cadre d’une quête. Le voyage se signale ainsi : Jakob Lenz se trouve projeté d’un endroit à l’autre ; après la marche supposée dans les Vosges, le voici dans la fontaine de Waldersbach où le découvre Oberlin. De la chronique simple du Lenz des Soldats, avec Rihm nous passons à une transposition à un univers onirique pur. Nous sommes dans l’inconscient du héros, dans l’espace mnésique d’un être en crise, victime d’hallucinations : au premier tableau, des voix l’appellent : « Esprit ! », « Viens ! » Cet espace virtuel est moins important pour ce qu’il est que pour ce qu’il contient de symboles, de force expressive et de véracité psychologique.
Or la scène, qui nous plonge dans du temps et de l’émotion, renvoie musicalement à un état extrêmement fragmenté aussi bien que clos. Aucune allusion, description, métaphorisation ; présence effective d’un état supposé, vécu comme tel, virtuellement, la folie de Lenz. Enfermement dans un présent disloqué. Au sens premier : huis-clos. Pour Jean-Pierre Ryngaert, l’ici et maintenant devient « le creuset où le dramaturge conjugue à tous les temps les fragments d’une réalité complexe, où les personnages, saisis par l’ubiquité, voyagent dans l’espace, par l’intermédiaire du rêve ou bien, davantage encore, par le travail de la mémoire4 » .
La folie, faux rêve, mémoire agissante, lieu des obsessions, impose sa temporalité : l’accord initial (Si-Fa-Solb) enserre l’opéra dans son entier, sous de multiples formes harmonique et motivique, sorte de Leitmotiv de Lenz (au sens large). La dramatisation annihilée installe cette plage de fiction pseudo lyrique dans une tension séquentielle baroque. Eclatement pris à la gorge, expression d’une angoisse face au déroulement des faits, la musique, de même que le récit, a recours « à la réfraction prismatique pour saisir un monde instable, pris entre l’ordre et le désordre5 ». La mémoire est happée par la subjectivité ; le présent se nourrit sans attendre, dans l’instant, d’une histoire désarticulée, émiettée, mixée ; quant à l’auditeur, il doit rester à la surface des sons pour saisir l’unité des fragments qui s’entrechoquent et produisent à eux seuls le sens profond.
Ainsi, la complexe simplicité du héros, de son tourment, est dévolue à la pluralité des mondes mémoriels, espace ouvert tout autant que clos, infiniment, sollicitant l’imagination non moins dynamique du public.

1 RIHM, Wolfgang, cité in Jakob Lenz, programme, Nanterre, Théâtre des Amandiers, 1995.
2 MERLEAU-PONTY, Maurice, Phénoménologie de la perception, Paris, Gallimard, 1945, p. 394.
3 RIHM, Wolfgang, cité in GINDT, Antoine, « Jakob Lenz selon Wolfgang Rihm », livret de l’opéra, Opéra du Rhin, septembre 1993.
4 RYNGAERT, Jean-Pierre, Lire le théâtre contemporain, Paris, Dunod, 1993, p. 102. 5 Ibid., p. 103.

« La pratique de la musique juive en Alsace  »
par Hector SABO

Pour commencer, je voudrais vous raconter que, dès mon arrivée en France il y a trente-deux ans, dans le but de compléter ma formation de musicien classique, c’est le hasard, celui des situations, des rencontres, qui m’a « invité » de manière un peu inattendue, à m’intéresser aux divers aspects de la musique juive, avec un accent particulier mis sur la pratique des musiques liturgiques.

Brève présentation de mes motivations pour le sujet
C’est à partir de ma deuxième année en France que j’ai eu l’occasion d’explorer et de pratiquer ces musiques-là pendant les dix-huit années d’activité musicale passées à la tête de la chorale Le Chant Sacré de la Grande Synagogue de Strasbourg, puis, par la suite, avec le Chœur Juif de France, que je dirige depuis douze ans sous l’égide du Consistoire israélite de Paris–Ile de France. A Strasbourg, ce sont aussi vingt-trois années d’activité ininterrompue déjà, depuis 1996, avec la création et la direction musicale et artistique du chœur Les Polyphonies Hébraïques de Strasbourg, qui me donnent à chaque nouvelle saison l’occasion d’explorer de nouvelles pièces de ce riche répertoire qu’est celui de la musique hébraïque, ou de la musique liée d’une manière ou d’une autre à la culture juive.

Informations supplémentaires sur mes motivations et entrée en matière
Les recherches en musicologie que j’ai pu effectuer lors de mes études à l’université de Strasbourg m’ont également permis de découvrir divers aspects de la musique juive en Alsace, puisque j’avais choisi comme sujet d’études : l’exploration de la vie et de l’œuvre d’Israël Lovy, celui qui fut le premier Ministre-officiant du premier Temple consistorial de Strasbourg.